Coltivare parole - 4

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Ci sono testi che, se letti almeno una volta lasciando che ci parlino, si radicano in noi per riaffiorare poi spontaneamente nel tempo, come cosa che si è fusa con le nostre percezioni ed esperienze. Anzi, capace di esprimerle perchè la poesia ha il potere di cogliere in noi sorgenti nascoste anche a noi stessi e di regalarci il linguaggio col quale attingere ad esse. 
Viviamo talora stati d'animo confusi che non sappiamo sciogliere in parole, ma che la prosa di uno scrittore o i versi di un poeta sanno spesso restituirci con luminosa chiarezza: Ungaretti direbbe con "limpida meraviglia". Allora la vita e la morte, la gioia e lo stupore, la solitudine o l'affanno possono riemergere dal nostro cuore con le parole dei poeti divenute ormai nostre.

Vi sarà certo capitato di vivere questa esperienza, non solo ritrovando in voi le espressioni a tinte fosche che usa talora Dante all'Inferno - "Lasciate ogni speranza...", "Non ti curar di lor..." - ma di inoltrarvi anche nella profondità meditativa di quel "figlia del tuo figlio" dell'ultimo canto del Paradiso facendo vostra la preghiera di San Bernardo a Maria. Per non parlare poi della contemplazione del cielo stellato con cui finiscono le tre cantiche dantesche, una suggestione che ha attraversato nel tempo la letteratura: dal "candido volto de le stelle" del Tasso alle "Vaghe stelle dell'Orsa" del Leopardi, dai versi del Pascoli fino a Ungaretti. 
Proprio di Giuseppe Ungaretti (1888 - 1970) è il testo di oggi, tratto dalla raccolta "L'Allegria" e caratterizzato dalla struttura frammentata del verso e da quell'incisività tipica dell'Ermetismo. Eccolo:

Sereno

Dopo tanta
nebbia
a una
a una
si svelano
le stelle

Respiro
il fresco
che mi lascia
il colore del cielo

Mi riconosco
immagine
passeggera

Presa in un giro
immortale.

(Bosco di Courton, 1918) 

È una meravigliosa sensazione di sollievo quella che il poeta ci comunica nella sua contemplazione del cielo, un sollievo che ci pervade piano mentre il respiro si fa più calmo. Immaginiamolo steso per terra con la faccia alla meraviglia della volta stellata e noi con lui, mentre la natura ci pervade corpo e anima di stupore e di pace. Il poeta scrive nel contesto della guerra dove la morte è esperienza quotidiana; ma la nebbia che si dissolve piano, oltre che segno di speranza per il suo presente, può essere anche metafora di ciò che talora avviene in tante vite e in ogni situazione che, dopo il buio della sofferenza, ritrovi la luce. Ma soffermiamoci sul testo.

Scrive di notte Ungaretti e - se ricordate la celebre poesia "I fiumi" - non è la prima volta: scrive in trincea, nelle pause dall'orrore, negli sprazzi di riposo e raccoglimento. I suoi sono pensieri nati sul filo sottile di una precarietà avvertita anche nel proprio corpo e, come spesso avviene, è la natura la sua interlocutrice. A somiglianza di altri suoi testi, la struttura di "Sereno" vede una prima strofa puramente descrittiva, soggetto della quale qui sono le stelle; una seconda strofa dove soggetto è invece il poeta che registra una percezione fisica (Respiro), e le ultime due dove esprime una riflessione (Mi riconosco). Vi cogliamo quindi un passaggio da ciò che vede fuori di sè, a ciò che sente col corpo e infine con la propria interiorità. 

"Dopo tanta /nebbia /a una /a una/ si svelano /le stelle": qui un velo si dissolve, un sipario si apre lento, dove il tanta contrasta con quel a una / a una in versi separati, per farci cogliere la levità del movimento con cui la nebbia svanisce e riappare il cielo stellato. 
La sua limpidezza crea un'intensa sensazione di frescura che il poeta rende con una sinestesia, associando in un'unica espressione percezioni nate da sensi diversi, in questo caso il tatto e la vista. "Respiro / il fresco / che mi lascia / il colore del cielo": è il blu profondo della volta stellata con tutta la sua suggestione - e forse anche col vento - a dare una sensazione tattile che Ungaretti avverte col respiro. È la percezione fisica di un ritorno alla vita dal chiuso, dall'ottundimento, dall'opacità, davanti a uno spettacolo della natura che tocca il suo corpo ma apre anche l'anima destando stupore.

La sua riflessione conclusiva infatti ci parla di consapevolezza della dimensione creaturale dell'essere umano: "Mi riconosco / immagine / passaggera / Presa in un giro / immortale". Certo, tale riflessione nasce dal confronto tra la magnificenza della natura e la piccolezza dell'uomo la cui precarietà è sottolineata dall'esperienza della guerra come testimoniano svariati altri testi ungarettiani. 
Ma la poesia non si ferma qui e riconosce che tale precarietà è presa in un giro immortale. Immediato risalta il contrasto tra i termini immagine (che può indicare qualcosa di evanescente), passaggera (che ne sottolinea la fragilità) e immortale che invece definisce ciò che va oltre il limite umano e ha in sè una scintilla di eternità. 
È una posizione che supera ciò che Ungaretti aveva scritto solo due anni prima in un testo di tre soli versi intitolato "Dannazione": "Chiuso tra cose mortali / (anche il il cielo stellato finirà) / perchè bramo Dio?". 
Se è pur vero che anche il cielo stellato finirà, in "Sereno" invece esso resta segno di una grandezza infinita di cui l'essere umano, pur piccolo, è partecipe: una grandezza che non si lascia soggiogare e nella quale possiamo attingere alla parte migliore di noi stessi.

E per commentare in musica questo testo ungarettiano sono tornata ad Antonio Vivaldi (1678 - 1741) con un brano già pubblicato tre anni fa, ma che ripropongo qui per la sua estrema leggiadrìa. 
Si tratta dell' "Andante" dal "Concerto in Si bemolle Maggiore RV 583 per violino discordato", brano che, nella parte introduttiva, ci pervade con quello stupore incantato che davvero può accordarsi alla visione di un cielo in cui lentamente la nebbia si dirada e, a una a una, ricompaiono le stelle. 
È qui che, sugli accordi del basso che si ripetono sempre uguali, il violino solista inanella la sua melodia, un tema che va progressivamente fiorendo per fare alla fine tutt'uno con la base degli archi. 
Una musica che ci conduce piano ad un'intensa contemplazione, simile a quella della poesia di Ungaretti dove canto della natura e canto dell'essere umano si fondono. 

Buon ascolto!

(La foto, che riporta un dettaglio del dipinto "Notte stellata sul Rodano" di Van Gogh, è presa dal web)

Facciamo un esercizio?...

Bene, cari amici, oggi vi propongo un piccolo esercizio. 
"E che? - dirà forse qualcuno - Ora ti metti a fare la prof.???..." 
No, tranquilli! Solo che, ascoltando il brano di oggi, mi è venuto spontaneo confrontare alcune esecuzioni e la stessa cosa chiedo a voi.

Quello che vi presento, tratto dai "13 pezzi per piano" del finlandese Jean Sibelius (1865 - 1957), è lo "Studio n.2 op.76" che il video riporta quattro volte, suonato da quattro interpreti diversi e precisamente nell'ordine: Olli Mustonen, Yuja Wang, Havard Gimse e Denis Matsuev. Ora l'esercizio consiste nel rispondere a queste semplici domande. Quali differenze sentite tra le varie esecuzioni? Quali suggestioni esse vi evocano? E quale preferite?

Le didascalie su youtube vi danno alcune indicazioni e del resto, se restiamo sul piano tecnico, alcune differenze sono evidenti; ma se parliamo di gusto, vi suggerirei di ascoltare il brano liberamente in momenti diversi perchè talora le nostre percezioni possono cambiare nel tempo. Per esempio, a tutta prima io avevo scelto la terza esecuzione per la sua espressività fatta di passaggi ora più veloci e poi subito rallentati che conferiscono al pezzo un afflato romantico, mentre poi ho rivalutato la quarta più scandita e regolare. 

Osservando lo spartito può sembrare uno Studio semplice, ma in realtà, se lo si vuole suonare senza appiattirlo o banalizzarlo - cosa in questo caso molto rischiosa - occorre grande attenzione alla diteggiatura, alle note ribattute e soprattutto alle varie dinamiche che conferiscono espressione. In tal modo, anche un brano come questo può diventare un pezzo di bravura e non per niente alcuni concertisti lo scelgono per i bis. 
Il suo pregio è quello di essere una musica versatile e molto ritmata che si può adattare a differenti interpretazioni: ora veloce e trascinante come una danza, ora più leggera; ora più dinamica e morbida ad esaltare crescendo e diminuendo, forte e piano, oppure lenta e scandita in una chiara alternanza di staccati e legati. E il bello è che la tonalità di La minore non la immalinconisce affatto nè ne attenua la vivacità. 

Detto questo però, devo aggiungere che - contrariamente ad altri pezzi di Sibelius ispirati ad atmosfere nordiche - il brano mi evoca invece due autori del passato. Il primo è Chopin con lo "Studio n.9 op.25" : se ne osservate infatti lo spartito, noterete che non solo ha lo stesso tempo di 2/4, ma anche accenti ritmici e una struttura musicale simile sia nella mano destra che nella sinistra. E se Sibelius, circa 80 anni dopo, affascinato da Chopin ne avesse preso spunto?...
Ma il secondo autore che qui - sia pure lontanamente - sento riecheggiare soprattutto dalla battuta 17 in poi è Bach! Non chiedetemi però dove: non è un'aria precisa quella che il brano mi richiama, ma piuttosto un'atmosfera, un clima musicale che ricorda il rigore di certe strutture bachiane che tutti abbiamo interiorizzato nel tempo e che qui riaffiorano in un contesto non più barocco, ma romantico.

Buon ascolto! 

(La foto è presa dal web) 

Buona Pasqua!!!

Beato Angelico (1395 - 1455) : "Discesa di Cristo agli inferi" - Firenze, Museo di San Marco.

 

 Karl Jenkins (n. 1944) : "Cantate Domino".

Venerdì Santo

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Giovanni Bellini (1430 - 1516) : "Cristo morto sorretto da due angeli" - Venezia, Museo Correr.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 - 1791): "Agnus Dei" dal "Requiem K.626".

Paradisi gloria

 

 

 

Non so se, in alto loco, perdoneranno il mo ritardo nel celebrare qui la festa dell'Annunciazione che cadeva il 25 marzo. Ma confido nella larghezza di cuore di quanti vivono ormai al di là delle esigenze del calendario. 
Così oggi vi presento Maria e l'Angelo in un dipinto di Dominikos Theotokopulos, più conosciuto come El Greco (1541 - 1614), artista di origine cretese ma vissuto anche in Italia dove è venuto a contatto col colorismo veneziano e poi in Spagna dove ha lavorato alla corte di Filippo II.

Pittore originalissimo, il cui stile predilige figure sinuose e allungate e una luce intensamente drammatica che talora può ricordare il Tintoretto, El Greco si distingue anche per tratti di notevole modernità rispetto al periodo in cui opera. Per rendersene conto basta osservare qui a lato la "Veduta di Toledo", dipinto molto rappresentativo sul quale tornerò in futuro. 
Non sapessimo che è stato realizzato nel 1610, forse lo scambieremmo per un'opera di Cézanne o magari di Kandinsky.
Oltre ad una dimensione visionaria, infatti, leggiamo nell'artista un predominio del colore sulle linee e una deformazione espressionistica volta a lasciare in secondo piano il realismo dell'oggetto raffigurato, per far emergere i sentimenti e le emozioni che esso può suscitare.

Così è anche per l' "Annunciazione" che vedete, conservata al Museo Thyssen Bornemisza di Madrid. Lo testimoniano le figure allungate, l'espressione estatica di Maria insieme all'atmosfera di misticismo, i contrasti luministici, ma direi soprattutto l'ambientazione in uno spazio più che mai visionario nel quale universo terreno e ultraterreno si fondono. 

C'è la corte celeste ad assistere all'annunzio portato alla Vergine, tra cherubini sotto e angeli musicanti sopra le nuvole, come potete osservare dalle foto. Una corte celeste che mi fa sempre pensare a quel Sermone di San Bernardo che ho già citato altre volte, nel quale il Santo immagina che tutta la creazione in cielo e in terra sia rimasta per un attimo col fiato sospeso in attesa del Sì di Maria. 
Tecnicamente, gli angeli musicanti sono raffigurati in una sorta di folla confusa che, se rende il dipinto diverso dai concerti talora un po' ieratici degli artisti del passato, testimonia però la capacità del pittore di ambientare liberamente le figure nello spazio secondo la lezione del Barocco di cui siamo solo alle soglie. L'opera infatti è stata realizzata tra il 1596 e il 1600.

Interessanti anche le pennellate di colore sommarie, veloci e modernissime nei raggi che escono dalla colomba dello Spirito Santo che vedete qui a lato insieme a frotte di cherubini. Se ne sarà ricordato William Congdon nel realizzare alcune sue opere come la Natività?...
Ma colpisce anche l'espressività dei gesti dell'Angelo e di Maria che ci restituiscono lo spessore dell'evento: una fanciulla estatica ma anche turbata, che forse intuisce - e certo intuirà in futuro meditando le Scritture e mettendo assieme i pezzi di quanto le accade - il destino di morte e resurrezione di Colui che deve nascere.

Proprio per questo - ma anche in considerazione della vicina Settimana Santa - nella scelta del brano di musica non ho pensato ad un "Et incarnatus est" come talora ho fatto in passato, ma allo "Stabat Mater" che Franz Joseph Haydn ha scritto nel 1767, e in particolare al "Quando corpus morietur".

Si tratta del movimento finale della composizione, che in realtà unisce due tempi caratterizzati da tratti musicali molto diversi: il "Quando corpus morietur" lento, cupo e struggente nella tonalità di Sol minore, e il "Paradisi gloria" decisamente vivace in un luminoso Sol maggiore. Vi si alternano solisti, coro e la voce del soprano che si fa ancora più smagliante in alcuni passaggi di coloratura.

Anche la struttura è differente: il primo è un Largo assai il cui tema iniziale può ricordare il celebre "Quando corpus morietur" che Pergolesi aveva scritto circa trent'anni prima e al quale forse anche Rossini si sarà ispirato nel 1842. 
È un pezzo meditativo che apre uno squarcio drammatico sulla realtà della morte, ma che non si ferma lì perchè il testo dello Stabat Mater - ricordiamo, attribuito a Jacopone da Todi (1208 - 1306) - prosegue con "fac ut animae donetur Paradisi gloria".

Così, la seconda sezione del brano - il "Paradisi gloria" seguito dall'Amen conclusivo - apre a una speranza che musicalmente Haydn ci restituisce attraverso una fuga grandiosa e scintillante che inizia dai bassi procedendo su su verso l'alto fino ai soprani. Una speranza ribadita con profonda convinzione in quel Paradisi perfettamente scandito - a ogni sillaba una nota - e insieme attraverso la durata che il compositore attribuisce al pezzo rendendolo più ampio del precedente. 
Il brano va poi a concludersi con le voci di tutti, in una coralità che ci fa percepire gioiosamente ciò che l'Annunciazione prefigura.

Buon ascolto!

(Le foto sono prese dal web) 

Coltivare parole - 3

Da cosa nasce cosa, lo sappiamo. E l'ispirazione per questo post mi è venuta da una semplice parola della poesia di Antonia Pozzi pubblicata il mese scorso. È stato quel "giuncheto" a riportarmi subito alla mente i versi di Dante Alighieri (1265 - 1321) nella Divina Commedia e in particolare la fine del I Canto del Purgatorio quando il poeta, per poter salire alla montagna dalle sette balze, deve sottoporsi a un rito di purificazione. 
Una scena letta più volte ma che non smette mai di affascinarmi.

È l'atmosfera del luogo a colpirmi prima di ogni altra cosa. 
Siamo nell'Antipurgatorio e, dopo le tenebre e gli orrori infernali alla fine dei quali Dante e Virgilio erano tornati a riveder le stelle, ora sono i colori dell'alba, intensi e insieme delicati, a rasserenare il nostro sguardo e a stupirci con la loro trasparenza. 
"Dolce color d'orïental zaffiro" scrive il poeta al verso 13, riportandoci alla raffinata gradazione di antiche pietre preziose. Non è ancora luce piena, ma il magico incanto dell'alba rasserena l'anima in un cielo d'inarrivabile purezza nel quale si scorgono quattro stelle, simboli delle virtù cardinali. 
In tale atmosfera, appare Catone Uticense che, convinto da Virgilio in nome di quella libertà che Catone stesso aveva stimato più della vita, permette a Dante l'ascesa alla montagna del Purgatorio, non prima però che il poeta abbia compiuto un rito di purificazione e di umiltà lasciandosi lavare il viso con la rugiada del mattino e cingere i fianchi con un flessibile giunco. 
Proprio qui desidero soffermarmi, ecco il testo:

"Questa isoletta intorno ad imo ad imo,
là giù colà dove la batte l’onda,
porta di giunchi sovra ’l molle limo:

null’altra pianta che facesse fronda
o indurasse, vi puote aver vita,
però ch’a le percosse non seconda." (vv.100-105)

Catone indica loro una spiaggia alla base della montagna dove, proprio nel punto in cui il terreno è più molle, crescono dei giunchi e solo la flessibilità di queste piante acquatiche consente loro di resistere all'impeto delle onde. 
È la delicatezza della descrizione ad affascinarmi: un quadretto naturalistico in uno spazio più basso e appartato (ad imo ad imo), lontano (là giù), nel quale possiamo immaginare l'azzurro dell'acqua e il chiaro delle spume, insieme al grigio della fanghiglia sulla riva e alle sfumature di verde o marrone del giuncheto. 
Tinte lievi e pacate che, più che ai miniatori del XV sec. che - come si vede nella foto - hanno creato immagini dai colori vivaci, a mio avviso sarebbero piaciute a De Nittis. Un panorama che Dante definisce a partire da ciò che si vede, ma anche da ciò che si sente, come il suono ritmato delle onde sulla battigia che riecheggia piano nel verso "là giù colà dove la batte l'onda".

Ma avverto anche un senso di intimità in tale descrizione che fonde elementi paesaggistici con l'intensità del momento in cui il poeta si avvia a proseguire il proprio viaggio in un'atmosfera soffusa di speranza. È la luce protagonista di questi versi: non ancora il vivido fulgore del Paradiso, ma la luminosità discreta di un nuovo cammino che inizia con incertezza ma insieme con fiducia, come accade nelle fasi di passaggio dell'esistenza di cui tutto il Purgatorio è in qualche modo emblema. Bellissimi i seguenti versi:

"L’alba vinceva l’ora mattutina
che fuggia innanzi, sì che di lontano
conobbi il tremolar de la marina." (vv.115-117)

I due viandanti si mettono in cammino mentre l'alba vince progressivamente l'ombra della notte ed è a questa luce ancora incerta che Dante scorge il mare. Sì, il mare, di cui coglie da lontano il palpitare delle onde! Non dice semplicemente che lo vede, ma che lo riconosce dal movimento di luce e di acque (conobbi il tremolar della marina): percezione delicatissima, forse solo un barlume simile a quello di chi si sta svegliando! 
Non so se ci sia immagine più efficace ad esprimere lo stupore e il sollievo che Dante deve aver provato dopo la sudicia, soffocante e angusta oscurità infernale! Ora invece torna la luce e con essa il respiro, l'apertura verso un orizzonte spaziale più ampio (di lontano).

La scena mi ricorda quanto la visione del mare nel tempo sia stata liberatoria, nella storia come nella poesia. Ho in mente, in un contesto diverso e certo più impetuoso, l'urlo di felicità dei mercenari greci, "Thalatta! Thalatta!" (Mare! Mare!), quando - come narra Senofonte nell'Anabasi - tornando dalla Persia nel 401 a.C. dall'alto del monte Teche avvistarono finalmente le acque del Mar Nero e sentirono il ritorno a casa più vicino. 
Ma ritrovo quasi uguale il verso dantesco nella poesia "I pastori" ("O voce di colui che primamente / conosce il tremolar della marina!") dove il D'Annunzio descrive il momento in cui il primo dei pastori transumanti dall'alto dei monti abruzzesi vede il mare e ha un grido di gioia. 

Ma torno al testo e in particolare a Virgilio che, seguendo le indicazioni di Catone, da uno spiazzo erboso ancora in ombra prende la rugiada della notte e con essa lava il viso di Dante purificandolo dalla caligine infernale:

"Noi andavam per lo solingo piano
com’om che torna a la perduta strada,
che ’nfino ad essa li pare ire in vano.

Quando noi fummo là ’ve la rugiada
pugna col sole, per essere in parte
dove, ad orezza, poco si dirada,

ambo le mani in su l’erbetta sparte
soavemente ’l mio maestro pose:
ond’io, che fui accorto di sua arte,

porsi ver’ lui le guance lagrimose;
ivi mi fece tutto discoverto
quel color che l’inferno mi nascose."

Venimmo poi in sul lito diserto,
che mai non vide navicar sue acque
omo, che di tornar sia poscia esperto." (vv.118-132)

La scena si svolge in un'atmosfera di solitudine (solingo piano...lito diserto) e il mare che mai non vide navigar sue acque / omo, che di tornar sia poscia esperto è lo stesso in cui si è inabissato Ulisse al canto XXVI dell'Inferno. 
Ciò in apparenza potrebbe comunicare un senso di sgomento. Tuttavia, questa a me non pare la solitudine straniante che ha circondato l'eroe e i suoi compagni nel loro folle volo, ma solo la trasposizione esterna del silenzio interiore di chi, come Dante, sta ritornando a la perduta strada.

"Quivi mi cinse sì com’altrui piacque
 oh maraviglia! ché qual elli scelse
l’umile pianta, cotal si rinacque

subitamente là onde l’avelse." (vv.133-136)

Qui, Virgilio coglie dal terreno un giunco, per la sua flessibilità simbolo di umiltà e sottomissione, e con esso cinge i fianchi di Dante che solo in tale disposizione d'animo potrà iniziare la salita. La scena è semplice e severa come un rituale, e di nuovo avvertiamo l'eco del canto di Ulisse in quel com’altrui piacque, riferito a una volontà superiore che tutto governa.

Immagine conclusiva è il prodigio per cui la pianta del giunco rinasce subito dopo dopo essere stata colta: segno della vita nuova alla quale Dante si sta avviando e simbolo di resurrezione anche perchè l'alba che qui il poeta descrive è quella del giorno di Pasqua. Sono versi che, per certi aspetti, ci rivelano un Dante pittore che tuttavia fonde sempre l'attenzione al paesaggio e al dettaglio naturalistico con un significato spirituale più alto.

E con quale musica commentare le toccanti parole del poeta? La scelta non è stata facile, ma alla fine sono tornata a una delle mie passioni più antiche, a un brano che spesso ho cercato sulle note di una tastiera prima ancora di averne in mano lo spartito. Si tratta dell' Adagio dalla "Toccata, adagio e fuga in Do maggiore BWV 564" di Bach che ho pubblicato agli esordi del blog.

Il suo ritmo, segnato dagli accordi della pedaliera e dall'intensità dell'organo, mi fa pensare a un cammino più o meno erto: a quello di Dante prima di tutto, ma - piccolo piccolo - anche al mio nell'addentrarmi gradatamente nel variegato mondo della musica. È un brano che mi accompagna da tempo e mi parla quasi avesse la regolarità di un respiro o di un passo tranquilo o di un discorso pacato, e penso possa essere così anche per altri che l'ascoltano. Sono infatti note dall'afflato meditativo che ci consentono di osservare la realtà da un angolo di visuale che ce ne svela lo spessore e la meraviglia. 

Mi si obietterà che il panorama in cui Dante si muove, per quanto non sfolgorante, è però luminoso e questo Adagio è invece in tonalità minore. Vero. Tuttavia, ciò che Bach ci comunica a me non pare tristezza, ma un senso di profondo raccoglimento simile al silenzio interiore del poeta di cui parlavo sopra. E se il paesaggio del Purgatorio è talora chiaroscurale, anche l'Adagio s'illumina qua e là con lievi aperture, oltre ad alcuni passaggi conclusivi che risolvono dolcemente in tonalità maggiore.

Buon ascolto!

(La foto, presa dal web, rappresenta Dante e Virgilio nella scena descritta. La miniatura, conservata alla Biblioteca Apostolica Vaticana, è opera di Guglielmo Giraldi, XV sec.)

Non solo Mozart

Multiforme è sempre stato il panorama della musica: da pezzi che ci caricano di energia invitandoci magari alla danza, ad altri che ci conducono verso sconfinate profondità e ad altri ancora che sanno ricucire i lembi dell'anima con tale dolcezza che non finiremmo mai di ascoltarli.  
Proprio in rifermento a questi ultimi, ho spesso ricordato l'intensità terapeutica di certi brani di Mozart, a cominciare dal terzo tempo della Serenata Gran Partita K.361 o dal mirabile Adagio del Concerto per clarinetto K.622, solo per fare qualche esempio.

Ma oggi, a prendersi cura della mia giornata regalandomi una sorprendente distensione, è il compositore francese Gabriel Fauré (1845 - 1924) col "Cantique de Jean Racine op.11" nel quale tante volte mi ero imbattuta su youtube senza tuttavia ascoltarlo fimo in fondo con la dovuta attenzione. 
Si tratta di un brano per coro misto scritto in origine con l'accompagnamento di pianoforte e organo. Qui lo trovate invece in una versione orchestrale che sostiene il canto dei meravigliosi VOCES8 e del loro ensemble coristico diretto da uno dei componenti.

Il testo che Faurè ha messo in musica a soli diciannove anni è opera del poeta Jean Racine (1639 - 1699) che, a sua volta, aveva tradotto liberamente l'antico inno "Consors paterni luminis" attribuito a sant' Ambrogio. Vi troviamo un'invocazione a Dio perchè diffonda sul mondo il fuoco della Sua grazia disperdendo l'inferno, risvegliando coloro che si sono sviati e ricolmando gli oranti di ogni benedizione. Eccolo:

"Verbe égal au Très-Haut, notre unique espérance,
jour éternel de la terre et des cieux,
de la paisible nuit nous rompons le silence;
Divin Sauveur, jette sur nous les yeux;
répands sur nous le feu de ta grâce puissante
que tout l'enfer fuie au son de ta voix.
Dissipe le sommeil d'une âme languissante
qui la conduit à l'oubli de tes lois!
O Christ sois favorable à ce peuple fidèle
pour te bénir maintenant rassemblé;
reçois les chants qu'il offre
à ta gloire immortelle,
et de tes dons qu'il retourne comblé."

Sul piano strettamente musicale, dopo una pacata introduzione dell'orchestra in cui il tema è annunciato dagli archi e accompagnato dal suono melodioso dell'arpa, il pezzo di Fauré si dipana dolce e cantabile in un riposante andamento ripreso poi dalle voci e da altri strumenti. Se l'impianto è ancora quello classico di certi suoi pezzi giovanili, il compositore ci restituisce tuttavia anche un'impronta romantica ricca di una soavità che - a mio modesto avviso - può ricordare lo stile usato da Mendelssohn in certi pezzi corali come per esempio il Salmo 42.

Bellissimo l'attacco scalato del coro che inizia dai bassi per arrivare alle voci più alte arricchendosi progressivamente di armonioso spessore. Il brano si dipana quindi con una luminosa parte iniziale in tonalità maggiore, poi quella centrale più ombrosa e intensa in minore per concludersi di nuovo in un clima di serenità. Splendide le riprese del tema da parte del corno e dell'oboe in un procedere non privo di una certa solennità. 
A regalarci un ampio respiro è proprio questo senso di calma e di pace insieme alla coesione delle voci che il live ci restituisce in pieno e alla gioia che coinvolge tutti: coristi, orchestrali e direttore.

Un brano che dispone alla serenità, ma al tempo stesso mi suscita, acuto e tormentoso, il desiderio di poterlo cantare un giorno con qualche formazione corale e non solo dietro lo schermo di un computer. Ma per il momento resta un sogno, come i tanti che nutro in questi tempi difficili.

Buon ascolto!

(La foto è presa dal web) 

"La grande zolla"

Da parecchio tempo, in lista d'attesa tra le immagini da pubblicare, avevo il celebre acquerello di Albrecht Dürer (1471 - 1528) intitolato "La grande zolla", e finalmente oggi mi sono regalata la gioia di condividerlo con voi.
L'opera - conservata all' Albertina Museum di Vienna - insieme all'altrettanto famoso Leprotto testimonia l'attenzione dell'artista verso il mondo della natura qui raffigurato con estremo realismo.

Dürer, pittore tedesco tra i più famosi, ma insieme incisore e studioso di matematica, si muove nell'ambito del Rinascimento del quale ha fatto propri i caratteri durante i suoi numerosi viaggi che, da Norimberga, lo hanno condotto sia in altre città tedesche che in Italia, in particolare a Venezia. Ma occorre sottolineare anche il suo talento precoce e la sua apertura a differenti ambiti della rappresentazione: dal ritratto al paesaggio, a temi sacri, mitologici e naturalistici. E in ogni ambito va rimarcata la grande cura per il dettaglio che lo avvicina agli artisti fiamminghi.

Proprio tale minuziosa precisione mi attira in quest'opera che, nel suo piccolo, rappresenta un mondo. 
Decisamente accurata è infatti la raffigurazione della zolla dal fogliame fino alle radici, in una fusione di splendore artistico ad attenzione scientifica che colloca a pieno diritto il quadretto nell'approccio alla realtà tipico del mondo rinascimentale.

È la bellezza colta in quei dettagli che ci potrebbero anche sfuggire e che l'artista riporta invece davanti al nostro sguardo con esattezza e insieme con stupore. In apparenza una semplice zolla di terra con le piante selvatiche che vi attecchiscono, ma in realtà il folto delle sue erbe - tra le quali riconosciamo tarassaco, piantaggine e pratolina - è una sorta di bosco in cui si incrociano steli dalle diverse infiorescenze e fogliame dalle varie gradazioni di verde.

Immaginiamo per un momento di essere un insetto tra quel fogliame: esso ci apparirà proprio come una boscaglia intricata, un groviglio disordinato e in certi punti misterioso e oscuro nel quale è facile perdersi. Al tempo stesso, questo acquerello mi fa tornare bambina davanti alle prime enciclopedie illustrate e mi riporta al sogno di entrare in quel mondo naturalistico, di aggirarmi come una piccola Alice nel paese delle meraviglie tra erbe alte e spazi minuscoli che per qualche momento si dilatano solo per me.

Ma tale descrizione pittorica precisissima, vero pezzo di bravura quasi il Dürer fosse un esperto di botanica, mi ricorda anche la pagina altrettanto minuziosa di un altro artista che tutti conosciamo non certo come botanico, ma come letterato: Alessandro Manzoni.

Mi riferisco alla descrizione che l'autore fa della vigna di Renzo quando, al cap.33 de "I promessi sposi", il giovane torna al suo paesello e trova casa e orto devastati prima dai birri, poi dai Lanzichenecchi e infine dai compaesani che in quel terreno ormai abbandonato venivano a far legna. 
Certo, una vigna non è una semplice zolla e l'intento dello scrittore nella sua ampia descrizione ha forse significati più profondi che alludono alla dimensione caotica della natura quando è lasciata a se stessa. Al di là di questo tuttavia, il linguaggio ci rivela un Manzoni inusitato e sorprendente, e se alcuni termini come marmaglia e guazzabuglio sono gli stessi che in altri punti del romanzo attribuisce alle persone, sul piano botanico le sue conoscenze sono precisissime.
Riporto qui qualche stralcio della descrizione: 

"Era una marmaglia d'ortiche, di felci, di logli, di gramigne, di farinelli, d'avene salvatiche, d'amaranti verdi, di radicchielle, d'acetoselle, di panicastrelle e d'altrettali piante; di quelle, voglio dire, di cui il contadino d'ogni paese ha fatto una gran classe a modo suo, denominandole erbacce, o qualcosa di simile. Era un guazzabuglio di steli, che facevano a soverchiarsi l'uno con l'altro nell'aria, o a passarsi avanti, strisciando sul terreno, a rubarsi in somma il posto per ogni verso; una confusione di foglie, di fiori, di frutti, di cento colori, di cento forme, di cento grandezze: spighette, pannocchiette, ciocche, mazzetti, capolini bianchi, rossi, gialli, azzurri.(...)"

Insomma, realismo anche quello del Manzoni forse unito alla volontà di comporre un pezzo di bravura. E proprio tale varietà di ispirazione unita allo splendore estetico - del Dürer sul fronte pittorico e del Manzoni su quello letterario - mi hanno fatto pensare al brano di oggi.

Si tratta del primo tempo, Allegro, della "Sonata in La maggiore op.17 n.5" di Johann Christian Bach (1735 - 1782): sì, proprio uno dei numerosi figli del celeberrimo Giovanni Sebastiano. A dedicarsi alla musica non è stato l'unico: insieme a lui infatti troviamo anche i fratelli maggiori Wilhelm Friedemann, Carl Philipp Emanuel e Johann Christoph Friederich, ma certo - forse anche perchè più giovane degli altri - ha assorbito in misura minore i tratti tipici dello stile paterno. Ascoltandone infatti le composizioni, cogliamo un clima differente, molto più vicino al classicismo che ai canoni della musica barocca.

Il brano che ho scelto ne è un limpido esempio, soprattutto nell'interpretazione ricca di espressività di Daniil Trifonov, che accentua liberamente la dolcezza del pezzo variandone talora il ritmo con una sorta di rubato, almeno così a me pare. La morbidezza melodica e l'intensità di certi passaggi sono tali che, se non sapessimo che l'autore è un Bach, saremmo forse tentati di attribuire il brano a Mozart che - tra l'altro - aveva conosciuto Johann Christian e ne era stato grande estimatore. In effetti, non è fuor di luogo ipotizzare che lo stesso Mozart si sia talora ispirato a lui. Ascoltate, per esempio, la frase musicale a 2,22 dall'inizio - ma non solo - e ditemi se non è la stessa che ritroviamo poi in un passaggio del primo tempo del celebre Concerto per pianoforte K.488.

Insomma, un brano simile a un quadretto musicale raffinato e morbido, preciso e vario nell'alternanza di luci ed ombre e in quei frequenti trilli che s'inanellano a somiglianza dell'intrecciarsi degli steli e del fogliame nella grande zolla erbosa.

Buon ascolto!

(La foto è presa dal web) 

Maestro e allievo

Strano non averlo ancora pubblicato! 
Quando per caso giorni fa ho risentito su youtube il pezzo che vedete, ho fatto passare tutte le composizioni che ho qui a lato alla voce Bach - e ci vuole una bella pazienza perchè sono 105! - così mi sono accorta che no! non c'è proprio.

Poi però ho capito il motivo. L'attribuzione del brano è incerta, forse a suo tempo non ho avuto voglia di indagare oltre e l'ho abbandonato al suo destino. Oggi invece l'ho voluto rispolverare andando anche a vedere cosa dicono i sacri testi in proposito. Così ho scoperto che sono state avanzate ipotesi che l'autore - invece del nostro Giovanni Sebastiano - sia l'organista Johann Tobias Krebs insieme al figlio Johann Ludwig che di Bach era stato era stato allievo, ed era diventato un organista abilissimo quasi quanto il suo maestro. 
Oltre ai due Krebs, si fanno poi anche altri nomi, tuttavia, non essendo sicura la paternità, la questione resta aperta.

Ma qual è il brano di cui sto parlando e perchè mi è piaciuto?
Si tratta del "Preludio e Fuga in Do Maggiore BWV 553", pezzo che apre la serie degli "Otto Piccoli Preludi e Fughe BWV 553-560" pensati probabilmente da Bach a scopo didattico. Proprio per questo è possibile ipotizzare che avesse coinvolto nel lavoro gli allievi migliori perchè si impadronissero delle tecniche compositive.

Il Preludio, che qui trovate seguito dalla breve Fuga, è la parte che mi ha maggiormente colpito per vari motivi primo dei quali la chiarezza e la semplicità della costruzione in Do Maggiore, come potete notare dallo spartito. Quella che ho pubblicato è la versione originale per organo ma - a parte il fatto che esistono trascrizioni per pianoforte - spero di non scandalizzare nessuno se dico che una scrittura di questo tipo mi sembra abbordabile anche da una sola tastiera, fondendo la parte del pedale con quella della mano sinistra. 
Inoltre, va sottolineato il fatto che la tonalità di Do Maggiore, con la sua mancanza di alterazioni in chiave, è a volte più facile delle altre. Dico a volte perchè di Bach, da questo punto di vista, non sempre ci si può fidare, ma qui non sappiamo con certezza se l'autore sia proprio lui. 

Ma se davvero a comporre questo brano fosse stato l'allievo, oserei dire che ha citato il maestro con alcuni riferimenti. Voi che cosa ci sentite?
A me vengono in mente due brani. Il più immediato è il "Preludio in Do minore BWV 847" dal I libro del Clavicembalo ben temperato - croce e delizia di chissà quanti studenti di pianoforte - che possiamo ritrovare nelle quartine della mano destra delle battute 5 - 8 dello spartito, e nelle riprese successive anche in quelle della sinistra. 
Il secondo riferimento invece è la "Sonata per organo n.5 in Do maggiore BWV 529" della quale il Preludio BWV 553 riprende l'esordio insieme alla tonalità e che, per maggiore chiarezza, vi riporto qui nel suo primo tempo. 

Ascoltandolo e osservando la complessità della sua costruzione con le voci che s'inseguono e s'intrecciano in un'elaborazione d'inesauribile ricchezza inventiva, si nota subito quanto il Preludio BWV 553 sia invece più semplice e schematico. Dal confronto si potrebbe quindi pensare che quest'ultimo sia davvero opera di qualche allievo.
Tuttavia, a mio avviso il suo tema che, dalla tonica di Do maggiore, sale subito di tonalità andando a convergere nel giro di dodici battute sulla dominante di Sol maggiore, è luminoso, assertivo e indubbiamente di grande effetto. Un tema che  risolleva e, più che a un brano in funzione introduttiva com' è un preludio, mi fa pensare a un finale pieno di energica gioia.

Buon ascolto!

(La foto è presa dal web) 

Coltivare parole - 2

Desiderio di cose leggere

"Giuncheto lieve biondo
come un campo di spighe
presso il lago celeste

e le case di un’isola lontana
color di vela
pronte a salpare –

Desiderio di cose leggere
nel cuore che pesa
come pietra
dentro una barca –

Ma giungerà una sera
a queste rive
l’anima liberata:
senza piegare i giunchi
senza muovere l’acqua o l’aria
salperà – con le case
dell’isola lontana,
per un’alta scogliera
di stelle -"

È stato il titolo della poesia che vedete a prendermi subito, tanto che ho scelto di iniziare con essa questa breve carrellata di testi. 
Avrete certo riconosciuto una delle voci più profonde e delicate del Novecento: Antonia Pozzi (1912 - 1938), "anima palpitante, ridente, nostalgica, appassionata" come lei stessa si definiva. Non è mia intenzione ripercorrerne qui la tragica vicenda esistenziale che l'ha condotta al suicidio a soli ventisei anni o delineare tutti i tratti della sua poetica già analizzati da numerosi critici, ma vorrei soffermarmi su alcune immagini e parole a mio avviso particolarmente evocative.

I suoi scritti sono una sorta di diario interiore in cui si riflette l'angoscia di una passione amorosa osteggiata e di un'ispirazione poetica non riconosciuta, fonte di una sfasatura esistenziale che la poetessa cercava di colmare col suo amore per la natura e soprattutto per la montagna. 
È una persistente ricerca di sintonia con la vita la sua, alimentata da un'acutissima sensibilità: una forte e talora disperata tensione spirituale che tuttavia sa sciogliersi in versi di grande dolcezza capaci di far affiorare con semplici tratti l'essenziale delle cose.

In questo testo del 1934, nella cornice di una natura dai colori tenui, la poetessa sogna di poter alleggerire il proprio cuore pesante come una pietra e attende il momento che la condurrà a sanare quella frattura che la sua sensibilità le ha sempre fatto cogliere tra gli eventi esterni e i desideri del profondo.
Le prime due brevi strofe descrivono un paesaggio e ci presentano immagini dalle tinte sfumate in un periodare senza verbo principale, come vere e proprie pennellate di un quadro interiore. La leggerezza invocata è già presente nella fragilità del giuncheto, nel lago non banalmente azzurro ma celeste, e se vogliamo anche nel respiro dato dalla lontananza dell'isola e da quelle case pronte a salpare. È una prospettiva che si apre verso l'infinito e si amplia ulteriormente nella suggestione del chiaro color di vela.

Troviamo poi il verso centrale su cui s'impernia il testo, desiderio di cose leggere, che ci fa intendere le immagini precedenti - il giuncheto, il campo di spighe, il color di vela - non come descrizione fine a se stessa, ma proiezioni dell'intenso bisogno della poetessa di deporre il fardello che la opprime.
Infine il sogno della liberazione attesa in cui, abbandonati i pesi, l'anima avanzerà silenziosa e impalpabile - senza piegare i giunchi / senza muovere l’acqua o l’aria - verso il luogo in cui la sintonia con la vita sarà piena. 
Più forte e insieme colma di mistero è la bellissima immagine finale di un'alta scogliera di stelle, approdo contemplativo cui dirigersi, che fonde e ricompone in sè solidità e leggerezza, realtà scabra e sogno, oscurità e splendore. 

La poetessa sembra qui voler oltrepassare una linea di confine che molti critici hanno interpretato come un anelito di liberazione nella morte, cosa del resto suffragata dalla sua vicenda esistenziale e dal riferimento alla sera. 
Ma non so se si tratti solo di questo...Insieme a qualche reminiscenza di un oltretomba dantesco che colgo qua e là, il suo desiderio di cose leggere mi sembra prima di tutto quello di una liberante esperienza spirituale, un viaggio interiore che le restituisca sintonia con se stessa e col mondo esterno. Pronte a salpare con lei, infatti, non sono barche, ma le case dell'isola lontana, quasi la ritrovata leggerezza vada a coinvolgere tutto ciò che sta intorno.

Ma al tempo stesso, leggo nelle sue parole anche un movimento inverso. 
Me lo suggeriscono i termini giuncheto, desiderio e anima, soggetti delle varie strofe che testimoniano un passaggio dalla realtà esterna a quella interiore: un procedere che ricorda alcune poesie di Ungaretti che iniziano proprio dalla visione di un panorama, passano poi a una percezione e infine a una riflessione esistenziale.
Anche qui ravviso uno sviluppo simile: prima un'osservazione esterna, poi il bisogno che essa ispira e infine il riferimento al nucleo più profondo del proprio sentire. E mi pare significativo anche il fatto che la poetessa non parli in prima persona come a comunicare un'esperienza individuale, ma usi dei sostantivi che definiscono una situazione quasi essa fosse universale, nella quale anche noi che leggiamo potremmo talora riconoscerci. 

Versi toccanti, dunque, e proprio la voce di Antonia Pozzi in questa lirica mi ha fatto pensare al suono del violino, strumento che sa squisitamente modulare la sua intensità e forse più di altri può ricordare la voce umana. 
Così, alle sue parole dedico uno dei pezzi più affascinanti della musica del secondo Ottocento: l' "Adagio" del "Concerto per violino e orchestra in Re Maggiore op.77" di Johannes Brahms (1833 - 1897). 
Una lunga e serena introduzione orchestrale, quasi una preparazione d'anima, precede l'attacco del solista che esordisce con un'aria fatta di archi melodici molto ampi che l'orchestra fa riecheggiare. È un procedere che ci conduce da grandi altezze ad abissi oscuri dove talora si coglie un vivo contrasto tra dramma e lirismo, profondità sconfinate e intima dolcezza. 
Qui, la voce acuta del violino si fa ora canto soave, ora grido angoscioso, ora riposante respiro, ora tormentoso affanno, sempre in uno struggente dialogo con l'orchestra. 
Note che mi piace associare ai versi della poetessa e che, in certi passaggi, sembrano scavare nell'anima anche al di là delle parole. 

Buon ascolto!

(La foto, che rappresenta un dipinto di Jozef Vinck (1900 - 1979) intitolato "Paesaggio lacustre", è presa dal web.) 

Travestimenti

Stiamo attraversando il periodo di Carnevale, festa che - per quanto abbia radici antiche e significati di un certo spessore - francamente non ho mai amato. Non so perchè. 
Quando ero bambina queste giornate avevano per me il sapore delle frittelle che faceva mia mamma o il colore dalle stelle filanti lanciate per strada. 
Ma la festa non mi ha mai preso più di tanto. E se pure semel in anno licet insanire per abbandonarsi allo scherzo e alla trasgressione ribaltando ruoli e appartenenze sociali, le tradizionali sfilate di carri con i loro riferimenti satirici a personaggi di attualità non hanno mai suscitato in me particolare interesse. 

Ciò che però, da bambina, non mi dispiaceva affatto era l'abitudine di travestirsi, anche se i nostri giochi, più che sul Carnevale, nascevano dal desiderio di imitare il mondo degli adulti, cosa che - logicamente - ha fatto poi il suo tempo. 
Ci travestivamo, sì, io e le mie compagne di scuola quando venivano a casa mia, e mentre le nostre mamme bevevano il tè scambiandosi ricette o conversando della rispettiva prole, noi ci sguinzagliavamo a giocare rovistando nell'armadio della camera dei miei tra scaffali, cappotti e cappelli. Una volta travestite, ci presentavamo in sala a imitare una sfilata di moda o a improvvisare una scenetta, qualche volta anche a cantare. 

I grandi di solito ridevano divertiti, anche se il sorriso di mia mamma era un po' tirato per il comprensibile timore che le mettessimo sottosopra l'armadio, e a me che conoscevo ogni sfumatura del suo sguardo la cosa non sfuggiva. Ma non le davamo molto peso, niente poteva smontare il nostro entusiasmo di bambine. 
La volta più bella è stata quando era venuto anche il fratello maggiore di una mia compagna e aveva imitato proprio mia mamma indossando il suo cappotto col collo di pelo, un cappello che sulla sua testa sembrava un tegame da cucina capovolto, ma soprattuto barcollando in un paio di scarpe coi tacchi alti sulle quali aveva fatto la sua sontuosa comparsa in sala. 
Al vederlo, il sorriso di mia mamma si era paralizzato per un attimo, ma era stata al gioco mantenendo un imperturbabile aplomb mentre passava col vassoio delle frittelle. 
Negli anni a venire con quel ragazzo e sua sorella ci siamo poi persi di vista, so che lui è diventato un bravo chirurgo ma, se mi capita di ricordarlo, me lo rivedo ancora davanti più o meno quattordicenne mentre imita mia mamma traballando sui suoi tacchi. Insomma, il nostro Carnevale, adatto peraltro ad ogni momento dell'anno, era molto casalingo.

Ma, passando alla musica, devo precisare che la mia allergia a questa festa non mi ha mai consentito di apprezzare neanche il celebre "Carnevale di Venezia" di Paganini - sol laaa, sol faaa, mi fa reee...ricordate ??? - e, Rossini mi perdoni, neanche il suo. A dire il vero, di quest'ultimo avevo trovato una bella versione corale che mi tentava, ma poi mi sono detta: "Se il Carnevale è anche dissacrazione, perchè non prendere un brano classico dei più celebri e cercarne...un travestimento?" 
Ci sono infatti molti arrangiamenti di pezzi famosi secondo uno stile diverso da quello dell'epoca in cui sono stati composti, e a volte troviamo anche il contrario: pezzi del presente riscritti sullo stile degli antichi compositori. Avete in mente le suonerie dei cellulari rielaborate in versione bachiana o mozartiana o chopeniana e via dicendo? Ecco. Oggi però non è questo che vi propongo, ma torno a un classico che più non si può, rivisto in chiave jazz.

Si tratta della celeberrima "Marcia turca", terzo movimento della "Sonata n.11 K.311" di Mozart. Qualche attento lettore osserverà che l'ho già pubblicata parecchi anni fa proprio in una modernissima rivisitazione, ma là l'arrangiamento era di Volodos, questo di oggi invece - diverso e a mio avviso ancor più entusiasmante - è del pianista e compositore turco Fazil Say.

Il brano s'intitola "Jazz Fantasy on Mozart" ed è un'improvvisazione che si dipana alternando passaggi originali con altri nei quali la fantasia del pianista si sbriglia liberamente in una serie di variazioni in stile jazz, sottolineando con opportuni accenti il ritmo di 2/4. Ne deriva una musica dal piglio sempre più veloce che ci prende anche fisicamente scrollandoci di dosso la pigrizia. Ascoltandola, non vi è forse scattato l'istinto di muovervi subito battendone il tempo con mani, braccia o gambe? Ecco la meraviglia di un certo ritmo! Non vi entra nell'anima come Chopin, ma in compenso movimenta tutto il corpo con effervescente vitalità. Nella seconda parte poi, l'improvvisazione s'ispira a Scott Joplin in una danza sincopata che è vera e propria gioia di vivere.

Dite che Mozart avrebbe apprezzato questa rivisitazione? 
Francamente non so. Sì se consideriamo che, nella sua indole talora un po' irriverente, il compositore amava scherzare con le note; ma anche no perchè, indipendentemente dalla loro lontananza cronologica, innovazioni di questo tipo a mio avviso non erano molto nelle sue corde. Le sento più in Bach, in quello swing già nascosto negli anfratti della sua musica ancor prima che altri lo facessero affiorare: cambi ritmo alla Partita in do minore BWV 826...ed è subito jazz! 
In Mozart la cosa non mi pare così immediata, anche se - e va detto! - l'abito con cui Fazil Say lo traveste gli sta un gran bene!

Buon ascolto!

(La foto è presa dal web) 

Il talento di Jeneba

Bella sorpresa, domenica scorsa, all'appuntamento con l'Orchestra Sinfonica di Milano. 
In programma - oltre a un brano di Nicola Campogrande scritto in occasione delle Olimpiadi e alla Settima Sinfonia di Beethoven - il Concerto per pianoforte n.2 op.18 di Rachmaninov. 
Uno spettacolo di grande qualità non solo per lo splendore delle musiche, ma insieme per la bravura degli interpreti diretti con rigore ed entusiasmo da Emmanuel Tjeknavorian.

È qui che ho avuto la gioiosa sorpresa di ascoltare una pianista che non conoscevo e che del Concerto n.2 di Rachmaninov ha offerto al pubblico un'interpretazione davvero sublime. Si tratta di Jeneba Kanneh-Mason, artista britannica appena ventitreenne, quinta di sette tra fratelli e sorelle tutti musicisti, che ha iniziato a fare concerti a soli undici anni. Bambina prodigio quindi, certo stimolata dal fatto che la musica fosse di casa, ma indubbiamente dotata anche di un talento innato.

Il suo Rachmaninov mi è parso di una bellezza commovente. Al di là della scioltezza con cui ha affrontato le difficoltà tecniche del testo, a colpirmi è stato il suo tocco dolce e misurato in una fusione di morbidezza e rigore, capace di farci percepire le sfumature di ogni singola nota con una partecipazione d'anima viva e toccante, ma sempre pienamente controllata. Mi spiego meglio.
Ci sono a volte solisti che - soprattutto nei pezzi romantici - si lasciano, per così dire, prendere la mano dalle note e dallo strumento senza governarne l'impeto. Rachmaninov è uno degli autori suonando il quale tale rischio, a mio modesto avviso, è più facile perchè l'irruenza di certi passaggi può favorire talora un'eccessiva enfasi nell'esecuzione.
La giovane Jeneba invece mi è piaciuta proprio per la sua capacità di controllare il suono, armonizzandosi perfettamente con l'orchestra e fondendo la passione espressa dalle note ad una rigorosa disciplina interpretativa. Ne è derivato un Rachmaninov più interiorizzato e al tempo stesso più nitido nelle tante sfumature della sua musicalità.

Ma non è qui che voglio fermarmi perchè - una volta a casa - sono andata a cercare notizie sulla pianista e altre sue interpretazioni su youtube. Ho scoperto così che il repertorio a cui la Kanneh-Mason si è dedicata finora è molto vario: infatti, non solo comprende autori romantici come Rachmaninov o Chopin, e neppure soltanto impressionisti come Debussy, ma ci conduce indietro anche al periodo barocco.
Andatevi a sentire quale dolcezza interpretativa presenta il Minuetto della Suite HWV 434 di Haendel, oppure quale agilità Jeneba dimostra nella parte iniziale della Corrente dalla Partita n.5 BWV 829 di Bach. Certo è una pagina che ogni bravo studente di pianoforte sa suonare, ma il vero talento non sta solo nell'affrontare il difficile, ma nella capacità di far fiorire l'incanto segreto di ogni passaggio musicale, fosse anche il più semplice. Splendide, qui, le tre note conclusive di una lentezza molto ben calibrata tanto che, dopo la concitazione del pezzo, sembrano atterrare morbidamente sul finale!

Ma il repertorio della pianista ci conduce anche al Novecento con svariate e accattivanti interpretazioni di musicisti afroamericani. È tra questi il brano che ho scelto oggi, opera di una compositrice nuova per il blog. 
Si tratta della statunitense Margaret Bonds (1913 - 1972), artista di spicco anche per la sua opera di promozione dei diritti civili dei musicisti neri e di diffusione delle loro opere. È un pezzo intitolato "Troubled Water" quello che sentirete, ispirato allo stile degli antichi spirituals: un'aria che ci resta dentro e che trovo affascinante nella varietà dei suoi sviluppi.
Qui a prenderci è prima di tutto il ritmo della musica afroamericana, con quel che di scattante e sincopato che lo contraddistingue, grintoso e malinconico ad un tempo. Al tema esposto all'inizio in modo scarno segue una rielaborazione fantasiosa, talora lenta, altrove tempestosa proprio come un'acqua agitata, in un linguaggio punteggiato di dissonanze che la Bonds, partendo dallo stile degli spirituals, arricchisce con suggestioni jazz e blues.

Notevole è la scioltezza con cui esegue il brano la Kanneh-Mason che lo ha inserito nel proprio album intitolato "Fantasie", nel quale interpreta insieme musiche di Chopin e di Florence Price. Anche in questo caso, come per Rachmaninov, trovo che sappia padroneggiare il suono sia nel lento e profondo esordio del pezzo che nel prosieguo fino al concitatissimo finale.
Un talento versatile, dunque, quello di Jeneba: artista capace di muoversi attraverso autori, epoche ed esperienze musicali molto diverse, facendone fiorire con maestrìa l'intensità e l'incanto.

 Buon ascolto!

(La foto, che rappresenta il dipinto di Monet intitolato "Mare mosso ad Etretat", è presa dal web)

Il ponte interrotto

Che fine fanno quelle iniziative in cui abbiamo speso qualcosa di noi in termini di tempo, competenze, energie, passione, e poi il piano s'inceppa, il progetto si blocca e tutto naufraga? 

Certo, uno scritto resta in un cassetto in attesa di tempi migliori, mentre altro discorso è per le relazioni in cui l'interruzione - voluta o subita - ha ripercussioni più complesse. Ma non intendo addentrarmi in questo discorso: mi basta riferirmi qui alle svariate situazioni quotidiane spesso indipendenti dalla nostra volontà, che tuttavia stravolgono i nostri propositi. Possono essere le scelte del capufficio, o il covid o mille altre contingenze che ci costringono ad accantonare un'idea che ci aveva appassionato, piccola o grande che fosse. Così, lavori in cui avevamo profuso qualcosa di nostro restano lì, a volte senza un minimo riscontro, come un ponte interrotto sul vuoto. 

Ma al di là del dato esterno di un progetto bloccato o della mancata condivisione di un gesto, che fine fa tutto ciò dentro di noi? Oltre alla fatica, oltre al rammarico, alla frustrazione o all'opportunità di cambiare strada, ci resta qualche percezione positiva? Quanto abbiamo fatto è servito comunque a qualcuno? Magari a noi, se non immediatamente ad altri? E come? O è stato tutto lavoro inutile e tempo perso?
Domande che mi sono sorte spontanee non solo perchè l'immagine del ponte interrotto sul vuoto spesso mi ha suggestionato, ma perchè mi è tornata in mente a proposito del brano di oggi. 

Torno allora a Gabriel Yared, compositore libanese classe 1949 che già conoscete, famoso soprattutto per aver scritto le colonne sonore di parecchi film. Se anni fa ho pubblicato due pezzi da "Il paziente inglese" e di recente uno da "L'instinct de l'ange", oggi vi regalo un brano che - al contrario - non ha visto la luce in una pellicola, ma è rimasto soltanto in una registrazione su youtube intitolata "Adagio per un film non realizzato". 
Un film non realizzato, appunto, del quale il musicista stava scrivendo la colonna sonora. Yared non dice di quale pellicola si trattasse, ma precisa che durante la lavorazione lo stile del racconto è talmente cambiato che la sua musica non si sarebbe più armonizzata con le immagini e quindi quel progetto di collaborazione non si è concluso.

Ci resta per fortuna il brano: un omaggio a Bach da Yared profondamente amato. Ne riprende infatti una Passacaglia - a orecchio direi la "BWV 582 in do minore" - dal tema solenne e maestoso che si caratterizza per un procedere reiterato e malinconico. La melodia, ritmata e talora angosciosa va gradatamente crescendo d'intensità per concludersi con un accordo forte ma insieme aspro e roco, non nuovo nelle composizioni di Yared, che sottolinea la drammaticità del pezzo. Del resto, la resa orchestrale dal timbro diverso dall'organo qui tende ad ampliare le sonorità più tormentate facendocene percepire un che di indefinito e inquietante. 

È stato il destino di questa musica - a mio avviso molto bella nella sua struggente malinconia - ad evocarmi l'immagine di un ponte interrotto sul vuoto e rimasto lì, in attesa che qualcuno ne costruisca la campata mancante completando lo slancio comunicativo. Ma proprio il fatto che a me sia piaciuta tanto da volerla condividere qui, mi fa rispondere positivamente ai vari interrogativi che ponevo all'inizio. 

Anche un progetto fallito non è mai tempo perso: serve all'autore in termini di competenze acquisite, di riflessione, di consapevolezza, di libertà interiore. Certo anche di tanta pazienza, ma insieme di apertura al futuro. 
Quanto conosciamo, in realtà, delle conseguenze delle nostre azioni e della loro effettiva utilità? Non siamo in grado di controllare ogni cosa e non sapremo mai fino in fondo quali risonanze potrà avere, per esempio, una musica rimasta solo su youtube. Magari non abbiamo riscontri ma, se anche fosse eseguita davanti a un pubblico osannante, non sapremmo ugualmente quali reazioni essa potrebbe suscitare nel vasto mare del non detto. E come per la musica, così per altre forme d'arte e per tutta la miriade di eventi e parole che hanno superato i secoli, magari dimenticati per anni e poi riscoperti da chi vi ha trovato nutrimento.

Come "La Passione secondo Matteo" di Bach, rimasta nell'ombra per circa un secolo prima che Mendelssohn la facesse rivivere; o la pittura del Caravaggio, rivalutata solo nel corso del Novecento. E insieme alla grande arte, la meraviglia del quotidiano nei tanti gesti di persone sconosciute che, riscoperti a volte dopo anni, ci parlano di amore, di bellezza, di autenticità. Misteriosi intrecci dell'esistenza che annodano fili tra vite lontane, superando non solo il tempo, ma anche quel senso di apparente inutilità delle cose che talora ci può assalire e demotivare.
Forse un ponte davvero interrotto non esiste e - anche in mancanza di riscontri immediati - all'autore, come un sottile ma persistente rivolo d'acqua, rimane il suo restare fedele alla propria ispirazione. O, per dirla con Ungaretti, "quel nulla d'inesauribile segreto". 

Buon ascolto!

(La foto è presa dal web)