I mille volti di Antonella

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Torno oggi con gioia a parlare di un'artista contemporanea della quale avevo già pubblicato alcune opere proprio qui verso la fine dello scorso anno.
Si tratta di Antonietta Masetti Lucarella, pittrice che - come scrivevo in passato - opera con successo da una trentina d'anni sia in Italia che all'estero. È sulla figura femminile che si concentra la maggior parte dei suoi dipinti, anche se non ne mancano altri con ritratti maschili e sull'astratto.

A suo tempo, avevo messo in luce l'eleganza di uno stile fatto di rigore e morbidezza, la ricorrente tonalità di rosso scuro nella sua tavolozza di tinte e la capacità di introspezione dell'artista che delle donne raffigurate coglie spesso l'universo interiore. Ma al di sopra di ogni altro carattere, era stata l'espressività dei volti a colpirmi insieme allo spessore dell'entroterra culturale che da queste opere affiora. Proprio su tale espressività mi piace soffermarmi ancora, proponendovi qualche altro ritratto.

Inizio da quello che vedete in alto, intitolato "Grande volto" : una giovane donna apparentemente ripresa di prospetto, ma che in realtà volge lo sguardo fuori dal quadro con una lieve torsione della testa rispetto al busto.
Affascinante la nitidezza di linee del collo e del viso, il disegno pieno delle labbra, fino agli occhi dall'espressione indefinita e bellissima nella quale possiamo leggere un che di soave e carezzevole insieme a lieve malinconia, ma soprattutto l'attitudine assorta di chi osserva il mondo con la propria anima. Sfondo scuro, poche ombre sfumate a definire il viso e, unico gioiello, quegli orecchini che fondono elegenza ed essenzialità, mentre alcune ciocche di capelli sfuggono dall'acconciatura con  naturalezza. Un'immagine che non finirei mai di contemplare e che mi parla suggerendomi mille storie come pure le altre che vedete qui sotto.

Più netto e deciso questo "Profilo di ragazza", così come seria la sua espressione e l'atteggiamento che la vede protesa verso qualcosa al di fuori del quadro. E ancora una volta è l'orecchino a suggestionarmi non solo per la sua bellezza, ma per la sua centralità quasi potessimo ricostruire tutto il fascino del dipinto proprio a partire da tale dettaglio. Tra l'altro, considerando la posizione della pietra del gioiello in rapporto all'altezza del quadro, potremmo ipotizzare che essa ne segni esattamente la sezione aurea, elemento tipico della proporzione rinascimentale. Del resto, sono tanti in queste opere i rimandi al Rinascimento, e se il ritratto di profilo può ricondurre alla pittura del Quattrocento dal Pollaiolo a Piero della Francesca, gli orecchini ricordano le donne dipinte dal Parmigianino, dal Bronzino e più avanti dal Caravaggio o da Vermeer.

Al contrario, vi sono anche composizioni in cui lo sguardo delle protagoniste si fissa in viso allo spettatore con piglio imperioso e quasi protervo, come vedete nell'opera intitolata "Ragazza con turbante". 
Stessa essenzialità delle altre, stesso incarnato chiaro su fondo scuro, ma occhi vivissimi che ci guardano dritti scavando in noi, mentre il turbante con le sue linee ricche e avvolgenti sembra l'emblema della disinvoltura che leggiamo in viso alla donna. 

Talora invece, l'espressione è più lieve e sorridente, come la fanciulla ritratta qui a lato che si volge a guardarci con un senso di gioiosa sorpresa e un sorriso che dalle labbra passa subito agli occhi. Potrebbe sembrare un'istantanea scattata all'improvviso alla protagonista che non se l'aspettava e si volge accennando un sorriso. Piccolo e quasi invisibile compare anche qui l'orecchino, così come il minuscolo quadretto con un paesaggio: un quadretto che ricorre spesso nelle creazioni della nostra artista a rappresentare una sorta di firma, quasi un rimando alla sua identità profonda.

  

Amore per i dettagli, dunque, e proprio per questo mi piace concludere la breve carrellata di oggi con una composizione che amo molto, intitolata "Figura femminile e paesaggio". È certamente anche qui lo sguardo fisso verso lo spettatore a colpirci, in un'iconografia nella quale - ancora una volta - il busto è rivolto in un'altra direzione rispetto alla testa e gli occhi, seri e fermi, hanno un'attitudine che sembra nascere dall'anima. Sempre fondo scuro e una cura dei particolari che possiamo apprezzare osservando anche le immagini che riporto qui sotto.

 

 

Proprio da questo ingrandimento cogliamo la bellezza del piccolo gioiello, un pendente in azzurro cupo dalle tante sfaccettature, e accanto il paesaggio fatto di colline che si susseguono su piani diversi sfumando in lontananza.

Un'iconografia che sa fondere universi lontani e vicini, Rinascimento e contemporaneità, eleganza insieme a moderna, raffinata essenzialità. Allo stesso modo, potete osservare qui a lato quanta ricchezza espressiva spira anche solo dal disegno preparatorio del viso, nella pulizia delle sue linee quasi plastiche come nell'intensità dello sguardo. Oserei dire che basterebbe questo esempio - in una fase del lavoro che vede l'opera ancora incompleta - a testimoniare il valore artistico della pittrice nella sua capacità introspettiva e nella sua attitudine a muoversi tra passato e presente con freschezza d'ispirazione.

E per passare dall'atmosfera raffinata di questi dipinti alla musica, ho scelto un brano che vede come protagonista una straordinaria voce femminile che già altre volte in questo blog avete avuto la possibilità di apprezzare.

Si tratta di Lea Desandre che interpreta l'aria "Guardian Angels, Oh protect me!" dall'oratorio " Il Trionfo del tempo e del disinganno HWV 71" di Georg Friedric Haendel (1685 - 1759). 

Qui la solista, che nell'opera di carattere allegorico interpreta la Bellezza, chiede la protezione degli angeli per procedere sulla via della virtù sfuggendo agli inganni mondani. Incantevoli la delicatezza e al tempo stesso l'energia con cui esegue il pezzo accompagnata dall'Ensemble Jupiter, ma soprattutto duettando con l'oboe barocco. Non è solo la sua voce straordinaria a colpirmi, ma insieme l'intensità della sua partecipazione che, dal viso, dagli occhi, dalle mani e dalle movenze fa affiorare l'anima. 

Una Desandre da cui promana una rara molteplicità di tratti espressivi, a somiglianza delle donne raffigurate da Antonella Masetti Lucarella che della loro autrice riflettono la ricchezza interiore.

 

Consiglio di sentire il brano a basso volume, contemplando le immagini e lasciando che suoni, colori, gesti, disegni e sfumature si fondano in un'unico respiro di bellezza.

 

Buon ascolto! 

 

(Le foto sono prese dal web per gentile concessione della pittrice che qui ringrazio) 

 

Coltivare parole - 10

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Quante volte la poesia, l'arte figurativa o la musica hanno rappresentato la morte? Gli esempi non si contano e potremmo citare un gran numero di autori che, nel corso del tempo, ne hanno raffigurato il volto cogliendo le mille sfaccettature che esso ha e suscita in noi: dall'angoscia alla pietà, dal buio alla luce, dalla paura alla speranza, dalla sofferenza alla pace. 
Da Dante e a Ungaretti, da Michelangelo a Congdon o da Bach a Messiaen, parecchi sarebbero i nomi da ricordare, senza ignorare altri contemporanei al di fuori dell'arte sacra. Se infatti questa per prima ci ha lasciato Crocifissioni, Deposizioni, Pietà, insieme a Passioni, Requiem o Stabat Mater, anche quella profana ha toccato l'argomento spaziando tra i vari generi compresa la narrativa e la poesia. 

Tuttavia, se penso a un testo che della morte offre l'aspetto forse più inusitato, regalandoci tratti di una delicatezza a mio avviso inarrivabile, devo tornare indietro nel tempo a Francesco Petrarca (1304 - 1374) e ai versi conclusivi (vv.157 - 172) del suo "Trionfo della Morte".
Si tratta della terza sezione del poemetto allegorico "I Trionfi" scritto dal poeta come ideale cammino dal peccato alla redenzione, quasi ad emulare quello di Dante nella Divina Commedia. Lo dimostra anche il fatto che la metrica usata - terzine di endecasillabi incatenati - è simile. Tuttavia, a detta dei critici, l'ispirazione non raggiunge quella dantesca e il testo risente di una certa artificiosità ad eccezione di alcuni passi che sono un vero e proprio colpo d'ala. Proprio uno di questi è quello che oggi vi riporto nel quale affiora tutta la sensibilità che l'autore aveva già profuso nel Canzoniere. 

"Poi che, deposto il pianto e la paura,
pur al bel volto era ciascuna intenta,
per desperazion fatta sicura,
non come fiamma che per forza è spenta,
ma che per se medesma si consume,
se n’andò in pace l’anima contenta;
a guisa d’un soave e chiaro lume
cui nutrimento a poco a poco manca,
tenendo al fine il suo caro costume.
Pallida no, ma più che neve bianca
che senza venti in un bel colle fiocchi,
parea posar come persona stanca.
Quasi un dolce dormir ne’ suoi belli occhi,
sendo lo spirto già da lei diviso,
era quel che morir chiaman gli sciocchi:
Morte bella parea nel suo bel viso."

È descritta qui la morte di Laura, la donna amata dal poeta, scomparsa a seguito della peste il 6 aprile 1348. Nulla tuttavia vi traspare dell'orrore che l'epidemia porta con sè, ma i termini e le immagini usate fanno di lei l'emblema di quella bellezza eterna che vince anche la morte.

Vediamo Laura che si spegne lentamente mentre le donne che la circondano, ormai certe che la fine è vicina, fissano lo sguardo sul suo volto. Il suo trapasso è dolcissimo, un calmo scivolare nella pace che il Petrarca descrive con paragoni mirabili: una candela che va consumandosi gradualmente (a guisa d'un soave e chiaro lume / cui nutrimento a poco a poco manca) e una nevicata sulle pendici di una collina (Pallida no, ma più che neve bianca / che senza venti in un bel colle fiocchi). Non c'è alcuna lotta in questa fine come talora potrebbe essere l'agonia (non come fiamma che per forza è spenta), ma soltanto abbandono (parea posar come persona stanca).
È una Laura della quale neppure la morte sfigura la soavità (tenendo al fine il suo caro costume): il suo trapasso infatti è simile a un sonno sereno (quasi un dolce dormir) che sfugge alla banalità con cui esso è comunemente considerato (era quel che morir chiaman gli sciocchi).

Significativi, a questo proposito, gli aggettivi che costellano il testo: bello ripetuto più volte e riferito al volto, al colle, al viso, agli occhi, alla morte, e poi caro, soave, chiaro, dolce, termini che ci restituiscono la quiete da cui Laura è pervasa (se n'andò in pace l'anima contenta). 
Ma a rendere meglio l'idea di tale calma è la neve che fiocca in un bel colle, dove dettaglio a mio avviso efficacissimo è l'espressione senza venti: non la bufera o la tempesta, ma una sorta di fermo immagine fatto di pace e di quello stupore con cui, da bambini, si guarda dietro i vetri la magìa di una nevicata.
Poi quella luce che si era spenta ritorna, data proprio dal biancore della neve cui è paragonato il viso della donna (Pallida no, ma più che neve bianca). Si trasforma così in bellezza anche il morire (Morte bella parea nel suo bel viso), dissolvendo ciò che di drammatico o di macabro è sempre stato legato a tale evento. 
Una Laura filtrata dallo sguardo d'amore del Petrarca - osservate che lieve carezza è il verbo parea! - e insieme creatura angelicata alla maniera dantesca, potremmo dire, ormai lontana da quella sensualità con cui era stata descritta nei sonetti più conosciuti del Canzoniere.

Per tale insieme di motivi, ho associato al testo l'immagine del viso di Ilaria del Carretto, particolare del celebre monumento funebre conservato nel Duomo di Lucca e opera di Jacopo della Quercia (1374 - 1438): scultura tanto affascinante da aver ispirato poeti come D'Annunzio e Quasimodo. È la soavità il suo tratto più vivo che, a mio avviso, può accomunare la morte di Ilaria a quella di Laura, facendo delle due donne - raffigurate ora in versi ora nel marmo - creature di luce destinate all'immortalità.

E per passare alla musica, è di Antonio Lotti (1667 - 1740) il brano che ho scelto per questo post: il "Kyrie" dalla "Missa del primo tuono". 
Si tratta di un pezzo di splendida polifonia, a somiglianza di tanti altri del compositore veneziano distintosi soprattutto per aver scritto musica sacra.
Qui, la melodia si snoda lenta e malinconica nella tonalità di re minore in un suggestivo intreccio di voci che favorisce la meditazione. Il dettaglio che però mi ha fatto preferire questo brano ad altri è l'accordo in maggiore che conclude i due Kyrie all'inizio e alla fine del pezzo: un bellissimo passaggio che, dopo la tristezza precedente, si apre alla luce in modo struggente e, appunto, soavissimo.

Buon ascolto!

 (La foto è presa dal web)

Suggestioni della sera

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

È questo per me - meteorologicamente parlando - il periodo più dolce dell'anno. Il clima si rinfresca, le giornate si accorciano e soprattutto l'approssimarsi della sera regala una luce che non ferisce più lo sguardo, colori che accendono il cuore insieme a un senso di intimità che spesso, ovunque ci si trovi, porta in sè acuto un desiderio di casa. 

Non è raro che questa atmosfera autunnale mi susciti ricordi di un passato lontano, magari dei miei viaggi da pendolare ai tempi dell'università, quando aspettavo il treno su di un binario affollato e rincasavo col buio. Era una vita che ho sempre amato e ancora oggi - a distanza di una bella manciata di anni - il fatto di trovarmi in viaggio verso sera, magari nella folla del metrò o mentre corro alla stazione, suscita in me la percezione di quel passato che i luoghi mi restituiscono con intensità.

Affiora simile a una reminiscenza segreta il ricordo di quegli anni ricchi di fermento in cui costruivo il mio futuro e mi rendo conto che non se ne sono andati, ma in un angoletto del cuore sono ancora lì a regalarmi un sorprendente senso di appartenenza.
Magia della sera, dunque, e delle suggestioni che porta con sè!

Senza dubbio per questo suo particolare incanto, essa è stata celebrata in varie opere che, sia in poesia che in pittura e in musica, hanno oltrepassato il tempo. 
Tutti ricordiamo i testi di Dante, del Foscolo, del Pascoli o del D'Annunzio solo per citarne alcuni, o i dipinti degli Impressionisti, così come i brani musicali, suonati o talora anche cantati, dedicati alla sera e intitolati "Abendlied". Ne ho parlato diversi anni fa proprio qui, commentando uno splendido mottetto di Joseph Rheinberger, ma ritorno oggi sull'argomento con una composizione di Robert Schumann (1810 - 1856).

Si tratta dell'ultimo dei Dodici pezzi per pianoforte a quattro mani per bambini di tutte le età op.85 che porta appunto il titolo di "Abendlied". Originariamente scritto come vedete per piano solo, il brano è stato poi oggetto di numerose rivisitazioni. Quella che vi riporto qui è una rielaborazione per orchestra d'archi che mi è parsa particolarmente pregevole. Delicatezza, intensità e sonorità smorzate sono i tratti distintivi del pezzo che apprezziamo subito per l'atmosfera intima e assorta che gli archi riescono a sottolineare. 
Quello che il brano crea, infatti, è un clima di silenzio interiore, quell'attitudine che ci consente di ritrovare noi stessi nel segreto del cuore fossimo anche in mezzo a una folla, mentre scende il crepuscolo e le ombre della sera si addensano in un abbraccio protettivo. E tra l'altro qui, in taluni passaggi, l'intimità di Schumann mi ricorda l' Adagio del "Concerto per violino n.1 in sol minore op.26" che Max Bruch scriverà diciassette anni più tardi, nel quale risuona proprio un'atmosfera struggente e delicata.

Così, all'ascolto di questo "Abendlied" ho associato un altrettanto suggestivo dipinto di Van Gogh (1853 - 1890): "Paesaggio al tramonto", conservato presso il Museo Thyssen - Bornemitsa di Madrid.

Il suo fascino, a mio avviso, non sta solo nel rosso del tramonto e nella campagna già in ombra che contrasta con la luce ancora vivida in cui si riverbera l'ultimo sole, ma nei tratti di pennello ora larghi e materici, ora lievissimi e sfumati. Un Van Gogh decisamente singolare soprattutto se lo paragoniamo alle sue opere più celebri, fatte di luminosità rutilanti e tratti più definiti, talora quasi violenti, frutto di una fortissima intensità emotiva. A questo proposito, gli studiosi ipotizzano che qui l'artista si sia ispirato ai toni scuri dei quadri del Seicento olandese, come aveva fatto all'inizio del proprio itinerario pittorico. 

Tuttavia, ciò che mi colpisce maggiormente è la presenza di un paesaggo smorzato e sfumato, intimo. Osserviamo per esempio le chiome degli alberi appena accennate con efficacissimi tratti larghi e lievi! Sono un'assoluta meraviglia! Così pure, sullo sfondo oltre la vegetazione, appare un panorama visionario - case? torri? citta? - in una sorta di proiezione emotiva, mentre l'ultimo sole si specchia nel canale e il dettaglio della foto qui sopra sembra un esempio di pittura astratta in anticipo sui tempi.
Un'opera meno famosa di altre, ma a mio modesto avviso straordinaria per la capacità di Van Gogh di ricreare la dimensione più intima di un paesaggio al tramonto in cui - se ci fate caso - anche noi spettatori siamo avvolti dall'ombra. Una composizione ricca di tinte sfumate e delicatezza, come anni prima aveva fatto Schumann traducendo in note le suggestioni della sera.

Buon ascolto! 

(La foto è presa dal web) 

Un irresistibile invito alla danza

Oggi ci spostiamo in un ambiente e in un clima musicale molto diversi dal solito: approdiamo infatti ai ritmi della musica messicana. 
Vi chiederete come mai data la mia passione per altri autori e altre atmosfere ma, se ho potuto scoprire il brano che sentirete, il merito va ancora alla bella esperienza corale che ho vissuto il mese scorso e della quale ho parlato nel post del 3 ottobre.

È stato infatti durante una pausa delle prove della "Missa Sancti Francisci Assisiensis" di Damijan Močnik che il docente che ci guidava negli esercizi sulla vocalità si è messo al pianoforte per conto proprio, come quando si suona per se stessi seguendo un pensiero nascosto o un filo interiore, o magari s'improvvisa. In effetti, in un primo momento ho creduto davvero che improvvisasse, poi la melodia mi ha preso con tale intensità che non ho potuto non chiedere che cosa fosse o a quale pezzo lui si stesse ispirando.

Ho scoperto così che era il "Danzon n.2" di Arturo Marquez, compositore messicano classe 1950 tra i più popolari della sua generazione, anche se il suo stile che, più che alla tradizione europea, si rifà alla musica latino-americana, ha suscitato nel tempo qualche opinione controversa. Il brano - il più conosciuto tra i nove che portano questo titolo - in origine è stato scritto per orchestra e usato poi nella colonna sonora di alcuni filmati, ma è divenuto celebre soprattutto per essere stato inserito da Gustavo Dudamel nel programma dell'Orchestra Sinfonica Simon Bolivar del Venezuela.

Ma che cosa è un Danzon? Come suggerisce il termine, è appunto una danza. La sua origine è cubana anche se poi si è diffusa in Messico e in particolare a Veracruz dove è divenuta parte del folklore locale, ed è proprio in una sala da ballo della città che Marquez ha preso ispirazione per questo brano. In seguito, il pezzo è stato trascritto e arrangiato per vari strumenti ma, memore del fascino con cui mi ha preso quando l'ho sentito, ho preferito il pianoforte solo.

È l'esordio ad afferrarci subito con poche note sincopate, sommesse e insinuanti, in un'accattivante fusione di ritmo e sensualità. 
Dopo una prima esposizione del tema infatti, la melodia si ripete sostenuta da morbidissimi arpeggi che vanno a sollecitare in noi qualche lieve movimento di danza, mentre la successiva ripetizione ha invece un ritmo più martellante e ci trascina in un irrefrenabile, vorticosissimo crescendo.
Due sezioni del brano dall'impatto molto differente dunque, ma entrambe affascinanti proprio perchè - come del resto tanta parte della musica - svegliano in noi quell'istinto a seguirla anche con il corpo, riconoscendoci in essa perchè in ognuno di noi abita un ritmo. 
E l'interpretazione di Yuja Wang, col tocco sicuro delle mani che il video mette bene in luce, ne sottolinea sia la delicatezza iniziale che la successiva energica vitalità in un'esecuzione segnata da grande maestrìa.

Buon ascolto!

(La foto è presa dal web)

Nel segno di San Francesco

Ancora una volta - dopo l'esperienza dello scorso anno il cui resoconto potete ritrovare qui - ho partecipato al Campus Corale organizzato dall'Associazione CLAss_Liguriacanta nella suggestiva cornice del Monastero Santa Croce a Bocca di Magra: una tre giorni di studio e di prove dal ritmo intenso conclusasi poi, come mostra la locandina, con l'esecuzione del brano nella Pieve di Sant'Andrea a Sarzana.

A differenza dello scorso anno in cui il testo da preparare era il "Requiem" di Mozart, stavolta si trattava di musica contemporanea: la "Missa Sancti Francisci Assisiensis" di Damijan Močnik, compositore sloveno classe 1967. Confesso che quando ancora a fine maggio avevo ricevuto gli spartiti insieme alle indicazioni necessarie per lo studio, a tutta prima ero rimasta un po' spiazzata: testi non sempre facili sul piano ritmico, armonie lontane dai miei gusti e un organico orchestrale che prevedeva quintetto d'archi ma insieme batteria e percussioni. Mah!...

Poi però studiando ed entrando progressivamente nel vivo della musica, non solo ho iniziato a coglierne la bellezza, ma mi ci sono proprio appassionata. La svolta è stata quando, oltre agli utilissimi file audio con le singole parti vocali inviatici dall'Associazione, ho trovato su youtube la "Missa" eseguita dal St. Jacobs Chamber Choir di Stoccolma e diretta dal Maestro Gary Graden, proprio il direttore che ci avrebbe guidato al Campus. 
È stato allora che in me le note hanno preso corpo, ritmo, vita! E le varie voci del coro non soltanto si sono fuse tra loro, ma anche con l'orchestra in una serie di affascinanti armonie. Oserei dire che quella degli archi è stata la quinta voce su cui l'autore ha costruito il suo impianto polifonico.

Così, una volta arrivata, ho goduto in pieno sia della prestigiosa direzione di Gary Graden che in ogni fase delle prove ha unito profondità e leggerezza, rigore e altrettanta simpatia, sia della presenza dell'autore che ci ha illustrato l'origine della propria ispirazione in questo lavoro. Močnik ha infatti preso spunto da una sua precedente composizione sul Cantico delle Creature e da vari aspetti della spiritualità di San Francesco.

È fatta di contrasti la sua musica in una fusione di passato e presente: passaggi che arieggiano il gregoriano e altri che hanno l'impeto del rock o di una danza tribale; armonie di grande dolcezza e fluidità come il breve Et incarnatus est del Credo, alternate a durissimi e martellanti assoli di batteria, come in apertura del brano ma anche all'interno. Soavità e drammaticità dunque, fuoco e danza in una fantasmagoria di note che intende entrare nell'animo del Santo restituendoci sia la dimensione verticale che quella orizzontale della sua esperienza religiosa: l'intensità della sua fede insieme alla lode gioiosa per il creato, in un impianto musicale cui batteria e percussioni conferiscono un ritmo incalzante. 

Lavorare su questa composizione è stata per me un'esperienza che, oltre all'utilissimo esercizio di comprensione di un testo musicale sconosciuto, mi ha lasciato il desiderio di imparare senza farmi bloccare dalle difficoltà o da ciò che per me è nuovo. 
Ma al di sopra di tutto, mi ha regalato ancora una volta la gioia di cantare con altri 70 coristi in un'atmosfera di simpatia e accoglienza che il Maestro e i membri dell' Associazione CLAss_Liguriacanta hanno favorito in ogni modo. Bella la costante esortazione di Gary Graden a cantare con amore! Insomma un'esperienza di crescita musicale e umana che - alla veneranda età della sottoscritta - è sempre da cogliere al volo tanto che...mi sono già prenotata per il prossimo anno!

Della Missa che si compone dei classici pezzi Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus e Agnus Dei, ho scelto il Credo perchè ci dà modo di apprezzare i contrasti cui facevo cenno insieme alla varietà di una musica che qui, con caratteri diversi, ripercorre i momenti più salienti della vita di Cristo dall'Incarnazione fino alla Resurrezione. Come per il passato però, la nostra esibizione non è riportata su youtube. Il Credo che sentirete è cantato infatti dal St. Jacobs Chamber Choir di Stoccolma diretto proprio dal Maestro Gary Graden. 
E visto che - nonostante la festa di San Francesco si celebri il 4 ottobre - la data del suo transito è in realtà il 3 ottobre al calar del sole, mi sembra bello pubblicare questo post proprio adesso.

Buon ascolto! 

(La foto è presa dal web) 

Coltivare parole - 9

Ci sono poeti che leggiamo per la raffinatezza del linguaggio pur avvertendo la loro esperienza lontana dalla nostra, ed altri che invece sentiamo più vicini e congeniali per quella sotterranea sintonia che ci fa ritrovare noi stessi in qualcuno dei loro componimenti o anche solo in un verso. Sono quelle parole che talora ci ritroviamo dentro senza saperlo - magari studiate a scuola una vita fa - e che riaffiorano fuse col nostro vissuto e ormai parte di noi.
È toccante questa dimensione profonda e insieme quotidiana della poesia che coglie e fa risplendere la luce segreta delle cose più piccole o più usurate, e sono tanti gli scrittori che a tale riguardo si potrebbero citare. 

Tra gli altri, trovo incantevoli alcuni testi del triestino Umberto Saba (1883 - 1957). Ad affascinarmi è il suo sguardo gentile sulla quotidianità più spicciola, uno sguardo simile a quello del poeta nella foto, profondo e al tempo stesso leggero come l'osservare discreto di chi posa una lieve carezza sulle cose per custodirle interiormente. Vi si coglie anche il velo di malinconia di chi ha conosciuto la sofferenza e ricordiamo che, negli anni della seconda guerra mondiale, date le sue origini ebraiche il poeta era stato costretto a vivere in clandestinità per sfuggire alla deportazione. Tuttavia dai suoi occhi traspare anche un che di pacato: la consapevolezza di chi, per raccontare di sè, ha trovato parole autentiche.

È una delle più famose la lirica che vi propongo - quasi una manifesto della poetica dell'autore - tratta dalla sezione Mediterranee del "Canzoniere", ed è significativo che, nel titolo dell'intera raccolta, Saba riprenda quello usato secoli prima dal Petrarca che vi aveva espresso la propria vicenda interiore. 

Amai 

Amai trite parole che non uno
osava. M’incantò la rima fiore
amore,
la più antica difficile del mondo.

Amai la verità che giace al fondo,
quasi un sogno obliato, che il dolore
riscopre amica. Con paura il cuore
le si accosta, che più non l’abbandona.

Amo te che mi ascolti e la mia buona
carta lasciata al fine del mio gioco.

Ha circa 63 anni il poeta quando compone questi versi e sembra volgersi indietro a considerare la propria esperienza facendo una sorta di bilancio esistenziale. Che cosa è stato importante per lui nella vita?
Indubbiamente il moto di amore che lo ha accompagnato e ancora lo accompagna quando scrive. Basta osservare l'esordio delle tre strofe: Amai...Amai... Amo... Amore per la parola, anzi, per trite parole ricusate da altri nelle quali Saba, al contrario, trova motivo d'incanto. Parole semplici come la rima fiore/amore già usata da lui nella celebre poesia "Trieste". Ma perchè mai la più antica difficile del mondo?

Perchè la facilità di una rima e l'abitudine all'uso, o all'abuso, di certi termini può trasformarne la semplicità in banalità e il confine, se ci pensiamo, è sottile. Tuttavia, quelle del poeta non sono parole casuali o distratte e il suo sguardo non si accosta alla realtà sorvolandola in superficie, ma ne coglie lo spessore anche senza la necessità di una forma ricercata e complessa. Traspare da questa scelta una velata polemica con lo stile certo raffinatissimo ma aulico e altisonante del D'Annunzio, e forse anche col linguaggo spesso oscuro degli ermetici al quale Saba contrappone il proprio desiderio di chiarezza espressiva. 

Dopo l'aspetto formale, il poeta passa a considerare il contenuto delle sue parole: Amai la verità che giace al fondo. Il senso della sua comunicazione è attingere alla verità di noi stessi, a quell'identità profonda a volte nascosta che la sofferenza fa talora riaffiorare più viva. Punto di arrivo è dunque il centro del nostro mondo interiore da ritrovare con trepidazione e a cui tenersi avvinti perchè luogo della nostra autenticità. 

Lo scopo non è solo introspettivo ma insieme fonte di apertura e comunicazione. Così, nell'ultima strofa, Saba si rivolge al lettore stabilendo con lui una sorta di dialogo e dichiarando di essere consapevole della positività del proprio intento: la mia buona / carta lasciata al fine del mio gioco. La parola poetica lo conduce infatti il più vicino possibile al nucleo profondo della persona: lezione umana oltre che artistica, in un mondo in cui comunicare - ieri ma soprattutto oggi - è talora un affastellare parole vuote.  

E mi piace accostare questi versi alla musica di Mozart proprio per ciò che scrivevo sopra: per la mirabile semplicità di certe sue melodie che non è banalità, ma complessità risolta, punto di arrivo di una capacità di cogliere la scintilla segreta che anima ogni cosa e di restituircela con grazia ed eleganza. 
Quello che sentirete è il celebre "Andantino" del "Concerto per flauto, arpa e orchestra K.299" scritto dal compositore a soli 22 anni: un'aria soave e cantabile dove si alternano i due strumenti solisti tra i quali - cosa rara per l'epoca e anche all'interno delle opere dello stesso Mozart - compare l'arpa. Se infatti altrove essa si limita a fare da accompagnamento, qui dialoga con l'orchestra alternandosi al flauto e regalandoci le innumerevoli sfumature del suo timbro melodioso.

Buon ascolto!

(La foto è presa dal web) 

Scanzonata nonchalance...

Oggi vi propongo una chicca invitante almeno quanto quella della scorsa settimana, e per qualcuno forse anche di più. 
Si tratta ancora una volta di un live, un video tratto da un'edizione del celebre Concerto per Milano che da anni si svolge alle soglie dell'estate in Piazza Duomo, con programmi di musica sinfonica - e in qualche caso lirica - che spaziano dal passato al presente. 
L' iniziativa è conosciuta da tutti anche perchè l'evento è teletrasmesso e vede come protagonista la Filarmonica della Scala diretta da Riccardo Chailly, ogni volta insieme a solisti di primissimo piano: da Martha Argerich a Lang Lang, da Maxim Vengerov a David Garrett solo per citarne alcuni.   

Garrett, appunto. È stato propro lui, giorni fa, a comparirmi davanti su youtube con quella sua aria un po' sorniona e la suprema disinvoltura di chi è un fuoriclasse e lo sa, mentre alla fine del Concerto per Milano del 2015 suonava il famoso "Carnevale di Venezia op.10" di Niccolò Paganini (1782 - 1840). Un'esibizione brevissima, un piccolo pezzo di bravura che il solista ha offerto al pubblico come bis, facendo cantare il suo prezioso violino nelle difficoltose variazioni che il brano prevede e suscitando calorosissimi applausi.

Paganini mi perdonerà se non mi soffermo sul suo Carnevale che non mi ha mai particolarmente affascinato, neppure quando me lo imponevano al pianoforte tra le sonatine per principianti, anzi, forse proprio per quello. Nè mi soffermo sulla bravura di Garrett che già mi aspettavo insieme al suo look volutamente un po' tragressivo.  
Certo, se sul piano del rigore interpretativo la critica è divisa e talora i puristi arricciano il naso, la sua tecnica resta straordinaria insieme alla facilità con cui sa trarre una miriade di suoni dal violino. Non dimentichiamo che a soli 13 anni (!) ha firmato un contratto con la prestigiosa Deutsche Grammophon. Bambino prodigio insomma!

Tuttavia in questo video, oltre sua alla grande agilità, a prendermi sono stati anche altri aspetti. 
Bello all'inizio del brano il gesto di Chailly che, dopo aver guidato l'orchestra nell'introduzione, quatto quatto se n'è andato lasciando l'intera scena al solista. Immagino che tutto fosse preparato per dare all'ospite il maggior rilievo possibile, ma pure all'interno di questo spettacolo nello spettacolo, mi sono piaciuti i tanti sorrisi dei protagonisti e soprattutto quelli con cui gli orchestrali hanno seguito l'esibizione mentre sostenevano il brano con i loro pizzicati. Guardateli, ci sono inquadrature in cui attenzione, gioia e un senso di ammirato stupore si disegnano sui vari volti, dai più giovani agli anziani, con quella spontaneità che viene dal profondo, come spesso capita quando si ascolta musica e la bellezza apre il cuore al desiderio di farne parte.

Tante volte abbiamo osservato quanto, superato un certo livello di difficoltà tecniche, le note sgorghino naturali come acqua che scorre e suonare divenga un'esperienza di gioia profonda e comunicativa. Qui pare proprio che tale meraviglia si sia realizzata e che lo studio che, dietro l'apparente leggerezza, avrà segnato intensamente l'esperienza musicale di Garrett, si sia tradotto in maestria, divertimento e in quella scanzonata nonchalance che fa parte del suo stile.

Buona visione e buon ascolto!

(La foto è presa dal web) 

Riprendiamo col botto!

Torno dalle ferie con la gioia di proporvi un brano di stupefacente varietà che ho scoperto da poco, dato che il video che vedrete si riferisce a un concerto tenutosi il 21 luglio scorso in Svizzera, al Verbier Festival.
Sono solo tre minuti scarsi, un breve estratto da un pezzo di più largo respiro ma, appena l'ho sentito, ho deciso d'istinto che a settembre avrei riaperto il blog proprio con questo.

Ma che cos' ha di particolare? Intanto sono variazioni che arrangiano un brano composto a sua volta da altre variazioni, e già questo è fonte di duplice fascino: da un lato un tema articolato in mille modi, e dall'altro arrangiato con l'uso di strumenti, ritmi e forme diverse dall'originale che ne possano sviscerare ulteriore bellezza. Ma nel video che vedrete, entrano in gioco anche le interpretazioni del solista e del direttore che - come sempre, ma in questo caso più che mai - costituiscono, ciascuna per aspetti differenti, un meraviglioso valore aggiunto.

Entriamo allora nel vivo dando il benvenuto in questo blog a un nuovo autore. Si tratta dell'ungherese Ernst Dohnányi (1877 - 1960), figura dalle molte sfaccettature essendo stato, oltre che compositore, anche pianista, direttore d'orchestra e insegnante. Tra le numerose composizioni che ci ha lasciato, ho scelto le sue "Variazioni su di una ninna-nanna per pianoforte e orchestra op.25" che rielaborano le celeberrime " Dodici variazioni in Do maggiore sulla canzone Ah, vour dirai-je, Maman K.265" di Wolfgang Amadeus Mozart con le quali tanti musicisti in erba si sono almeno in parte misurati.

Confesso che il tema mozartiano nella sua spoglia semplicità che vedete nella foto non mi ha mai entusiasmato, mentre il modo in cui il compositore salisburghese lo ha poi rielaborato mi prende molto di più. Si arricchisce infatti di abbellimenti, infiorettature, arpeggi, scambi tra mano destra e sinistra nel suonare il tema e l'impianto accordale, trasposizioni in minore e via dicendo: tutti espedienti tecnici per variarne la resa pianistica ora più virtuosistica, ora decisamente più intima. E - per la vostra gioia - eccovi appunto l'intero originale mozartiano.

Diverso è l'effetto del brano di Ernst Dohnányi sia perchè, oltre che al pianoforte, è affidato all'orchestra, ma anche perchè il musicista ungherese lo ha rielaborato di volta in volta secondo forme differenti. L'intera composizione che, se volete, potete ascoltare qui, è formata da una maestosa parte introduttiva, poi dall'esposizione del tema ripreso anche nel finale, e in mezzo da 11 variazioni. 
Sono proprio queste ad offrirci il meglio della fantasia del musicista che con esse non solo amplia la prospettiva del pezzo originale attraverso sonorità e timbri orchestrali, ma adotta di volta in volta forme diverse tra cui la marcia, il valzer, la fuga, la passacaglia, attraversando le epoche con esiti ora drammatici, ora squisitamente giocosi. Andatevi a sentire, per esempio, la quarta variazione e resterete incantati, ma anche quelle successive alternano suggestioni che possono ricordare ora Prokofiev, ora Beethoven o addirittura qualche brano della celebre Fantasia di Walt Disney. Per certi aspetti un Mozart irriconoscibile, ma una composizione indubbiamente affascinante.

Tuttavia il bello, a mio modestissimo avviso, non è ancora questo. È proprio nell'estratto che vi propongo: una piccola chicca tutta da gustare che, dopo la parte introduttiva, inizia davvero col botto: un fortissimo accordo cui segue l'esposizione del tema insieme alle prime tre variazioni. Purtroppo il video s'interrompe proprio nel bel dialogo tra il pianoforte e l'orchestra, ma pur nella sua brevità, è sufficiente a farci apprezzare l'inventiva del compositore e la passione degli interpreti. 
A proposito, avete visto l'espressione del giovane solista giapponese Mao Fujita? Nel suo sguardo ammiccante, nei suoi occhi sgranati mentre a fior di labbra canticchia la melodia, possiamo leggere sorpresa, stupore, gioia, divertimento insieme a una grande partecipazione emotiva. E tutta la prima variazione ci regala un'atmosfera giocosa che potremmo anche immaginare come colonna sonora di un vivace cartone animato, mentre più disteso e romantico è il resto. 
E il dinamismo del direttore Gabor Takács-Nagy? Sarà perchè vi colgo una vaga somiglianza col celebre Philippe Leroy, ma mi è stato subito simpatico nel suo sorriso e nella gestualità rigorosa e vivacissima. 

Insomma, musica e interpreti davvero entusiasmanti e capaci di toccare anche noi con la loro gioiosa energia.

Buon ascolto! 

Buon Ferragosto!

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Ioannes Mokos (1680 - 1724): "Dormitio Virginis", Metropolitan Museum of Art - New York.

Sulle note di un antico inno in onore di Maria e con questa tavola di Ioannes Mokos, auguro a tutti voi buona Festa dell'Assunzione, buon ascolto e buone ferie! Anche questo blog va in vacanza per qualche settimana.
Arrivederci!

Josquin Desprez (1450 - 1521) : "Ave Maria, Virgo serena".

Coltivare parole - 8

 

Fa un caldo esagerato, lo sappiamo tutti e non occorre ribadirlo. 
Ma se penso al clima degli anni passati, insieme a considerazioni strettamente meteorologiche mi affiora anche il ricordo di ciò che le temperature di una volta consentivano di fare. Parlo di altre estati in cui i pomeriggi non erano momenti da passare - diciamo così - agli arresti domiciliari per sfuggire all'afa, ma ore in cui si poteva stare all'aria aperta su di un sentiero, un prato o in una radura ombrosa a leggere, dormire o contemplare il paesaggio. Si godeva così di quella calma che concilia il riposo, allarga il respiro e aiuta a cogliere le tante meraviglie che la natura ci offre.

Proprio in questa dimensione un po' nostalgica, mi è tornata in mente una poesia di Giovanni Pascoli (1855 - 1912) letta tante volte a scuola e che, nella brevità di sole due strofe, riesce a immergere il lettore nel cuore di un paesaggio d'incantata solitudine e di silenzio. Eccola:

Dall'argine 

"Posa il meriggio su la prateria.
Non ala orma ombra nell’azzurro e verde.
Un fumo al sole biancica; via via
fila e si perde.

Ho nell’orecchio un turbinìo di squilli, 
forse campani di lontana mandra;
e, tra l’azzurro penduli, gli strilli
della calandra."

Nel testo, tratto dalla raccolta Mirycae del 1891, notiamo subito il punto di vista del poeta che contempla la campagna da un argine, cogliendo prima ciò che vede e poi ciò che sente con un liguaggio che, se per certi versi può sembrare semplice, in realtà è raffinatissimo.

È il verbo iniziale "Posa" - di cui soggetto è "il meriggio" - a comunicarci la sensazione di calma e di silenzio dei momenti in cui ogni attività cessa e tutto resta fermo, immobile. Immaginiamo che sia un giorno d'estate o di primavera inoltrata, in quelle ore pigre di un primo pomeriggio assolato che talora conciliano il sonno: sembra infatti che il Pascoli descriva il paesaggio da ciò che vede a fior di ciglia, socchiudendo gli occhi mentre riposa. 
E che cosa vede? Un prato verde, uno spazio immoto e silenzioso in cui nulla turba la quiete dell'ora, e dove quel filo di fumo descritto in gradazione decrescente - unico dettaglio in movimento che biancheggia, si assottiglia e svanisce nell'aria - in realtà non fa che sottolineare l'immobilità circostante.

Ma una gradazione simile, a sottolineare la solitudine del luogo, è anche nel verso precedente: "Non ala orma ombra nell'azzurro e verde". Si va infatti dall'ala che è parte visibile di un corpo, all'orma che è ciò che resta del suo passaggio e poi all'ombra che, rispetto all'orma che si imprime nel terreno, è un riflesso lieve e impalpabile. Inoltre, il Pascoli usa in questo verso quello stile nominale per cui il verbo è sottinteso e restano in evidenza i soggetti. Non una descrizione teorica, quindi, ma pennellate impressionistiche con cui mira a ricreare la scena perchè il lettore se ne senta parte.
All'interno di essa ci sono poi colori ricchi di freschezza - dal verde del prato all'azzurro del cielo e al bianco del sottile filo di fumo - che illuminano il paesaggio. Non avvertiamo infatti quel senso di vuoto talora dato dalla solitudine, ma solo il magico incanto della natura, simile a quello dei fiori di alta montagna che offrono la loro bellezza anche dove nessuno li vede.

La seconda strofa è incentrata invece sui suoni: prima lontani e confusi, poi più vicini e netti. Qui entra in gioco il poeta come soggetto e davvero possiamo immaginarlo disteso sul prato a registrare ogni minima percezione. Sente infatti riecheggiare in sè il suono dei campanacci di una mandria già passata (Ho nell'orecchio): un insieme di suoni confusi e in movimento (turbinìo) della cui identificazione tuttavia non è sicuro (forse) e che vengono da una certa distanza (lontana). Una percezione indeterminata quindi, resa con il consueto linguaggio ricco di sfumature.
Ma a tale sensazione indefinita si contrappongono netti i versi acuti della calandra sospesi nel cielo quasi a sovrastare il poeta. Se prima l'intensità degli squilli risultava attenuata dal termine turbinìo e dal forse, ora gli strilli con la loro carica onomatopeica sembrano riecheggiare più improvvisi e vicini. 
Raffinatezze di linguaggio che non si possono disgiungere dal ritmo con cui sono costruite le due strofe, composte ciascuna da tre endecasillabi e un quinario che, con la sua brevità e il suo andamento piano, sembra ricondurci a una dimensione di profonda quiete.

E parlando di quiete, torno ancora una volta a Mozart col secondo movimento, Adagio, dal "Concerto n.3 in Sol Maggiore per violino e orchestra K.216". Hanno sempre un grande fascino gli Adagi mozartiani - sia che li troviamo in un brano orchestrale che in una sonata per pianoforte - perchè c'è in essi un incanto che il compositore coniuga in una molteplicità di sfumature sottolineandone ora la serenità, ora la malinconia, ora la dimensione sognante, ora la profonda pace.
Direi che sono i due ultimi aspetti a caratterizzare questo brano, affascinante per la sua purezza espressiva dovuta anche alla sostituzione degli oboi con i flauti nell'organico orchestrale. Ne deriva un pezzo luminoso e pacato come un tranquillo pomeriggio d'estate, una melodia nata dal magico genio del compositore che ha scritto il Concerto K.216 - insieme agli ancor più celebri K.218 e K. 219 - a soli diciannove anni!

Buon ascolto!

(La foto è presa dal web) 

"Priez pour paix"

Giusto per portarmi avanti, avevo cercato tempo fa un brano di musica per la festa dell'Assunzione da pubblicare appunto il giorno di Ferragosto. Così, avevo trovato e tenuto da conto un pezzo di un autore nuovo per questo blog: "Priez pour paix" di Francis Poulenc (1899 - 1963). 
Si tratta di un'invocazione alla Vergine Maria, scritta in origine per voce solista e pianoforte, ma in seguito rielaborata anche per coro. Ascoltandola però, mi è sembrata tanto profonda e ricca di suggestione che non sono riuscita ad aspettare altri giorni e quindi ho deciso di regalarvela subito.
La composizione infatti non solo mi è parsa pregevole sul piano musicale, ma anche più che mai adatta al tragico periodo che il mondo sta vivendo, segnato da guerre sempre più sanguinose e da discussioni che - anche di recente - si sono aperte sul tema della pace, sul suo significato più autentico e sui modi più opportuni per ristabilirla.

Musicista originale ed eclettico, formatosi nella Parigi della prima metà del Novecento ricca di fermenti culturali, Poulenc ha creato talora contaminazioni tra i vari stili. Inoltre, come ha saputo essere ironico e giocoso in certi pezzi di carattere profano, altrettanto è stato profondissimo nelle numerose composizioni sacre, la più celebre delle quali è l'opera "I dialoghi delle Carmelitane" su libretto di Georges Bernanos. 
Precedente a questa è il brano di oggi scritto dal compositore nel 1938, alla vigilia del secondo conflitto mondiale, mettendo in musica una poesia del XV secolo di Charles d'Orléans (1394 - 1465) della quale vi riporto il testo: 

"Priez pour paix, douce Vierge Marie,
Reine des cieux, et du monde maîtresse,
faites prier, par votre courtoisie,
Saints et Saintes, et prenez votre adresse
vers votre Fils, requérant sa haultesse
qu'il Lui plaise son peuple regarder,
que de son sang a voulu racheter,
en déboutant guerre qui tout dévoie;
de prières ne vous veuillez lasser:
priez pour paix, le vrai trésor de joie."

L' invocazione si rivolge a Maria perchè solleciti instancabilmente tutti i Santi a pregare e chieda al Suo Figlio di allontanare la guerra ripristinando la pace, definita nel testo "vero tesoro di gioia".

Lento e pacatissimo l'esordio del coro in un mesto fa minore, caratterizzato da un andamento ripetitivo che mi ha ricordato quello di alcuni canti di Taizé. E chissà mai che siano state anche le note di Poulenc ad ispirare in seguito - intorno agli anni Settanta - le celebri composizioni di Jacques Berthier! 
A parte questo però, il fascino di "Priez pour paix" è dato soprattutto dalla particolare armonia ricca di splendide dissonanze che conferiscono all'invocazione spessore e drammaticità, nonostante qualche apertura in tonalità maggiore. 
Sono note ora più dolci, ora più intime e accorate, che riflettono una vasta conoscenza degli autori del passato e in particolare della polifonia. Poulenc infatti, più che al contesto musicale e alle avanguardie della prima metà del Novecento in cui già si stava affermando la Scuola di Darmstadt con la dodecafonia, nelle composizioni sacre sembra ispirarsi all'intensità spirituale di alcuni autori rinascimentali e successivamente di Bach.

Del brano trovate qui un suggestivo arrangiamento per coro a cappella guidato da  una direzione misuratissima e al tempo stesso entusiasmante.

Buon ascolto!

 

(La foto, che raffigura il compositore, è presa dal web) 

Cantiamo e intoniamolo!

È questo per me un periodo che definirei coristico, non nel senso che stia cantando da qualche parte - l'anno è finito e si riprenderà a settembre - ma perchè l'estate mi dà modo di soddisfare una certa curiosità per autori che non conosco, sia antichi che contemporanei. Proprio in questa ricerca talora fatta a caso, talaltra seguendo le indicazioni del web o i vari suggerimenti di youtube, ho scoperto il brano e l'autore di oggi.

Si tratta del coro a cinque voci "Sing we and chant it" di Thomas Morley (1557 - 1602), compositore inglese, organista e teorico di tecnica musicale tra i più famosi del tardo Rinascimento, la cui attività si è incentrata sulla diffusione in Inghilterra del madrigale italiano.
Il pezzo che sentirete, caratterizzato da un ritmo animato e danzante, riprende in particolare il balletto vocale di Giacomo Gastoldi (1555 - 1609) intitolato "A lieta vita". Ma le parole del canto "Sing we and chant it" - peraltro di autore anonimo - vi susciteranno senza dubbio altri famosi riferimenti. Eccole:

"Cantiamo e intoniamolo
finché l'amore ce lo concede. 
Non dura a lungo la giovinezza
e la vecchiaia si affretta. 
Ora è il migliore svago
per goderci il nostro piacere. 
Tutte le cose ci invitano
ora a deliziarci
perciò, attenzione, preparate le valigie!
Non manchi l'allegria!
Non risparmiamo alcun tesoro
per vivere nel piacere."

 

Sì, quella che vi sta tornando in mente è proprio la celebre ballata di Lorenzo il Magnifico (1449 - 1492) "Quant'è bella giovinezza", tratta dal "Trionfo di Bacco e Arianna". Eccola:  

"Quant'è bella giovinezza,
che si fugge tuttavia!
Chi vuol esser lieto, sia:
di doman non c'è certezza.

Questi'è Bacco e Arïanna,
belli, e l'un dell'altro ardenti;
perché 'l tempo fugge e inganna,
sempre insieme stan contenti.
Queste ninfe e altre genti
sono allegre tuttavia.
Chi vuol esser lieto, sia:
di doman non c'è certezza". 

In entrambi i testi troviamo l'esortazione a godere le gioie del presente perchè la giovinezza non dura a lungo. Il tema della fugacità della vita del resto è caro a tanta letteratura del passato. Questa, in particolare, è la trasposizione rinascimentale del celebre carpe diem oraziano con la realistica constatazione dell'inesorabile scorrere del tempo e di conseguenza l'invito a non trascurare i piaceri che l'esistenza offre.

Vi chiederete se anche il testo del Magnifico sia stato musicato.
Sì, sia ieri che oggi! Esiste la versione di un anonimo del Quattrocento e ci sono altre rivisitazioni contemporanee delle quali la più famosa è quella di Angelo Branduardi che potete trovare qui. Certo, altra epoca, altro clima musicale e un accento più marcato sulla fugacità della vita. La conclusione di ogni strofa infatti è su quel "di doman non c'è certezza" che, ancora prima di Lorenzo de' Medici, il poeta latino Orazio nel I sec. a.C. aveva espresso, invitando a non interrogare le stelle sulla durata del futuro, ma a godere concretamente del presente senza pensare al domani.

Nel brano di Morley invece, a parte il cenno iniziale sulla brevità della giovinezza, non mi pare si avverta la soffusa malinconia che sentiamo altrove. Ma la sua esortazione iniziale (Cantiamo e intoniamolo) riferita all'amore - tema che pure è presente anche nel testo del Magnifico - qui sovrasta il resto, e la necessità di tenersi pronti a partire (preparate le valigie!) non esclude affatto la possibilità di gioire dell'oggi. Se nelle parole di Lorenzo de' Medici la gioia è in un certo senso un'eventualità (chi vuol esser lieto sia), nel testo musicato da Morley diventa quasi un comando. 
Così, il ritmo danzante di quel ritornello fa...la la...la la...la la! ci comunica soprattutto allegria, spensieratezza e - lasciatemelo dire - una gran voglia di unirci al coro! 

Buon ascolto!

(La foto - che rappresenta "La fontana della giovinezza", miniatura di scuola italiana del 1470, conservata alla Biblioteca estense di Modena - è presa dal web.)