Coltivare parole - 7

Mi è sempre piaciuto il garbo delle poesie del livornese Giorgio Caproni (1912 - 1990), quel tratto di eleganza che si accompagna a una lieve ironia e a un tocco di leggerezza, senza per questo ignorare i grandi temi della vita con la loro profondità. La sua è la sapienza di un linguaggio che sa fondere passato e presente con tale agilità di parole da rendere i suoi versi intensi e al tempo stesso talora giocosi. Al di là dei riferimenti che vi possiamo leggere, Caproni ha infatti una cifra tutta sua, riconoscibile nella semplicità del lessico e nella bellezza dell'andamento ritmico. Il suo è stato definito proprio uno "stile musicale" non solo perchè lui stesso aveva imparato a suonare il violino, ma perchè intendeva trasferire la musicalità dalle note alla parola.

Vissuto nell'arco del Novecento che ha visto la nascita dei movimenti di avanguardia e in particolare dell'Ermetismo, Caproni dopo una prima adesione si distacca dal linguaggio spesso criptico di autori come Ungaretti e Montale, preferendo quello più semplice e quotidiano di Saba e ricostruendo una versificazione talora più legata al passato. Per la sua leggerezza ritmica i critici hanno spesso ricordato l'antica poesia provenzale e stilnovista, mentre i temi trattati ci conducono nel cuore della vita del poeta: dall'affetto per la madre Annina all'attaccamento alla natìa Livorno e alla suggestione del mare, dalla vita come viaggio a riflessioni filosofiche sul destino dell'uomo e talora a una forma di smarrimento esistenziale. Interrogativi che Caproni esprime con uno stile giocoso come nella poesia intitolata "Cadenza" (dalla raccolta "Il muro della terra", 1975) che qui vi riporto:

"Tonica, terza, quinta,
settima diminuita.
Rimane così irrisolto
l’accordo della mia vita?" 

A chi s'intende un pochino di musica non sfuggirà che - mentre la tonica è la nota che indica la tonalità, la terza dice se maggiore o minore e la quinta con le altre due ci dà un accordo ben definito - la settima diminuita resta invece in sospeso. Gli accordi di settima solitamente precedono quello conclusivo, ma se la musica finisce sulla settima - per di più diminuita e quindi dissonante - viene a mancare qualcosa, come se un interrogativo restasse senza risposta, irrisolto appunto! Ecco lo stile musicale applicato alla vita!

Ma, al di là di questo, il testo che desidero condividere oggi è un altro: è la poesia intitolata "Per lei", dalla raccolta "Il seme del piangere" (1950-58) tutta dedicata alla madre del poeta Anna Picchi.

Per lei

Per lei voglio rime chiare,
usuali: in -are.
Rime magari vietate,
ma aperte: ventilate.
Rime coi suoni fini
(di mare) dei suoi orecchini.
O che abbiano, coralline,
le tinte delle sue collanine.

Rime che a distanza
(Annina era così schietta)
conservino l’eleganza
povera, ma altrettanto netta.
Rime che non siano labili,
anche se orecchiabili.
Rime non crepuscolari,
ma verdi, elementari. 

Hanno quasi l'andamento di una filastrocca questi versi segnati da frequenti rime e da un ritmo che mi ha preso subito. Non ci tragga però in inganno uno stile così leggero perchè non è sinonimo di superficialità, ma capacità di tradurre con immediatezza creativa il profondo impulso del cuore. 
Sono versi scritti dopo la morte della madre amatissima che Caproni evoca qui con tratti di ragazza. Attraverso le tante rime prima baciate e poi alternate, riusciamo infatti ad intravvedere la figuretta di Annina che vi affiora con levità ed eleganza. È proprio il garbo del poeta-figlio a volerne cogliere aspetti esteriori e interiori, la sua luminosità (rime chiare) insieme alla sua delicatezza ariosa e colorata (rime ...ventilate...suoni fini (di mare)... orecchini...coralline...collanine). 

Così pure, la seconda strofa ce ne fa balenare l'autenticità (Annina...così schietta) insieme alla semplicità che viene dal cuore (l'eleganza povera, ma altrettanto netta). Infine, emerge il desiderio del poeta di celebrarla in modo non superficiale (rime che non siano labili), sottolineandone il carattere privo di ogni ripiegamento su se stessa, ma ricco di una primaverile attitudine alla gioia (rime non crepuscolari, ma verdi).

Si potrebbe ipotizzare che in questo desiderio del figlio di cantare la madre in leggerezza possa esserci una velata polemica verso certa poetica decadente di alcuni autori del primo Novecento. Tuttavia, ancora più forti sono per me altri due riferimenti che sento in questi versi.
Il primo è nell'esordio della poesia: "Per lei voglio rime chiare / usuali: in -are" che mi ricorda il celebre "M'incantò la rima fiore / amore" da "Amai" di Umberto Saba col suo richiamo a un lessico di semplicità quotidiana. 
Ma il secondo che - va detto - non trova conferma nel parere dei critici, a mio modestissimo avviso è il riecheggiare in questi versi di un guizzo futurista che mi riconduce ad Aldo Palazzeschi. Quello di Palazzeschi è stato un futurismo originale e non aggressivo, sostanziato di un'ironia ora sorridente e giocosa, ora disincantata che troviamo per esempio in "Lasciatemi divertire","La passeggiata", oppure "Sole" e "Chi sono?".  

La stessa venatura di pensosa leggerezza avverto nel testo di Caproni che fa poesia dicendo in realtà come dovrebbe essere la sua poesia: priva di un linguaggio artificioso ma costruita con rime semplici (elementari), simili a una filastrocca che ti resta dentro (orecchiabili), magari una punta irriverenti (vietate) ma comunicative (chiare). Rime che rispecchino l'eleganza ariosa della madre e che rimangano nel tempo a testimoniarne la freschezza di creatura eternamente giovane, come la vede il figlio.

Così, al garbo dei versi di Giorgio Caproni mi piace associare quello di Mozart nel primo movimento "Allegro moderato" dalla "Sonata per pianoforte n.10 in Do maggiore K.330". Si tratta di una composizione scritta probabilmente a scopo didattico, forse per una sua allieva o per la sorella Nannerl. Ricco di scale, arpeggi, trilli e frequenti staccati sia pure all'interno di una struttura piuttosto semplice, il pezzo ci regala quell'atmosfera tipicamente mozartiana che inizia dall'apparenza talora un po' salottiera e galante dell'epoca per approdare alla serenità più profonda e pensosa tipiche dello stile del compositore. 
Qui, la bella interpretazione di Mitsuko Uchida col suo tocco misurato e lieve ne sottolinea la leggerezza e l'atmosfera spesso giocosa, alternata qua e là a parentesi in tonalità minore soffuse di lieve malinconia. E mi pare che sia Caproni che Mozart, al di là dei riferimenti al contesto culturale del loro tempo o del passato, in queste composizoni abbiano splendidamente attinto all'originalità della loro ispirazione artistica. 

Buon ascolto!

(La foto, che riproduce un dipinto di Massimo Campigli intitolato "Busto (Le perle)", è presa dal web. Qui le collanine non sono coralline...ma dai, pazienza!) 

"Energia edificante"

Apro il computer, mi sintonizzo su youtube e mi compare subito senza che l'abbia minimamente cercata la pagina intitolata "Mattina con Bach. Musica classica per energia e motivazione".  

Ma guarda, proprio quello che mi ci vuole! Vedete che - come scrivevo qualche settimana fa - davvero il mio computer è vivo e sa di momento in momento di che cosa ho bisogno? 
Energia? Motivazione? Ma certo! 
Col caldo di questi giorni mi occorre iniziare la giornata con una sferzata di energia che - in barba a certe vecchie pubblicità - non viene solo da un integratore o un caffè o l'uovo sbattuto col liquore che mi faceva mia mamma per colazione ai tempi del liceo, col risultato che arrivavo a scuola già mezza sbronza...Scherzo naturalmente, ma adoravo quel bicchierino denso e saporito. Anni dopo abbiamo avuto una dolce vicina di casa che ce ne preparava bottiglie intere, ma non duravano mai molto...Scusate la digressione. 

Torno dunque al video di youtube che riporta più di due ore di musiche bachiane spiegando la positività dei loro effetti, sia pure con uno stile molto vicino alla pubblicità. Ma copio biecamente il testo, senza scrupolo alcuno, perchè mi sembra centrato. Eccolo: 

 "Una splendida mattina inizia con la musica senza tempo di Johann Sebastian Bach. Le sue composizioni sono luminose, equilibrate e piene di energia edificante: il modo perfetto per risvegliare la mente e iniziare la giornata con chiarezza, concentrazione e motivazione. 
La musica di Bach è nota per la sua struttura elegante e l'armonia fluida, che stimola delicatamente il cervello creando un'atmosfera calma e stimolante. Questi capolavori classici aiutano a migliorare la concentrazione, l'umore e portano un  senso di ordine e positività alla tua routine mattutina.
Perfetto per:

• Routine mattutine e inizi produttivi

• Studio, lettura e lavoro concentrato 

• Energia, motivazione e chiarezza mentale 

• Mattine tranquille con atmosfera classica 

• Creare un inizio di giornata positivo

Lascia che le melodie senza tempo di Bach riempiano la tua mattina di luce, energia e ispirazione."

Bene. Bach mi accompagnava già ai tempi dell'università quando la mattina uscivo di casa correndo in stazione e i Brandeburghesi sgorgavano spontanei dalla mia memoria e dal mio cuore, figuriamoci se non ho bisogno ora della sua chiarezza mentale e dei suoi inizi produttivi! Così, dalle due ore e passa di musica proposte dal video ho scelto subito, di getto, il brano di oggi perchè l'ho sempre amato.
Si tratta del terzo tempo "Allegro assai" dal "Concerto per violino in Mi maggiore BWV 1042". Energico, vitale, movimentato, questo breve pezzo conclusivo ha la capacità di prenderci subito con il suo ritmo simile a quello di una danza, in particolare una giga. Non per niente ha un tempo di 3/8 come si vede nella foto, sottolineato anche dalle terzine dell'accompagnamento. 

L'orchestra d'archi espone il tema principale che ritorna diverse volte, alternato ai vari interventi del violino solista che si caratterizzano per varietà e virtuosismo. Ne deriva un pezzo di una scorrevolezza senza pari e di una vitalità che oserei definire assertiva. Proprio questo aspetto mi affascina in modo particolare perchè - come il commento di youtube definisce benissimo - la musica di Bach possiede un' energia edificante, una forza che ti entra nell'anima mobilitandone ogni apertura vitale e ogni dimensione creativa.

Mi piace molto anche il fatto che tale energia non sia sinonimo di pura e semplice concitazione, ma il testo ne sottolinei l'ordine, l'equilibrio, la luminosità, capaci di ridestare l'animo dell'ascoltatore infondendogli insieme un senso di calma. Bach infatti, se frequentato assiduamente, sa regalarci una gioia non momentanea, ma salda e stabile. 
Edificare del resto, dal latino aedes facere, significa costruire la casa e le composizioni bachiane - lunghe o brevi che siano, delicate o grandiose - col tocco della loro altissima armonia sanno proprio costruire, o ricostruire, la nostra casa interiore. 

Buon ascolto!

(La foto è presa dal web) 

 

La sedia di Glenn

Mi capita spesso di pensare, soprattutto negli ultimi tempi, che se un giorno dovessi cambiare nome a questo blog, lo chiamerei "La sedia di Glenn".

Che dite...troppo pretenzioso? 
E perchè mi è sorta questa strana idea? Quale rapporto potrebbe mai esserci fra la sottoscritta e il mitico Glenn Gould (1932 - 1982), raffinatissimo interprete della musica di Bach e non solo? 
Come oso, sia pure ipoteticamente, accostare le spensierate divagazioni di questo piccolo spazio web a un pianista così ricco di originalità e genio da essere considerato uno dei più grandi di tutti i tempi? La cosa non suona forse un po' dissacrante? E perchè poi di Glenn m'interessa proprio la sedia?

Intanto perchè l'oggetto ha una storia singolare che molti di voi conoscono. Certo vi sarete accorti, dalle foto o dai video, che la posizione di Gould davanti al pianoforte è spesso inusuale nel senso che la sedia è più bassa del solito rispetto alla tastiera. Questo per esplicita volontà del pianista che al padre, che gliel'aveva costruita, aveva dato precise istruzioni. Per poter suonare al meglio infatti, Gould aveva disposto che la distanza dalla seduta al pavimento fosse di soli 35 cm., che lo schienale fosse rigido e la sedia pieghevole in modo da portarsela dietro senza difficoltà nei vari concerti. 

Certo Gould famoso, oltre che per la sua ipocondria, per la sua maniacale ricerca della perfezione, era un eccentrico. Ma evidentemente, anche se a noi può sembrare bizzarra, una seduta del genere gli facilitava la posizione davanti alla tastiera consentendogli maggiore scioltezza e facilità di movimento. Del resto, sappiamo tutti quanto sia importante sentirci a nostro agio in ciò che facciamo: è la comodità di trovare la posizione giusta, lo spazio più adatto per esprimerci, la nostra nicchia insomma dalla quale osservare meglio il mondo. Bella o brutta, ognuno ha la sua. La sedia del pianista esteticamente non è granchè, dalle foto sembra vecchia e consunta, tuttavia è servita allo scopo.

Ma io che c'entro?... C'entro perchè nel corso degli anni - e a ottobre saranno la bellezza di sedici! - mi sono resa conto che anche questo blog per me è un po' come la sedia di Glenn: una nicchia, uno spazio per tanti versi limitato che però mi esprime perchè è l'angoletto in cui mi ritrovo e dove - a contatto con la musica o talora con altre forme di arte - recupero motivazione, serenità e voglia di fare. Uno strumento piccolo e modesto certo, ma capace di farmi sentire a mio agio. Ci si può esprimere da mille angolature e magari ciò che ci rende il compito più facile sta a soli 35 cm. da terra o davanti a un computer. Da qui non suono, ma ascolto, osservo e condivido con gioia ciò che trovo proprio da questa postazione. Ecco spiegato l'arcano.

E allora godiamoci insieme il brano che ho scelto e che il nostro amico pianista, dall'alto - pardon! - dal basso della sua sedia, suona incantandoci. Non è di Bach il pezzo che ascolterete, ma di Ludwig van Beethoven (1770 - 1827): sono infatti le "15 Variazioni e Fuga su di un tema in Mi bemolle maggiore op.35" conosciute anche come "Variazioni Eroica" che avrete sentito chissà quante volte dato che il loro tema ricorre anche nel finale della celebre terza Sinfonia. 
Ma quella che m'interessa qui è l'interpretazione di Gould che sembra godere al massimo dello splendore della musica. Ne cogliete infatti la gioia nel lieve sorriso che gli si disegna in volto mentre la mano sinistra a tratti si solleva quasi a segnare il ritmo o, più ancora, a dirigere se stesso! Senza dimenticare le volte in cui canticchia a mezza voce la melodia come spesso gli accade.

Il video vi riporta solo un breve stralcio del pezzo. Trovate poi a questo link l'intera esecuzione che vi farà apprezzare la spaventosa bravura del nostro Glenn: non solo virtuoso del pianoforte, ma insieme interprete di genio straordinario. Seguendo l'andamento del brano la sua espressione è ora giocosa e divertita, ora tenera e sognante, ora energica e rigorosa come il braccio sinistro che si solleva in uno scatto improvviso e imperioso alla fine di certi passaggi.
E penso che anche Beethoven - dal Paradiso dei musicisti dove avrà recuperato un formidabile udito - sia grato di sentire la propria musica così splendidamente vissuta e valorizzata!

Buona visione e buon ascolto!

(La foto è presa dal web) 

Coltivare parole - 6

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Sarà per l'antica sicilianità del mio entroterra familiare che - nonostante io sia nata in Lombardia e da sempre affezionata alla mia terra di pianura - amo in modo struggente le poesie di Salvatore Quasimodo (1901 - 1968).
Da quando alle medie mi avevano fatto leggere "Lettera alla madre", qualcosa si è smosso in me come se quella nostalgia di trapiantato al nord che il poeta esprimeva, in fondo, un po' mi appartenesse quasi la portassi oscuramente nel sangue.
Nella Milano nebbiosa in cui, dalla nativa Modica, Quasimodo si era trasferito, sentiva il peso della lontananza dalla madre per la quale nutriva un affetto simile a una sorta di devozione, tanto che il testo si apre in latino (Mater...) come fosse dedicato a una divinità: madre e forse al tempo stesso terra madre dalla quale tutto ha origine. Una poesia ricca di immagini a somiglianza di molte altre nelle quali l'autore evoca angoli e scorci di una Sicilia divenuta mitica nel suo ricordo.
Tra queste, dalla raccolta "Acque e terre" del 1930 ne ho scelto una che amo in particolare per ciò che, attraverso i sensi, Quasimodo ci fa percepire. Eccola:

Vicolo

"Mi richiama talvolta la tua voce,
e non so che cieli ed acque
mi si svegliano dentro:
una rete di sole che si smaglia
sui tuoi muri ch’erano a sera
un dondolio di lampade
dalle botteghe tarde
piene di vento e di tristezza.

Altro tempo: un telaio batteva nel cortile,
e s’udiva la notte un pianto
di cuccioli e di bambini.

Vicolo: una croce di case
che si chiamano piano,
e non sanno ch’è paura
di restare sole nel buio."

Sono versi che, come sempre, vanno riletti più volte per coglierne tutta la suggestione. Nella prima strofa, la memoria del paese natale è evocata attraverso la voce del vicolo, quasi fosse una persona cui Quasimodo si rivolge con un tu che nasce dal profondo. Del resto, la consuetudine col proprio luogo di origine ci porta spesso ad umanizzarlo perché è lo specchio che ci restituisce pensieri e sentimenti che vi abbiamo vissuto. Qui sono soprattutto immagini e suoni a renderlo vivo e presente al cuore del poeta.

Bellissimi i versi "non so che cieli ed acque / mi si svegliano dentro" e intensa la percezione che ci offre il termine "svegliano" - e poco più in là "smaglia" - in cui quella consonanza interna ai due verbi ci fa percepire che in noi un nodo si sta sciogliendo. È un sipario interiore che si apre: prima a visioni ariose e piene di luce ("cieli ed acque"), poi sulle immagini del tramonto ("una rete di sole che si smaglia") e infine sulla notte. C'è infatti un procedere verso l'ombra che si fa progressivamente strada fino al "dondolio di lampade" che non vediamo direttamente, ma solo nel loro ondeggiante riflesso sui muri. Immagini indefinite e in movimento, ma per questo ancor più efficaci come la suggestione del vento che invade le botteghe aperte fino a tarda sera ("...dalle botteghe tarde / piene di vento e di tristezza").

Nella seconda strofa la memoria riconduce a un passato antico identificato attraverso i suoni del telaio e del pianto: uno più netto e scandito, l'altro più vago e angoscioso che riecheggiano nel ricordo del poeta. "Altro tempo" scrive Quasimodo da una dimensione esistenziale ormai diversa, ma è un tempo che gli è caro insieme alla fragilità che esso esprime. Il "pianto / di cuccioli e di bambini" fa pensare infatti a chi è solo e bisognoso di protezione, mentre più rassicurante e familiare è il suono di quel "telaio" che "batteva nel cortile" e che ci riporta inevitabilmente al Leopardi.

Ma nella nostalgia del vicolo di un tempo colgo anche una mestizia che va facendosi sempre più intensa nel corso del testo. Ci sono parole a questo riguardo significative come "tristezza" alla fine della prima strofa, nella seconda "pianto" che accomuna cuccioli e bambini e, soprattutto nell'ultima, "croce", "paura" e "buio".
Quasimodo sembra scavare qui nel cuore del vicolo quasi scandagliasse quello delle persone che lo abitano - ma insieme quello di ogni essere vivente - portando alla luce solitudine, paure inconfessate e bisogno di vicinanza per non affondare nell'oscurità. Suggestivo e dolcissimo il verso con cui definisce il vicolo: "una croce di case / che si chiamano piano" dove la drammaticità della parola croce - e insieme la sua povertà come a dire che le case sono poche - è smorzata da quel si chiamano piano, quasi fossero compagni che si tengono per mano quando scende il buio. 
E a proposito di solitudine, non può non tornare in mente il testo più celebre del poeta scritto alcuni anni più tardi, in cui Quasimodo sintetizza in tre versi quella che, a suo avviso, è la condizione umana: "Ognuno sta solo sul cuor della terra, / trafitto da un raggio di sole: / ed è subito sera."

Proprio in armonia con la malinconica dolcezza della poesia "Vicolo", ho scelto una musica di tono intensamente nostalgico, capace di scandagliare allo stesso modo la nostra anima facendone affiorare la verità di fondo. 
Si tratta del "Notturno op.70 n.1" di Giuseppe Martucci (1856 - 1909), scritto inizialmente per pianoforte solo e poi rielaborato nella versione orchestrale che ascolterete. 
Ancora una volta, dunque, un autore nuovo per questo blog con un brano che mi ha davvero affascinato. Con la morbidezza della tonalità di Sol bemolle maggiore, vi si avvicendano infatti ombre e luci ora con carezzevole levità, ora con la stretta intensa di un ricordo e di un clima di intimità che, dopo averci preso, va a smorzarsi con dolcezza infinita. 

Pianista, direttore d'orchestra e apprezzato insegnante oltre che compositore di pezzi sinfonici, Martucci ha contribuito a far conoscere nel nostro paese le opere dei musicisti tedeschi del secondo Ottocento, senza ignorare però quella cantabilità tipicamente italiana di cui è stato anticipatore. 
Ascoltando questo Notturno infatti, il primo aspetto che colpisce è uno splendore melodico e un'atmosfera che a me hanno ricordato subito Puccini, in particolare la Bohème. E se pure non abbiamo prove di un preciso riferimento, non è difficile ipotizzare che il compositore lucchese - che scriverà la Bohème cinque anni dopo il Notturno di Martucci - vi abbia tratto in qualche modo ispirazione. 

Buon ascolto!

(La foto è presa dal web) 

 

Andante cantabile

Di musica in musica e di post in post, questa volta a darmi lo spunto per un bel brano è stato il riferimento a Puccini ispiratomi dal pezzo della scorsa settimana. Così, sono andata a riascoltare quanto del compositore lucchese avevo pubblicato incantandomi naturalmente su certe sue arie, ma senza trascurare quelli che youtube ci offre come video correlati. Proprio qui ho scoperto il brano di oggi, opera di un musicista grande amico di Puccini ma nuovo per questo blog. 

Si tratta di Umberto Giordano (1867 - 1948), compositore verista, rimasto famoso soprattutto per l' "Andrea Chenier" e la "Fedora", ma a suo tempo accusato dalla critica di indulgere troppo al gusto del pubblico per l'eccessiva enfasi di alcuni pezzi. Tuttavia, è lo splendore disteso della melodia italiana quello che troviamo nelle sue opere, in particolare nel brano che ho scelto e che ha risvegliato in me antichi ricordi.

In passato, non ho mai coltivato una grande passione per la lirica, mentre il mio amore per la musica è nato soprattutto con quella sinfonica e organistica. In casa mia però era il contrario. I miei genitori erano appassionati di lirica e, per quanto non frequentassero i teatri, non mancavano di ascoltare alla radio prima e in tv poi le opere dei più celebri compositori. Mia mamma ne sapeva a memoria le arie più famose e qualche volta me le canticchiava, con particolare predilezione per quelle di Puccini che anche mio papà talora accennava, subito sdegnosamente zittito da lei perchè era stonato!😂

Io all'epoca non mi lasciavo molto allettare e rimanevo ancorata al mio Bach per organo e ai miei mitici Swingle Singers, però inevitabilmente qualcosa mi restava dentro: un seme che sarebbe germogliato molto più avanti, insieme al ricordo di certe musiche che si erano sedimentate in me senza che me ne accorgessi. Proprio così è stato per il brano di oggi.

Si tratta dell' "Intermezzo sinfonico" dal secondo atto della "Fedora". 
Nonostante la vicenda sia ambientata prima a San Pietroburgo, poi a Parigi, infine in Svizzera, e nella composizione amore e morte s'intreccino in una trama molto drammatica, il pezzo ci offre quella cantabilità ricca di pathos tipica della tradizione italiana del secondo Ottocento. È una melodia che ci prende subito e che, sostenuta anche dal morbido accompagnamento dell'arpa, si fa simile a un mare dalle onde ora tranquille, ora agitate e impetuose, mentre nel finale il loro moto va placandosi con dolcezza. 

Due aspetti mi hanno particolarmente colpito. Il primo è il fatto che l'aria che fa da tema portante dell'Intermezzo è la stessa della romanza "Amor ti vieta", la più celebre dell'opera che trovate qui nell'interpretazione di Placido Domingo. Di tale romanza è interessante anche il testo che esordisce con le parole "Amor ti vieta di non amar"...e come non ricordare l'ancora più celebre verso dantesco "Amor ch'a nullo amato amar perdona" ?

Ma c'è un altro riferimento - stavolta non letterario ma musicale - che la melodia mi ha suscitato. È un richiamo che mi riecheggia dentro a 0.35 dall'inizio e così per una ventina di secondi, riportandomi nientemeno che a Rossini. Forse è solo follia pensarlo, ma ci risento per qualche momento uno dei temi della Sinfonia del Barbiere di Siviglia, quello che esordisce con un passaggio di note discendenti proprio qui, a 0.55 dall'inizio e sempre per una breve manciata di secondi.
A tutta prima sembra che non ci sia niente di più lontano dal brano della Fedora che ha una distesa cantabilità ricca di sentimento, mentre la musica di Rossini nel Barbiere è giocosa, ammiccante e vivacissima. 
Tuttavia, sapendo che Giordano conosceva bene le partiture del compositore pesarese morto nel 1868, mi è venuto il sospetto che il passaggio musicale che ho citato dal suo Intermezzo possa essere stato ispirato proprio da Rossini. Immaginiamo che, ascoltandolo, a Giordano sia piaciuto, ma che abbia pensato di cambiargli stile, trasformando quella successione di note così ritmata e spiritosa in un passaggio tenero e colmo di passione.

Un gioco da ragazzi in fondo, come fanno tanti bravi arrangiatori che prendono un tema e lo rielaborano a modo loro dall'antico al moderno o da uno stile all'altro...chissà! A questo proposito, è doveroso aggiungere che in tempi più vicini a noi anche l'Intermezzo è stato rimaneggiato e ne esiste una versione jazz della quale però non riesco a riportarvi il link. Ma, detto tra noi, non mi entusiasma.

Buon ascolto!

(La foto, che rappresenta "Il mare a Fécamp" di Monet, è presa dal web) 

Risvegli

È stato sull'onda del post della settimana scorsa in cui facevo riferimento ai bambini che, nella mia navigazione su youtube, sono approdata alla musica di oggi.
Si tratta dell'ultimo tempo intitolato "Le jardin féerique" della suite "Ma Mère l'Oie" di Maurice Ravel (1875 - 1937). 

La composizione, che il musicista dedica ai due figli di un amico, prende spunto da alcune fiabe per l'infanzia e, in origine, era stata scritta solo per pianoforte nella speranza che, data la sua semplicità, potesse essere eseguita proprio dai due bimbi anche se poi così non è stato. In seguito, Ravel l'ha rielaborata per orchestra e successivamente trasformata in balletto.

Non è certo la prima volta che, nella storia della musica, si scrivono brani per l'infanzia: basti ricordare solo le Kinderszenen di Schumann o - per restare più vicini a Ravel sul piano della cronologia - la suite Children's Corner di Debussy. Ma lo stesso Ravel scriverà pochi anni dopo un'altra opera in cui protagonista è un bambino, intitolata "L'enfant et les sortilèges" nella quale si è divertito a usare molteplici generi musicali insieme a un originalissimo organico orchestrale per l'uso di strumenti inconsueti.

"Le jardin féerique" (il giardino fatato), contrariamente ai pezzi che lo precedono nella suite "Ma Mère l'Oie", non è tratto da una fiaba precisa, ma si collega al brano iniziale dell'intera composizione ispirato alla Bella Addormentata rappresentandone la conclusione in cui la fanciulla è risvegliata da un principe. Che la cornice di tale risveglio sia un luogo suggestivo, ricco di sorpresa e di mistero come un giardino fatato, sollecita la fantasia del compositore che intende riprodurre lo stupore della fanciulla davanti a una natura incantata dal primo chiarore dell'alba fino al radioso sorgere del sole.

Così la musica - qui nella versione orchestrale sotto la sapiente direzione di Gustavo Dudamel - prende le mosse da sonorità sommesse e trasognate, talora quasi impalpabili, per aprirsi in un tema che, nonostante la tonalità di Do maggiore, alterna luminosità a lieve malinconia. L'atmosfera estatica e soffusa di morbidezza che il compositore riesce a tradurre in note è dovuta anche al fatto che certi passaggi sono ripresi dalla voce acuta e dolce del violino e riecheggiano poi in tutta l'orchestra con progressiva intensità. 
Dopo la prima parte che con delicatezza evoca il risveglio della fanciulla e del giardino, un crescendo esprime infatti la forza della natura che si apre nella sua sfolgorante bellezza, esempio di un impressionismo sonoro che qui avvertiamo in particolare attraverso i timbri orchestrali e la potenza ridondante degli accordi finali.

Ma torno alla parte iniziale del brano. I testi ci dicono che gli autori preferiti da Ravel erano Mozart, Liszt, Chopin, Debussy oltre ai clavicembalisti francesi tra cui senza dubbio Couperin. Eppure, nella malinconica dolcezza della melodia come in certe sue aperture - ascoltatela a lungo lasciandola riecheggiare in voi! - a me pare di avvertire la suggestione di Puccini, peraltro contemporaneo di Ravel. Mi risuona dentro, per esempio, l'atmosfera iniziale così intima del Preludio sinfonico e non solo. Non ho trovato testimonianze che attestino contatti diretti tra i due musicisti, ma sappiamo che Ravel stimava il compositore lucchese del quale aveva apprezzato le opere rivalutandole contro i giudizi negativi di alcuni critici.

Così pure, l'esordio del brano ricco di sfumature ci regala una percezione d'indefinito e di riposante respiro che deriva certo dal genio compositivo di Ravel, ma anche da un uso raffinatissimo della strumentazione orchestrale.

Buon ascolto!

(La foto è presa dal web) 

Parlare con gli oggetti...

Sono sempre più convinta che il mio computer sia vivo. 
Lo so, l'ho scritto anche in passato quando quello vecchio si bloccava proprio nei momenti in cui avevo fretta o, se accanto a me c'erano persone di cui aveva soggezione, diventava di una lentezza insopportabile.
Così, mi toccava parlargli con garbo, pregarlo di non farmi i dispetti, di non essere permaloso o timido. Allora tornava a fare il bravo e io mi rasserenavo felice di aver esercitato la virtù cristiana della pazienza...Insomma, piccole scaramucce come in tutte le migliori famiglie.

Poi, dopo alcuni anni, è arrivato il momento in cui ho dovuto cambiarlo ma la cosa non è stata indolore perchè sì, era anziano, ma si è spento un mattino all'improvviso, lasciandomi costernata e interdetta davanti allo schermo irrimediabilmente nero.
Con quello nuovo che ho ora le cose vanno bene e non ha bisogno di troppe raccomandazioni. Ha i suoi gusti, questo sì: se pubblico qualcosa che non gli piace s'impunta e non vuole andare avanti, ma un po' come tutti noi. Però, mi persuado sempre più che, data la frequenza con cui lo uso, abbia maturato una conoscenza di me che a volte mi sorprende. Perchè mai dico questo??? Perchè mi capisce!!!  

Non sto parlando dell'intelligenza artificiale che talora uso sia pure con riluttanza. Certo, l'AI risponde con garbo inaspettato a tante richieste manco fosse il genio della lampada e un paio di volte mi ha aiutato a risolvere problemi informatici con istruzioni davvero precise. 
Ma nutro delle perplessità sull'uso che se ne potrebbe fare non solo perchè talora presenta inesattezze, ma perchè se da un lato velocizza tante ricerche - e ricordo solo le preziose applicazioni in campo medico - per il resto, e per fortuna!, mai potrà sostituire l'essere umano nella consapevolezza di sè e nella percezione di quel limite che, per esempio, ha consentito al Leopardi di regalarci l'Infinito. Il discorso è complesso e certo non può essere liquidato in poche righe, ma sono convinta che l'AI non potrà mai avere le molteplici sfumature del cuore umano, le sue emozioni e quell'intensa sensibilità offerta dall'esperienza dell'amore e del dolore.

A questo proposito, penso con preoccupazione a quanti adolescenti oggi vi ricorrono non solo per fare i compiti evitando di usare il proprio cervello, ma spesso anche per sfogare problemi e disagi cercando in essa un interlocutore. Le statistiche sono davvero allarmanti. 
Ma mi mette tristezza anche semplicemente Alexa, nonostante capisca che la sua presenza può essere di aiuto agli anziani soli, può impedirmi di bruciare la cena sul fornello e mandare a fuoco la casa, può ricordarmi l'orario delle medicine o inserire la mia musica preferita, il che già non è male... 
Tuttavia, tale servizievole precisione non potrà mai sostituire il marito che brontola - e col quale poi brontoli pure tu - o il rumore dei suoi passi per la casa. Dare aiuto sì, sostituire no! Siamo tutti molto più di una somma di algoritmi, magari perfetta ma chiusa e opaca: siamo invece pezzi unici anche con le loro crepe e fratture, oserei dire proprio per queste. Ma è da qui - come ha detto qualcuno - che passa la luce.

Torno quindi al mio computer che sta dando prova di conoscermi, anche senza bisogno dell' AI. Penso invece che si tratti di quell'attitudine per cui la lunga frequentazione è tale che alla fine ci si parla: noi con le cose e loro con noi, esattamente come fanno i bambini che dialogano con un amico immaginario o con gli oggetti quasi magicamente essi prendessero vita. Ecco! Il rapporto col mio computer sta diventando proprio così e la cosa mi piace. Volete un esempio?

Stamattina mi ero svegliata con la luna storta. Ma quando l'ho aperto e ho cliccato Gioire in Musica, la prima pagina che mi è comparsa su Google s'intitolava "Canzoni del buonumore" come se già lui sapesse cosa mi serviva. Visto?...E mi ha anche fatto proposte differenti andando sia sul pop-rock che sul classico: da un lato "Walking on sunshine" di Katrina & The Wawes, sull'altro fronte Rossini con "Largo al factotum". Non male direi.

Io però, alla fine di un post come questo che ascrivo volentieri alla lista di quelli demenziali, avrei un'altra idea. Siccome mi piace pensare che il nostro umanizzare le cose abbia a che fare con lo sguardo fresco e fantasioso dei bambini, con un retaggio della nostra infanzia che, per fortuna, l'età adulta non ha spento, torno a Mozart e a un pezzo che il musicista ha composto alla bellezza di otto anni!
Si tratta del primo tempo, "Allegro molto", dalla "Sinfonia n.1 in Mi bemolle maggiore K.16" che ho già pubblicato quasi nove anni fa e che trovate qui. Passa il tempo, eh???... Ma torno volentieri a questo brano che ha tutta la vivacità di un bimbo che vuole sfogarsi a giocare. 
Pare che la composizione sia stata scritta mentre la famiglia Mozart era in Inghilterra in una pausa forzata dell'attività concertistica perchè il padre Leopold era malato. Al piccolo Wolfgang Amadeus non restava quindi che stare in casa a comporre musica. Lo immaginate mentre dice a se stesso un po' immusonito: "Uffa!...Oggi mi tocca scrivere la mia prima sinfonia!" magari sognando corse, divertimenti e marachelle insieme alla sorella Nannerl ? 

Scherzo naturalmente, ma queste note mi pare rappresentino bene proprio il desiderio di un bambino di correre e saltare in libertà in un empito di gioia sfrenata. Lo sentite anche voi che prima gira in tondo e poi si lancia alla rincorsa di una farfalla?... 
So che non c'entra, ma mentre scrivo - e sto proprio ascoltando il brano - mi è comparsa in mente una sequenza di uno dei film della serie di Don Camillo. Ricordate quando il sacerdote va a prendere in collegio uno dei figli di Peppone? Va per rimproverarlo ed esortarlo a studiare, ma si accorge ben presto che il piccolo nel chiuso della scuola si è intristito e ha solo bisogno di stare a contatto con la natura per riprendere il sorriso e la sua consueta vivacità. Passeranno così la giornata in campagna dove il bimbo si divertirà a correre, saltare, giocare a rimbalzello e, se non ricordo male, anche a fare gli scivoloni. 
Ecco, l'Allegro di questa Sinfonia è riuscito a rendere la gioia fresca e soprattutto autentica dell'infanzia con note efficacissime e sorprendenti se pensiamo che sono state scritte da uno scriccioletto di otto anni.
Che dite, avrà parlato con gli oggetti anche il piccolo Mozart?...Io dico di sì.

Buon ascolto!

(La foto è presa dal web)  

Coltivare parole - 5

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Sarà che ho avuto un nonno capostazione, ma qualcosa di lui nel mio DNA dev'essere rimasto se il mondo delle ferrovie mi affascina tanto e mi è familiare da sempre. Del resto, stazioni e treni portano in sè le molteplici suggestioni di partenze, ritorni, attese, speranze o addii che hanno segnato e segnano spesso la nostra quotidianità nel viaggio dell'esistenza. Ne ho parlato anche altre volte.
Non potevo non soffermarmi quindi sulla seguente poesia di Vincenzo Cardarelli (1887 - 1959). Eccola:

"Passaggio notturno"  (1936)

"Giace lassù la mia infanzia.
Lassù in quella collina
ch'io riveggo di notte,
passando in ferrovia,
segnata di vive luci.
Odor di stoppie bruciate
m'investe alla stazione.
Antico e sparso odore
simile a molte voci che mi chiamino.
Ma il treno fugge. Io vo non so dove.
M'è compagno un amico
che non si desta neppure.
Nessuno pensa o immagina
che cosa sia per me
questa materna terra ch'io sorvolo
come un ignoto, come un traditore."

Il poeta ci parla della suggestione che il suo paese natale esercita su di lui mentre vi passa in treno nella notte, quasi di nascosto, senza fermarsi. 
È la terra della sua infanzia e delle sue radici a farsi presente per qualche momento durante il viaggio, nelle luci della collina sopra la ferrovia. 
Così egli è assalito da una miriade fuggevole di percezioni che si fanno voce, come l'odore di stoppie bruciate che sembra chiamarlo: elementi concreti che si fondono a sensazioni tanto acute da divenire un segno familiare - "antico" egli scrive - che gli fa ritrovare il suo mondo. 
Non è nuovo nella letteratura il fatto che determinati stimoli sensoriali sappiano suscitare vivi ricordi: un esempio su tutti è la madeleine di proustiana memoria. Nel testo del Cardarelli però protagonista non è un sapore, bensì un odore che con una sinestesia un po' funambolica egli trasforma in voce, anzi in voci tutte interiori.

"Giace lassù la mia infanzia": così esordisce il primo verso in cui il verbo giace, se pure adombra un senso di morte, indica tuttavia una stagione esistenziale ancora ferma nella memoria del poeta, in contrasto con la corsa del treno che lo porta via e con la veemenza delle sensazioni da cui è preso. L'odore di stoppie infatti lo "investe" e un tempo della vita prende corpo in quella percezione per lui inconfondibile.

Tuttavia, se vivo e pregnante è il ricordo dell'infanzia, la seconda parte del testo è pervasa da profonda tristezza e a contrastare con i versi precedenti si apre con un "Ma". Incertezza, solitudine e desolazione caratterizzano lo stato d'animo del poeta portato lontano dalle proprie radici. 
"Ma il treno fugge"...e come non ricordare il Petrarca nel sonetto "La vita fugge et non s'arresta una hora" insieme a quanti dopo di lui hanno avvertito l'inesorabile scorrere del tempo? Del resto, anche nel titolo il termine "Passaggio" indica un'instabilità che sfocia poi nel verbo "sorvolo" e in un senso di smarrimento esistenziale: "Io vo non so dove". E ad esso si aggiunge la solitudine del Cardarelli per l'impossibilità di confidare ad altri il proprio stato d'animo. Se infatti un amico c'è, "non si desta neppure" e ne cogliamo tutta la lontananza psicologica.
Fortissimo, di conseguenza, il sentimento espresso nei versi finali dove il poeta è afferrato dalla consapevolezza di essere divenuto nel tempo per la propria terra non solo uno sconosciuto spaesato e privo di legami ("come un ignoto") ma - ecco la parola più forte! - addirittura un "traditore".

Proprio in questa sensazione di tradimento - a mio avviso - sta il cuore del testo che sottintende il valore delle nostre radici intese come fedeltà a ciò che ognuno di noi, nel profondo, ha percepito di sè. Se il mondo dell'infanzia talora ci ha segnato con un'impronta indelebile, nel tumulto spesso straniante dell'esistenza la nostalgia di un luogo e di una tale stagione della vita può richiamare la necessità di un ritorno a noi stessi. 
Il dolore di non poter corrispondere - o non aver corrisposto - a questo richiamo genera nel Cardarelli un sentimento angoscioso che tuttavia è insieme amore per la terra natale e, per quanto senta di averla tradita, percezione di un sotterraneo, indistruttibile legame con essa: "Nessuno pensa o immagina / che cosa sia per me / questa terra materna ch'io sorvolo / come un ignoto, come un traditore.".

Lo sottolinea anche il linguaggio. Infatti, da quella collina del secondo verso, il paese diventa alla fine questa terra materna, luogo verso il quale - al di là della fuga del treno che lo porta via - il poeta avverte una vicinanza del cuore. Significativa, a tale riguardo, l'ambientazione notturna come se, nel momento più intimo della giornata, per qualche momento egli potesse guardare in se stesso cogliendo la propria verità. E forse anche per questa consapevolezza raggiunta, sul piano metrico il canto si scioglie nel ritmo compiuto dei due splendidi endecasillabi finali.

Così, seguendo la percezione struggente degli ultimi versi della poesia, non ho avuto dubbi sulla musica da associarle. 
Sono tornata allora a un brano di Robert Schumann (1810 - 1856): il terzo movimento, "Andante espressivo", dalla "Sinfonia n.2 in Do Maggiore op.61" che già avevo pubblicato dodici anni fa. Il motivo della mia scelta, più che ai lenti passaggi fugati che caratterizzano la sezione centrale del pezzo, è legato al tema iniziale ripreso poi più volte nel corso del brano. 
Quello che mi colpisce infatti - come scrivevo già qui a suo tempo - è l'esordio intensissimo e rapinoso in un malinconico do minore dove la musica, con ripetuti e ampi intervalli ascendenti e discendenti, si fa simile a un mare che ci sovrasta in ondate successive. 
Sono onde che talora aprono squarci angosciosi alternati a brevi sprazzi di luce, delicati passaggi in tonalità maggiore che attingono alla profondità del non detto insieme a una straordinaria intensità orchestrale che sembra anticipare certe inquietudini del Novecento. 
Onde inquiete, appunto, come il cuore del poeta dove queste note ci consentono di addentrarci cogliendo, forse ancor più vivamente delle parole, la sua pulsazione segreta.

Buon ascolto!

(La foto è presa dal web) 

 

Quando il rigore si fa poesia

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Una stanza luminosa e tranquilla dalle pareti spoglie ma non fredde, pochi arredi, una finestra, e al centro del quadro una donna e un bimba: una mamma che si fa aiutare dalla figlia a dipanare una matassa. 
Titolo del dipinto è infatti "L'educazione al lavoro" e autore è il toscano Silvestro Lega (1826 - 1895), esponente tra i più famosi del gruppo dei Macchiaioli, nonostante dal loro stile si sia talora allontanato. 
La sua storia è segnata infatti da un'alternanza di adesione e distacco alla ricerca della propria identità artistica che il pittore troverà dal 1862 in poi all'interno del gruppo e in particolare della "scuola di Piagentina" insieme a figure di spicco come Fattori, Abbati, Signorini, Borrani e Sernesi.

Se in un primo tempo gli argomenti delle sue opere sono incentrati sulle vicende dell'Italia risorgimentale - celebri, tra gli altri, il suo ritratto di Garibaldi e quello di Mazzini morente - in seguito la sua attenzione si sposta su rappresentazioni di paesaggio insieme a temi più intimi legati alla vita e alle occupazioni quotidiane. Famose tra le opere di questo periodo "Il pergolato" e "Il canto dello stornello".

Proprio in tale ambito s'inquadra il dipinto che vedete, datato 1863, conservato in una collezione privata, ma attualmente esposto alla mostra sui Macchiaioli allestita al Palazzo Reale di Milano, dove ho potuto ammirarlo insieme a numerose altre opere dei pittori del gruppo.
È la luce il primo aspetto che colpisce, una luce che le foto non riescono a riprodurre fedelmente, ma che dal vivo vi affascina subito facendovi entrare nell'atmosfera del quadro. Ci si trova così d'incanto in un mondo di pacatezza e di silenzio, in una stanza che ci riporta ad un passato vissuto o sognato dove gesti antichi, lontani ricordi, oggetti e arredi emanano la riposante calma di un altro tempo.

Quello dell'infanzia? Anche. Così torniamo a farci piccoli come la bimba che impara dalla madre a dipanare la matassa...e quante volte l'ho fatto anch'io! Tuttavia, mentre per me più che impegno era svago, qui c'è una serietà che non cogliamo solo dal titolo del dipinto che parla di educazione e lavoro, ma anche dall'espressione concentrata della piccola.

Ha occhi attenti e serissimi la bimba ma - a ben guardare - vagamente corrucciati e velati da una punta di timore: forse paura di non essere capace o ricerca dell'approvazione da parte della mamma? 
I bambini - si sa - hanno antenne sottili e penetranti che riescono a cogliere in una frazione di secondo l'atteggiamento di chi hanno davanti, fosse anche dietro una maschera. Il viso della mamma poi è per loro un libro aperto sul quale sanno leggere a fondo ogni moto d'anima. 
Tuttavia la donna è di spalle e ne vediamo l'espessione del viso solo di scorcio in un'inquadratura peraltro bellissima, illuminata com'è dalla luce e dal riflesso dell'abito chiaro che ha pieghe simili a un peplo. Spicca la sua figura al centro della composizione, ferma e pacata in muto dialogo con la figlia, mentre avvolge il filo teso intorno al gomitolo. 

Ad affascinarci poi è anche l'ambiente: una stanza semplice ed essenziale, avvolta dalla luce che viene dalla finestra e che evoca la tranquillità di lontani pomeriggi, magari in un casa di campagna dove le ore scorrono lente. E torna subito in mente la serenità che si respira nel celebre "Il canto dello stornello" dove le sorelle Batelli, con cui Lega si era imparentato, cantano al suono del pianoforte vicino alla finestra spalancata sul verde delle colline. 

Ma proprio seguendo il filo di questa pace sentiamo che lo stile del pittore non attinge solo ai caratteri dei Macchiaioli, ma torna indietro nel tempo a risvegliare suggestioni colte in altri artisti. 
Infatti, nella foto che vedete in alto, la donna campeggia al centro con una monumentalità e una compostezza che possono ricordare certe figure di Piero della Francesca, e la finestra più alta dalla quale piove la luce è un motivo ricorrente nel silenzio raccolto di tanti dipinti di Vermeer. 

Così pure, il tavolino sulla destra coperto da un pesante tappeto, oggetti vari e dei libri, è una sorta di natura morta, quasi un quadro nel quadro come vediamo per esempio in diversi artisti del periodo barocco. E il bellissimo cesto di vimini con la biancheria richiama lo stesso dettaglio presente in tante Annunciazioni del passato tra le quali quelle di Tiziano, Rubens, Carracci e Zurbaran, solo per citarne alcune.

C'è quindi da parte di Silvestro Lega uno sguardo rivolto ai secoli precedenti, in particolare dal Quattrocento al Seicento. Caratteri ottocenteschi quali la capacità di riprodurre la luce e la macchia di colore si fondono così con un linearismo più nitido e una costruzione degli spazi che sembra prendere ispirazione dai calcoli prospettici del primo Rinascimento. Ce lo dimostra anche la posizione della testa della donna che, se consideriamo l'altezza del quadro, pare calcolata in rapporto alla sezione aurea...chissà! 

Una costruzione matematica che, nella luce del dipinto, si fa poesia come poesia è il brano di musica che vi ho associato: il secondo tempo, "Largo", dal "Triplo concerto in Do maggiore op.56" di Ludwig van Beethoven (1770 - 1827). Si tratta di un canto dolcissimo e al tempo stesso rigoroso nel quale si alternano violoncello, pianoforte e violino.
La luce che riempie il quadro di una riposante atmosfera di quiete in un primo momento mi aveva fatto cercare un pezzo di spensierata cantabilità. Poi però, osservando bene l'opera, vi ho colto quei richiami alla classicità del passato che mi hanno fatto scegliere Beethoven.

Il brano nasce per il musicista tedesco in un periodo di passaggio dall'estetica settecentesca un po' salottiera ai nuovi afflati romantici. Siamo nei primi anni dell'Ottocento e questo non è ancora il Beethoven titanico e tormentato che emergerà più avanti. Tuttavia, forse proprio per l'assenza qui di quell'impeto che ha reso poi celebre il compositore, questo Largo mi ha affascinato subito. C'è infatti una misura che governa la melodia, una dolce aura di classicità che - a mio modesto avviso - la rende adatta a commentare un dipinto come questo dove passato e presente si fondono e il rigore si fa poesia.

Buon ascolto!

(La foto è presa dal web)
 

La traboccante felicità di Lea

Come ho già scritto in diverse occasioni compresa la volta scorsa, è sempre bello cogliere nei vari interpreti della musica la gioia di suonare, di dirigere o di cantare. 
Così oggi proseguo nel piacere di condividere qui altri esempi dopo quello dei coristi dei VOCES8.

Nelle mie navigazioni su youtube, infatti, sono approdata alle performances di una solista che già conoscevo, ma della quale non avevo ancora esplorato lo spessore artistico.

Si tratta di Lea Desandre, classe 1993, mezzosoprano di origine italo-francese e interessante interprete di musica rinascimentale e barocca, ma non solo. Ascoltando svariati brani cantati da lei - da Purcell a Haendel, da Rameau a Vivaldi o da Mozart ad Haydn - cogliamo l'incanto della sua voce, la sua freschezza appassionata insieme a una grazia fanciullesca che si esprime nel sorriso e in un empito di traboccante felicità. 

Ce lo dimostra il brano di Purcell che trovate proprio qui, tratto dall'opera "The Fairy Queen" e intitolato “Now the night is chased away". 
Notiamo fin dall'inizio quell'irrefrenabile attitudine gioiosa e giocosa che porta la Desandre a muoversi ritmando col corpo il procedere della musica e traendone un andamento quasi sincopato. C'è infatti una suprema libertà interpretativa che la solista può permettersi per la sua padronanza della partitura, per la straordinaria vocalità, ma insieme per quella fusione di vita e arte che appartiene ai grandi. 
E qui la musica si fa proprio vita perchè ciò che la nostra Lea ci offre non è semplicemente un ruolo, ma lo splendore di una melodia così profondamente interiorizzata da riaffiorare in lei non solo con la voce, ma con tutta la persona, dal sorriso alle movenze. Movenze ricche di un'eleganza che potrebbe esserle derivata, oltre che da doti innate, dalla danza classica studiata per dodici anni. 

Ma non mi fermo qui e vi propongo anche un altro brano in cui tali caratteri, a mio modesto avviso, sono ancora più evidenti.
Nel video che troverete, la Desandre canta un pezzo di un autore nuovo per questo blog. Si tratta dell'aria "Vieni, corri, volami in braccio" dal terzo atto dell' "Antiope" di Carlo Pallavicino (1630 - 1688). 
Siamo in piena epoca barocca e il compositore - attivo non solo a Padova e a Venezia, ma anche a Dresda al servizio dei principi di Sassonia - scrive l'opera alla fine della sua vita senza riuscire però a terminarla. La vicenda, ricca di figure mitologiche, si basa sul libretto del figlio di Pallavicino, Stefano Benedetto, dove Antiope è regina delle Amazzoni, guerriera forte ma non priva di una delicata femminilità, duplice aspetto che la Desandre ci restituisce con versatilità nel corso dell'opera. 

Qui la vediamo immergersi nella musica seguendone il ritmo con viva espressività e un'attitudine danzante, accompagnando la melodia con gesti delle mani quasi a dirigerla e articolando le dita come a suonare uno strumento. E proprio con ogni strumento la sua voce duetta in una fresca fioritura di virtuosismi e con una maestria che, superate le difficoltà tecniche, si fa pura gioia, sorriso e meravigliosa leggerezza.

Buona visione e buon ascolto!

(La foto è presa dal web) 

Gioia di cantare

Gioia di cantare, sì! Ed è un duetto quello che vi presento oggi, un brano che tenevo da parte da qualche settimana per pubblicarlo al momento giusto. 
L'ho scoperto su youtube seguendo gli splendidi VOCES8 ed è un video in cui proprio due componenti del gruppo corale cantano un pezzo di Henry Purcell (1659 - 1695). 
Il compositore inglese, non nuovo per questo blog, è stato organista, autore di musiche sacre e di opere  teatrali, ma deve la sua fama anche a pezzi celebrativi per svariate ricorrenze e quello di oggi è appunto uno di questi. 

Si tratta del terzo tempo, "Sound the Trumpet", dall'ode "Come Ye Sons of Art, Away Z.323" - nota anche come "Ode per il compleanno della Regina Maria II d'Inghilterra" - scritta dal compositore nel 1664. Il compleanno cadeva il 30 aprile, così ho fatto coincidere il post proprio con quella data.

"Sound the Trumpet" è un brano festoso e fastoso, vivace e al tempo stesso solenne, in cui Purcell ha musicato alcuni versi celebrativi attribuiti al poeta irlandese Nahum Tate. 
Il duetto vede qui contralto e controtenore, accompagnati da clavicembalo e violoncello, in un' entusiasmante performance in cui la passione dei due coristi - Katie Jeffries-Harris e Barnaby Smith - si fonde con le note che sembrano imitare le sonorità delle fanfare. Dal video possiamo cogliere la loro bravura, la perfetta intonazione, unite a una grande sintonia.

Ma soprattutto ciò che avvertiamo è la gioia che li anima e fiorisce di passaggio in passaggio, alimentata in loro proprio dallo splendore della musica in un crescendo di armonia e in un calibrato intreccio di voci. 
In quelle note iniziali tenute e nella loro successiva articolazione, leggiamo infatti disinvoltura e grinta unite all'immensa gioia di cantare. Bellissimo anche il ritmo sottolineato dall'ostinato dell'accompagnamento. 
Ne deriva un'enfasi che, se altrove potrebbe talora suonare eccessiva, qui invece diventa solo eleganza.

I versi del testo ripresi a turno da ciascuno dei due interpreti - prima singolarmente e poi insieme - invitano ripetutamente a festeggiare suonando la tromba e facendo riecheggiare la natura circostante con la musica di strumenti gioiosi per celebrare la gloria della giornata di compleanno. 
Un'aria dal piglio vivace che ci rimane dentro, suscitando in noi un intenso desiderio di cantare con loro! 

Buona visione e buon ascolto!

(La foto è presa dal web) 

Con lo sguardo e col sorriso

Non è stata solo la mia passione per Franz Joseph Haydn (1732 - 1809) a farmi scegliere il video di oggi. In effetti, avevo già pubblicato diversi anni fa il brano che esso riporta, ma questa volta c'è un'interessante novità che a suo tempo avevo trascurato scegliendo un'esecuzione che esaltasse solo la vivacità e lo splendore del pezzo. Così non avevo fatto caso a certe registrazioni live che si soffermano anche sulla direzione in tutta la sua affascinante gestualità.

Allora rimedio oggi, ripresentandovi con immensa gioia il quarto movimento, "Allegro con spirito", dalla "Sinfonia n.88 in Sol Maggiore" del nostro amico Franz Joseph. La gioia, del resto, è una delle caratteristiche precipue di tanta sua musica e questo è forse uno dei brani più rappresentativi a tale riguardo, ricco di una freschezza e di un'ammiccante vivacità che, per certi aspetti, possono ricordare Mozart. Ma vengo alla parte più importante di questo post: la direzione del grande Leonard Bernstein (1918 - 1990). 

Sappiamo tutti che, al di là delle regole base della direzione orchestrale - dare il tempo, gli attacchi, le dinamiche e soprattutto stabilire un'intesa con chi suona - ogni Maestro ha poi un suo stile che si esprime nei gesti delle mani, nell'espressione del viso e talora nei movimenti di tutto il corpo. 
C'è chi usa la bacchetta e chi no, e come non ricordare Gergiev, famoso per sostituirla con uno...stuzzicadenti? C'è chi sul podio è energico e scattante, chi si limita a pacati movimenti delle braccia e chi dirige certo con le mani, ma soprattutto con gli occhi. Dalla vivacità di Dudamel all'eleganza di Kleiber allo sguardo di acciaio di Karajan - solo per fare qualche esempio - tutti abbiamo spesso notato tali differenze. 

Ma al di là dei gesti, a volte plateali e altrove più misurati, ciò che affascina lo spettatore è spesso la gioia che essi esprimono, il gusto per la musica assaporata in ogni minimo passaggio cui l'orchestra dà forma. E vi si coglie una fusione di anime: da quella del compositore che ci parla dalla partitura a quella del direttore e degli orchestrali che la interpretano, fino al pubblico che, coi suoi silenzi o col suo entusiasmo, diventa parte attiva di una vita che fiorisce in una sorta di circolarità.

E Bernstein? La sua passione nel dirigere, da immenso direttore qual è stato, ha sempre coinvolto orchestrali e pubblico, ma il video di oggi ce lo mostra in maniera ancora più singolare. Troverete il finale della Sinfonia di Haydn eseguito due volte di seguito. Nella prima Bernstein dirige con la consueta eleganza talora quasi danzante che coinvolge tutto il corpo; ma nella seconda resta fermo, senza muovere mani nè bacchetta, ma solo gli occhi. 

E qui sta il bello perchè la sua espressione, nel seguire lo sviluppo e il ritmo del brano dando insieme l'attacco ai vari strumenti, si fa ora giocosa, ora ammiccante, ora seducente, ora spensierata e briosa o per qualche attimo ombrosa e scura. Non è solo competenza musicale quella che vediamo, ma vi cogliamo insieme la personalità di Bernstein, la sua originalità, il suo garbo e la sua ricchezza interpretativa. Questo ci suggerisce che il dato essenziale del dirigere è immergersi nella musica stabilendo un'intesa con chi suona non solo per guidarlo in una corretta esecuzione del pezzo, ma per condividere una passione che non è elemento accessorio, ma assolutamente essenziale! 

Certo, dirigere comporta anche fatica fisica, ma divenire una cosa sola con la musica è gioia impagabile. Lo vediamo dal modo in cui Bernstein guida l'orchestra col sorriso e con lo sguardo insieme ad un'emozione che si trasmette a tutti, simile a un'onda che si allarga a dismisura raggiungendo anche chi - come noi - sta dietro lo schermo di un computer. 

Buona visione e buon ascolto!

(La foto è presa dal web)