Forse una tempesta...

J.Turner: "Tempesta di neve." - Londra, Tate Gallery.

Non mi capita spesso di andare a rileggere i post che ho già pubblicato.
Tuttavia, quando lo faccio e riascolto le musiche dei vari compositori, mi rendo conto sempre più di quanto l'andamento di questo blog sia altalenante. 
Non segue infatti una cronologia, nè un tema preciso e neppure un filo se non quello del cuore, della passione o delle mie scoperte musicali del momento. Ultimamente poi, vola dal passato remoto al presente o viceversa, da pezzi rinascimentali e barocchi ad altri dei nostri giorni, oscillando un po' proprio come un' altalena.

Allora per continuare così, oggi - dopo Bach e Dowland - torno molto più vicino a noi con un concerto scritto nel 1987 che ho scoperto nei giorni scorsi. 
È un brano dal quale sono stata subito affascinata perchè il suo andamento movimentato e nervoso, così come la crescente intensità che lo caratterizza, mi hanno dato la sensazione che l'autore vi abbia quasi riprodotto la furia di una tempesta. 
A dire il vero, non so se questo fosse il suo intento: non è infatti una musica a programma come tanti pezzi classici che - da Vivaldi, Beethoven, Ravel e Smetana - hanno descritto le stagioni, il temporale, dei giochi d'acqua o l'intero percorso di un fiume dalla sorgente alla foce.
No, qui non abbiamo alcuna indicazione in questo senso, ma la suggestione di una bufera che arriva a ondate successive, a mio avviso, rimane forte.

Si tratta del primo movimento del "Concerto per violino e orchestra n.1" di Philip Glass, classe 1937, compositore statunitense dalla produzione vastissima e poliedrica del quale tempo fa ho pubblicato qui tre brani.
Considerato a buon diritto tra gli esponenti più significativi del minimalismo musicale, se ne è poi allontanato tornando a forme più tradizionali come - appunto - quella del concerto i cui caratteri riflettono le radici della sua formazione classica, a cominciare dalla convenzionale suddivisione in tre movimenti.
Non solo. Il pezzo - scritto dal compositore in ricordo del padre - è in qualche modo anche un tributo ai gusti dell'uomo che, pur non avendo ricevuto una specifica educazione musicale, tuttavia amava molto la produzione violinistica dell'Ottocento, da Mendelssohn a Brahms.

Quella di Glass è una musica che ci getta nel dramma in modo immediato. 
Il brano infatti non ha vera e propria introduzione, ma ci coinvolge subito nei suoi accordi in minore pervasi da un senso di attesa, insieme all'andamento arpeggiato e ansimante del violino che - sostenuto da quello ancor più animato dell'orchestra - va esplorando una vasta gamma di possibilità espressive.
È un movimento che cresce per tutto il corso del pezzo, con passaggi ricchi di una concitazione dal ritmo cadenzato, costruito su di una ripetizione quasi ossessionante di accordi, tratto peraltro tipico dello stile del compositore. 
Ne deriva una progressiva intensità dinamica e timbrica che raggiunge momenti di notevole potenza.
Una tempesta? Forse, anche se nei punti in cui il ritmo si fa più acceso e scandito dalle percussioni, il brano potrebbe ricordare una danza sfrenata.
Tuttavia, intrecciato qua e là o alternato a tale movimento, emerge a volte un tema dolente affidato al violino e ripreso dal flauto, quasi un lamento desolato che affiora dove l'intensità orchestrale diminuisce, proprio come quando - nel pieno di un temporale - all'improvviso il vento cade. Così, il ritmo ansioso del brano va a poco a poco perdendosi in un finale molto più sommesso.

Una musica che ci parla con forza perchè, nel suo andamento reiterato e negli arpeggi simili quasi ad onde del mare, può evocare anche tempeste dell'anima. 
Note segnate da un'inquietudine angosciosa e straniante, capaci di interpretare lo sgomento esistenziale del nostro tempo, ma insieme di aprire spazi sconfinati dentro e fuori di noi.

Buon ascolto!

"Perchè Bach ci può salvare..."

(foto presa dal web)

Leggo sul "Corriere della Sera" del 6 novembre scorso una bella storia che desidero condividere qui.
Una storia in cui vicenda umana e artistica si intrecciano in modo mirabile, una testimonianza di sofferenza e di coraggio nel nome della musica, che diviene infatti la scintilla capace di dare salvezza anche in condizioni disumane.
È Susanna Tamaro, in un articolo intitolato appunto "Perchè Bach ci può salvare. Storia della pianista internata da Mao", a recensire "Il pianoforte segreto", romanzo di Zhu Xiao-Mei (ed. Bollati Boringhieri).

Si tratta di un libro-documento in cui l'autrice - nata a Shangai nel 1949 e oggi pianista di fama mondiale - racconta la propria vita a partire da quando, giovanissima studentessa di conservatorio, si trova ad affrontare gli anni della rivoluzione culturale di Mao Tse Tung. 
Colpevole di appartenere ad una famiglia borghese di intellettuali, è costretta a fare autocritica e, in un primo tempo, travolta dal regime non riesce a sottrarsi al plagio collettivo diventando così complice del movimento. 
In seguito, caduta in disgrazia, è internata per cinque anni in vari campi di lavoro e di "rieducazione". Qui sperimenta la durezza ma soprattutto la coercizione psicologica per cui è indotta a tradire valori, affetti, relazioni e rinunziare a tutto ciò che appartiene alla cultura occidentale.

Gliene deriva una disperazione di fronte alla quale tuttavia reagisce e si salva, attaccandosi con coraggiosa caparbietà alla sua passione per la musica. 
Riesce infatti a farsi portare - camuffato da credenza - il vecchio pianoforte di casa ormai scordato e a procurarsi degli spartiti col pretesto di imparare i canti consentiti dal regime. Approfittando dell'ignoranza dei suoi guardiani, riprende invece a suonare Bach e Chopin, nelle cui note attingerà la forza per resistere e per ritrovare se stessa. 
Potrà allontanarsi dalla Cina soltanto nel 1980. Oggi vive a Parigi ed è considerata una delle più grandi interpreti di Bach, in particolare delle "Variazioni Goldberg".

C'è un miracolo nella musica che ci tocca nel profondo. 
La storia di Zhu Xiao-Mei testimonia proprio quanto essa - così come altre forme di arte - sia nutrimento essenziale dell'anima, fonte di rinascita spirituale capace di salvare dall'abbrutimento, poichè va a risvegliare quell'armonia segreta che risuona in ognuno di noi.
È a questo proposito che Susanna Tamaro sottolinea l'attualità dell'esperienza  narrata in questo libro e auspica che esso venga letto nelle scuole per combattere il pericolo - vivissimo anche oggi - che la vita dell'uomo sia ridotta alla sola dimensione materiale e all'esclusiva soddisfazione degli istinti primari. A conclusione del suo articolo, parla infatti della cultura come della vera ricchezza che consente, in tempi bui, di illuminare il cammino.
Ma riporto direttamente le sue parole:

   "Pensando proprio al libro di Zhu Xiao-Mei possiamo trovare il coraggio di dire che l'assenza di cultura è una delle più grandi forme di povertà. Essere poveri di parole, di pensieri e di sentimenti vuol dire essere poveri nelle proprie relazioni e nella comprensione della realtà. La storia della pianista cinese dimostra con esemplare chiarezza che la storia ci può privare di tutto, della nostra cultura, della libertà, della dignità, spingendoci a vivere al limite dell'umano, ma non può spegnere l'anelito alla bellezza che è nascosto in ogni persona che abbia la forza d'animo di seguire la propria coscienza. Primo Levi è sopravvissuto ad Auschwitz grazie anche alle poesie imparate a memoria, Zhu Xiao-Mei non si è fatta sopraffare dalla bestialità dei campi di lavoro grazie alla musica di Chopin e a Bach che continuava a risuonare dentro di lei. Nell'opacità di questi tempi, forse è bene ricordare che solo l'arte e il riverbero della bellezza riescono a illuminare i momenti più bui della storia."

Nel video, interpretati mirabilmente proprio da Zhu Xiao-Mei, trovate - nell'ordine di esecuzione - alcuni pezzi tratti dai seguenti brani delle "Variazioni Goldberg BWV 988":   
- Aria 
- Variazione n.20 
- Variazione n.25 
- Variazione n.9.
Note bachiane ora piene di luminosa pace, ora di scintillante energia, ora di intensa meditazione.

Buona visione e buon ascolto!

Disc jockey

(foto presa dal web)

Chi cerca trova, e chi rovista negli armadi riscopre a volte cose vecchie e dimenticate. Se poi a frugare non si va nei cassetti, ma nei documenti archiviati da tempo in computer, possono capitare simpatiche sorprese. 
Di più: magari si vanno a dissotterrare vecchi sogni e - guarda un po'! - a scoprire che, in qualche modo, si sono realizzati.
Ho ritrovato giorni fa un articoletto che avevo scritto in un angolo di web ormai sparito. Correva l'anno 2009 e questo blog non aveva ancora visto la luce. 
Vi manifestavo il desiderio di condividere musica e mi lasciavo andare a sogni un po' folli, senza tuttavia immaginare che - di lì a non molto - si sarebbero avverati. S'intitolava nientemeno che "Disc jockey" (!) e, se avete pazienza, lo potete leggere qui:

"Vorrei tanto fare il disc jockey.

Sì, proprio quello che intrattiene il pubblico radiofonico presentando brani di musica e commentandoli con vivacità e leggerezza. 
Non sto scherzando, nè mi ha dato di volta il cervello. Ci ho pensato l’altro giorno invece, mentre per l’ennesima volta ascoltavo il "Capriccio" della “Partita n.2 in do minore” di Bach con la sua perfetta struttura contrappuntistica, l’architettura delle voci che si inseguono come archi rampanti in una cattedrale gotica e il ritmo carico di dirompente energia. 
Così, ho sentito il desiderio di condividerne le bellezza con altri e ho pubblicato il pezzo su Facebook, accompagnandolo con due righe di presentazione che dicevano: "Buona giornata a tutti con questo Bach assolutamente splendido…” eccetera. 

È stato lì che l’idea mi ha folgorato: l’idea di uno spazio in cui poter proporre all'ascolto - un'oretta ogni mattina - i brani di musica classica che preferisco e che parlino al cuore. Insomma, un modo per aprire la giornata in serenità.

Lo so, la radio è piena di trasmissioni di questo tipo, condotte con spessore e competenza. Inoltre, proponendo brani classici invece che musica leggera sarei un DJ molto particolare e forse il termine non è neppure quello giusto, ma è giovane e mi diverte.
Comunque sia, il presentatore di musica fa un mestiere affascinante perchè a chi si appresta ad iniziare, magari senza grandi entusiasmi, una giornata di lavoro, regala ciò che di bello ha scoperto nella propria valigia di conoscenze.

A me basterebbe un piccolo spazio, dedicato a chi conosco e a chi amo, ma anche agli sconosciuti in ascolto capaci di lasciarsi sorprendere dalla bellezza. Sarebbe uno sprazzo di luce mattutina, un augurio teso a ricaricare dal profondo, a riportare il sole dissipando le nebbie che talora offuscano l'anima. Penso che mi sarebbe congeniale - vinta l’inevitabile emozione - parlare dietro un microfono ad un pubblico che non vedo ma che immagino alle prese col traffico cittadino o forse in treno o tra i mestieri di casa. 
Immagino che mi verrebbe facile chiudere gli occhi, sorridere e, seguendo il dettato del cuore, condividere le musiche che più amo: un'aria, un ritmo, un corale ad accompagnare il nostro sguardo sulla vita e a rasserenarlo dall’interno. 

Nella giornata che ci attende, incontreremo tante cose che andranno a interferire forse brutalmente con la nostra interiorità: tanto rumore contrabbandato per musica, tanto sconcertante squallore intorno a noi che vale davvero la pena attingere l’acqua sorgiva dei grandi per non dimenticare che cos'è la Bellezza e dare forza al nostro sorriso.

Non sceglierei brani troppo lunghi, ma solo quelli che almeno una volta abbiano parlato al mio cuore suscitando un'emozione che perdura, pezzi legati a un tratto del mio cammino e per qualche motivo radicati nell’anima. 
Proporrei, per esempio, il primo tempo del "Concerto per violino e orchestra in sol min." di Bruch che mi riporta, tumultuoso e romantico, agli anni della mia adolescenza; o il "Larghetto" della "Sinfonia classica" di Prokofiev che nel suo incedere elegante quasi di danza, apre l' anima a fremiti di vita nuova. 
O qualche aria dalle mozartiane "Nozze di Figaro"che liberi dalla prigione della tristezza, consentendo al nostro sguardo di recuperare trasparenza.
E naturalmente non potrebbe mancare Bach, in particolare nella pacificante pulsazione ritmica dell' "Adagio" per organo dalla "Toccata, adagio e fuga in Do maggiore". 
Ma sceglierei anche splendidi gioielli barocchi dalla brillante orchestrazione come l' "Arrivo della Regina di Saba" dal "Solomon" di Haendel o il corale che conclude il suo "Dettingen Te Deum" con le parole "Oh Lord in Thee have I trusted", Signore, in Te ho fiducia. E quale invocazione migliore per iniziare una giornata?...

Sto fantasticando, lo so. Non farò mai il disc jockey. A parte le tante trasmissioni di questo tipo, molta gente oggi, in casa e fuori, in treno o dando l’aspirapolvere, viaggia con l’ipod incorporato dove ascolta musica a tutto spiano e se la sceglie. 
Ma resta in me il desiderio di condividere con altri - in una radio, un network o altrove - la Bellezza che un giorno mi ha ferito, tesoro nascosto nell’infinita magìa delle note. Offrirla perché non se ne perda il sapore, quel fuoco che alimenta la vita, illumina la tua giornata e ti consente di custodire un sorriso nell’anima anche sotto un cielo carico di nubi."

Ecco, in questo articoletto che appartiene - diciamo così - alla preistoria, esprimevo un desiderio di condivisione che si è concretizzato un anno dopo nel presente blog, e mi piace pubblicarlo oggi perchè, proprio nei giorni scorsi - esattamente il 19 ottobre - "Gioire in Musica" ha compiuto otto anni!
Mai avrei creduto che l'esperienza iniziata con qualche esitazione potesse durare così a lungo, regalandomi tanta voglia di imparare e un entusiasmo che, grazie alla musica e ai lettori/ascoltatori che passano o sono passati di qui, non si è ancora spento.
Così, desidero concretizzare la mia gratitudine a tutti voi con un video un po' particolare e dando il benvenuto a un compositore nuovo.

Si tratta dell'inglese John Dowland (1563 - 1626), con uno dei suoi brani più conosciuti: "Now, o Now I needs must part...", dal "First Booke of Songes" del 1597. Il pezzo, segnato da dolce malinconia e - come altri dello stesso autore - incentrato sul tema della sofferenza d'amore per la separazione dalla persona amata, è stato interpretato nel tempo da vari musicisti tra i quali anche Angelo Branduardi. 
Ho preferito tuttavia la versione de "Les Canards Chantants", ensemble specializzato in polifonia rinascimentale, per la purezza e la trasparenza con cui le quattro voci vanno progressivamente sommandosi e fondendosi. 
Inoltre, il sottofondo del liuto, che ricorda qua e là la celebre "Greensleeves", ci riporta l'eco di arie di antichi menestrelli restituendocene l'atmosfera.

Ma la mia scelta è stata dettata anche dal fascino della clip-video. 
Qui infatti la musica si accompagna e s'intreccia a brevi sequenze che colgono aspetti della quotidianità, immagini di un viaggio che è poi la vita stessa, dove il ritmo pacato delle note diviene splendore che cammina con noi, da custodire nello sguardo e nell'anima.
  
Buona visione e buon ascolto!

In punta di piedi...

Sandra Maccaferri: "Notte di luna" - olio su tela.

Ripercorrere i luoghi amati da una persona, in mezzo ai quali ha costruito un pezzo della sua felicità, è un po' come ritrovarla, per quel mistero che consente a una parte di noi di rimanere laddove abbiamo radicato il cuore e il senso del nostro vivere.
È come se tutto rispecchiasse una presenza ed essa trasparisse persino dalle cose, non più oggetti estranei o lontani, ma ricchi di un calore che si fa quotidiano tramite di una memoria.

Proprio questa è la percezione che ha avuto il nostro gruppetto di blogger che, domenica 21 ottobre, si è recato a Spervara (MO) per rendere omaggio alla carissima amica Sandra che ci ha lasciato lo scorso giugno.

Grazie all'affetto e all'accoglienza del marito Franco, che ha voluto condividere con noi la casa e gli angoli di paesaggio che lei ha più amato e spesso riportato nel suo blog (http://sandramaccaferri.blogspot.com/), ci siamo ritrovati in un ambiente conosciuto e familiare. Eppure, istintivamente vi siamo entrati quasi in punta di piedi, come ci si addentra in un luogo dove sappiamo che, nella stanza accanto, una persona sta riposando. 
Guardandoci intorno, quella che abbiamo colto è stata infatti una presenza viva: negli oggetti e arredi ideati o scelti da lei, nei suoi bellissimi dipinti, nelle tante foto, nei segni dei suoi molteplici interessi che hanno reso la casa un luogo pieno di calore. Un mondo che è stato meraviglioso esplorare perchè ci ha testimoniato ancora una volta la grinta e l'irrefrenabile entusiasmo per la vita che ha caratterizzato l'esistenza di Sandra.
E naturalmente a questo proposito, ci è venuto spontaneo ricordare l'amicizia che legava lei e tutti noi alla carissima Ambra, volata via due anni fa ma anch'essa sempre presente nel nostro ricordo.
Una giornata tuttavia non triste, ma trascorsa in serenità e gratitudine, accolti e sapientemente guidati da Franco, cogliendo nelle sue parole il senso di un amore che oltrepassa il tempo e insieme godendo del legame di amicizia che - con gli anni e la condivisione delle vicissitudini di ciascuno - si è saldamente stabilito fra tutti noi.

Così, mi piace associare alla gioia di questo incontro un brano di Claude Debussy (1862 - 1918): l' "Arabesque n.1 in Mi maggiore L.66".
Si tratta di una famosa composizione di stile impressionistico, una musica dalle mille sfaccettature - andantino con moto, mosso, risoluto - dai toni e timbri diversi un po' come la conversazione del nostro piccolo gruppo ora vivace, ora più sommessa, nel dipanarsi dei vari argomenti e secondo i tratti della personalità di ciascuno. 
Un brano ora lieve, ora animato e palpitante che mi sembra adattarsi anche allo stile delle poesie di Sandra - ricche di delicatezza ma insieme di incisivo spessore - così come al movimento colorato, sognante e arioso che ha sempre caratterizzato i suoi dipinti.
Nella foto in alto, ne vedete uno intitolato "Notte di luna", un quadro originale nelle sue tinte e nella sua ispirazione: non scorgiamo infatti la luna, ma ne cogliamo il riflesso della luce sugli alberi e sulla vegetazione che assume tratti fantasiosi e suggestivi. 
Una composizione completata dai versi che Sandra aveva scritto proprio su questo tema e che riporto qui perchè - come il pezzo di Debussy - ci regalano la percezione di uno sguardo di grande profondità e insieme di straordinaria dolcezza.
                                  "Un sogno passa frusciando. 
                                                      Ha dita leggere.
                                                 Accarezza e consola 
                                      mentre gocce di luna svelano la notte." 
 
Buon ascolto!

 

 

Silenziosa, vibrante passione

(foto presa dal web)

Chissà perchè, talora, alcuni credono che parlare di passione significhi far riferimento a sentimenti espressi sempre con grande irruenza, o ad una sfera di comportamenti perennemente agitati, nel bene come nel male.
Lo dimostra il fatto che, anche nel linguaggio comune, la parola stessa è spesso associata all'idea di febbre o di violenza.

Che sia amorosa, politica, artistica o sportiva, della passione infatti si sottolinea di solito la forza, la suggestione, il dominio assoluto che essa può esercitare su di una persona, prendendo possesso del suo cuore e di tutte le sue facoltà. 
Il vocabolario, a proposito dei vari campi a cui il termine può essere applicato, parla di delirio, furore, sofferenza, tormento, impeto, slancio, e l'impulso di un'anima appassionata è definito come amore ardente o paragonato proprio a un fuoco che divampa con veemenza.

E non si pensa invece che l'intensità di un sentimento - se certo si può osservare anche attraverso le sue espressioni e manifestazioni esterne - non è meno profonda quando esso è vissuto nel silenzio, in una dimensione tutta interiore. Anzi, il silenzio e la solitudine talora ne affinano il tocco, ne accrescono la carica alimentandone a volte il fuoco segreto, forse per questo ancor più bruciante.
Lo si può constatare a più livelli. Senza divagare troppo, basta considerare il mondo della poesia, per vedere che non sempre la forza di una passione coincide col romantico "Sturm und Drang", e per scoprire quali sentimenti traboccanti possano abitare invece il cuore di personalità schive dall'esistenza magari apparentemente sbiadita. 
Un nome su tutti: Emily Dickinson, a proposito della quale non è un caso che il film uscito di recente sulla sua vita s' intitoli proprio "A Quiet Passion".  
Un titolo ossimorico che, nella sua contraddizione, ci restituisce il senso di una fecondità artistica nata da un silenzioso, progressivo sottrarsi alle convenzioni e ai contatti esterni. Un isolamento che non ha impedito alla poetessa americana di affermare se stessa, rendendo ancor più acuto il suo sguardo sulle cose e più vibrante il mondo di emozioni espresso dai suoi versi.

Sto divagando, lo so, ma a suggerirmi questi pensieri non è stata una lettura poetica, bensì un brano di musica che - seppur lontano da tali riferimenti nel tempo e nello stile - in realtà mi pare tanto intriso di struggente passione proprio quanto la melodia è misurata e lieve. 
Si tratta di una composizione famosissima, dalla quale non ero mai stata particolarmente affascinata come ascoltando questa interpretazione che per me ha avuto la freschezza della scoperta.
È il violinista Gidon Kremer a suonare qui "Oblivion", il pezzo forse più conosciuto di Astor Piazzolla (1921 - 1992) tratto dall'omonimo cd del 1998, in una lettura che, insieme ad un ritmo pacato, ci restituisce tutto il fascino e la sensualità del brano.
Qui la musica è un filo che si dipana sottile, un'aria sofferta cui ben si adatta il titolo "Oblivion" - oblio, dimenticanza - che, a maggior ragione, fa risaltare invece una passione sottesa, ora languida e malinconica, ora carezzevole e delicata anche dove il tema si fa più vivo.
A questo contribuisce l'interpretazione di Kremer che di ogni nota ci offre un suono misuratissimo, un tocco che nasce dal profondo, dalle prime battute fino alla conclusione in cui la melodia - così come all'inizio - si assottiglia tremante, simile quasi a una linea tratteggiata che via via si perde, a un ricordo che va a svanire nella memoria...
Un Piazzolla ricco di seduzione che ci porta via con sè nel suo ritmo sognante, sottolineato dai pianissimo e - qui in particolare - dalla morbidezza del violino.
Una musica appassionata che non si esprime in un gesto aggressivo, ma in un silenzioso, intensissimo moto dell'anima, simile a uno sguardo lieve eppur carico di sottintesi.

Buon ascolto!

 

A proposito di follìa

Thierry Escaich e Richard Galliano  (foto presa dal web)

Chi frequenta questo blog forse ricorderà il brano di musica che ho pubblicato il 18 agosto scorso, all'atto di prendermi una piccola pausa estiva. 
Vi avevo lasciato in compagnia di Vivaldi e in particolare della "Sonata n.12 op.1 RV 63" detta "La follia" e interpretata dal Barrios Guitar Quartet.

Vale la pena di soffermarsi per qualche momento sull'origine di questo pezzo perchè, nel comporlo, Vivaldi si è rifatto ad un tema musicale più antico. 
Esso nasce in Portogallo tra il XVI e il XVII secolo, ma affonda le sue radici nel tardo Medioevo; inizialmente diffuso in ambito popolare, acquisirà col tempo un carattere colto e verrà ripreso da numerosi compositori dal periodo barocco in poi.
Si tratta di una danza composta da una base armonica e da una melodia lenta in tempo ternario simile a una passacaglia, sulla quale si possono innestare poi libere variazioni o improvvisazioni. Il termine follìa si riferisce infatti al suo andamento movimentato e talora sregolato, ma significa anche mania, idea fissa e in questo senso può riferirsi al carattere ostinato della base musicale.
Tra i musicisti più famosi che l'hanno rielaborata esplorandone ogni possibilità espressiva - a parte il già citato Vivaldi - troviamo Corelli, Lully, Geminiani, Bach ed Haendel che l'ha ripresa nella sua celeberrima Sarabanda inserita poi nella colonna sonora del film "Barry Lindon"; nell'Ottocento Beethoven, Liszt e Rachmaninov per arrivare ai nostri giorni con Vangelis.

Ma non è finita qui.
Le mie scorribande su youtube mi hanno portato a scoprire che anche il fisarmonicista Richard Galliano - di cui avete ascoltato di recente alcuni arrangiamenti - ne ha fatto una pregevole interpretazione insieme ad un'altra figura di primo piano: l'organista e compositore francese Thierry Escaich.
Fisarmonica e organo??? Precisamente: un duetto tra accordeon e organo da chiesa che può suonare sorprendente, ma con risultati a mio modesto avviso più che affascinanti.
Tratto dal cd "Aria" uscito nel 2017, il brano intitolato appunto "La follìa" prende spunto dal testo di Arcangelo Corelli (1653 - 1713) - riportato qui di seguito - al quale dobbiamo una delle versioni più raffinate di questo tema.

Ma ascoltiamolo la rielaborazione del duo Galliano - Escaich.
Dopo una severa e solenne introduzione dell'organo, è sulle note dell'accordeon che si apre il tema della melodia caratterizzato da tratti di profonda intimità. 
Se in un primo tempo esso procede lento, acquista poi un ritmo che si accende nelle successive variazioni dove i due strumenti si scambiano il ruolo armonico e melodico facendo emergere alternativamente la delicatezza e la trascinante vivacità dei vari suoni ed esplorandone tutte le possibilità timbriche. 
Splendido l'organo nei suoi registri più lievi, così come l'accordeon in quelli più acuti, due strumenti in fondo non lontanissimi, anche se differenti per dimensione e potenza sonora.
La lentezza iniziale del brano e un procedere quasi cadenzato vanno poi cedendo gradatamente il passo ad un ritmo sempre più scattante e vertiginoso che arriva a rasentare il parossismo e nel quale avvertiamo anche echi del tango di Piazzolla. Un' interpretazione che, se in alcuni punti sembra scompaginare e destabilizzare il tema quasi andasse a perdersi chissà dove, proprio in questo risulta tuttavia di uno splendore travolgente. 
Ci si avvia così verso il finale dove prosegue la sequenza dei forti passaggi dissonanti dell'accordeon, mentre l'organo conclude il brano su di un lunghissimo accordo di tonica.

Una fusione di antico e moderno, di virtuosismo e fantasia nella quale - almeno così a me pare - sta il pregio di tale arrangiamento capace di rielaborare un'eredità musicale che va da Corelli e Bach fino ad oggi. 
Una pagina di straordinaria modernità che, spaziando tra strumenti diversi, ci apre all'infinito mondo dei suoni.

Buon ascolto!

A tu per tu con l'opera d'arte

Ci sono dipinti famosi che ricordiamo ancora dai tempi della scuola, che abbiamo ammirato sui libri, o magari in seguito cercato anche sul web. 
Ma contemplare un'opera d'arte dal vivo resta sempre un'esperienza impagabile, soprattutto se non ci aspettavamo di vederla.
Così quando - poco più di un mese fa - ho avuto la possibilità di visitare la National Gallery di Londra, è stata una gioiosa sorpresa scoprire in una delle prime sale "Il battesimo di Cristo" di Piero della Francesca (1416 ca. - 1492).

Non ricordavo fosse conservato lì e ritrovarlo all'improvviso mi ha comunicato quel senso di familiarità che si prova quando, a distanza di tempo, s'incontra una vecchia conoscenza. Conoscenza fatta in questo caso negli anni di liceo, quando la nostra bravissima insegnante di Storia dell'Arte ce ne aveva illustrato i caratteri: la costruzione matematica dello spazio, la centralità della figura di Cristo, la colomba dello Spirito Santo in posizione prospettica e il paesaggio di fondo che traspare simile a un intarsio dove s'intravvedono alberi, campi, strade e castelli. 
Lo splendore insomma di una rappresentazione a misura d'uomo, verso la quale si era ormai avviata la pittura del Quattrocento, dove l'equilibrio e il rigore della geometria si fondono con una realtà multiforme e l'episodio evangelico è inserito nel contesto coevo al pittore.

Ma trovarsi a tu per tu con un'opera d'arte è anche avere la possibilità di leggerne altri aspetti, soprattutto se - come in questo caso - la grandezza della tavola permette, per così dire, di entrare in essa cogliendo dettagli che altrove possono sfuggire.
Sono tanti gli elementi che mi hanno colpito: dalle dolci anse del fiume che riflettono le nuvole e le figure in secondo piano, all'atmosfera dove tutto sembra risplendere di luce propria, fino alla leggiadrìa dei tre angeli a lato e all'atteggiamento dei due protagonisti al centro.

Proprio su quest'ultimo aspetto vorrei soffermarmi perchè vi ho letto una sorta di piccolo contrasto. 
Quanto infatti appare solida e robusta, composta e sicura la figura del Cristo, altrettanto mi sembra invece più leggera e quasi esitante quella di Giovanni. Sfumature certo, indubbiamente dovute al fatto che l'uno è fermo mentre l'altro è in movimento. 
Tuttavia l'atteggiamento del Battista, nel suo versare l'acqua sul capo di Gesù, sembra esprimere una riverenza che lo induce quasi a trattenere il gesto, nella consapevolezza di trovarsi di fronte a chi è più grande di lui. Lo colgo dalla sua figura meno plastica rispetto a un Cristo più maestoso e d'impronta masaccesca.

Ma soprattutto me lo dice la sua mano sinistra, una bellissima mano dalle giunture nodose della quale vediamo lo spessore e intuiamo la forza, aperta ma quasi contratta in un gesto che può esprimere rispetto, meraviglia, pudore o forse una lieve esitazione.
Una mano che non esce neppure dal margine della veste, come se nell'atto in cui battezza il Cristo, Giovanni volesse farsi da parte di fronte a chi gli è superiore.
Sembra quasi che l'autorevolezza che ha sempre caratterizzato la sua figura e che altri artisti - per esempio Giotto, Bellini, El Greco o Tintoretto - trattando lo stesso tema hanno espresso dipingendolo più in alto rispetto a Gesù, qui venga meno limitandosi a un gesto pacato.
"Bisogna che egli cresca e io diminuisca": ecco le parole evangeliche (Gv.3,30) che l'immagine mi ha riportato alla mente e che potrebbero aver ispirato nel pittore tale rappresentazione. 

Ma ad affascinarmi è stata anche un'altra scena di questo dipinto.
Se la soavità ha un volto o un luogo prediletto, Piero della Francesca l'ha ricreato nel particolare delle tre figure angeliche: nella grazia delle acconciature e dei panneggi, nelle fronde dell'albero che quasi scendono ad accarezzarle e nel paesaggio di fondo che traspare tra loro.
Caratteri che l'artista sembra aver preso anche dall'antichità classica - come l'abito dell'angelo al centro simile a un peplo greco - e che ha fuso con la propria ispirazione.
Un'immagine appartata e silenziosa come silenzioso è lo stupore dipinto sui volti, accresciuto dalla luce piena e dalla chiarità dei colori pastello. Una dolce conversazione, un dialogo di sguardi rivolti anche a noi che osserviamo, quasi un invito a entrare nella scena; un angolo di paradiso inquadrato tra le colline toscane dove il pittore è nato.

E per lasciarci condurre all'interno di questa rappresentazione, ho scelto un luminoso brano di Mozart: il secondo movimento,"Adagio", del "Concerto per violino e orchestra in Sol Maggiore n.3 K.216". 
È un'aria di grande intimità e purezza melodica quella che si dispiega lenta e serena sull'onda del violino sostenuto dal ritmo degli archi, un'aria tanto suggestiva che - ripercorrendo i numerosissimi brani del compositore salisburghese condivisi qui in passato - mi è parso strano non averla ancora pubblicata. 
Lo faccio quindi oggi anche perchè mi pare in armonia con la soavità delle immagini, insieme a quella fusione di umano e divino che il tema del dipinto ci propone e che la musica di Mozart, per sua prerogativa, sottolinea ed esalta.

Buon ascolto!

Bach e "il senso dell'avventura"

Avevo in cantiere per oggi un post e un brano ben diversi da questo, ma niente da fare. 
Ancora una volta, la musica è venuta a sconvolgere i miei piani e a imporsi, suscitando in me all'ultimo momento un desiderio irrefrenabile di pubblicare altro.
Esiste evidentemente un tempo idoneo per ogni cosa e - come scrivevo poco tempo fa - non basta che un pezzo sia bello: occorre che desti in noi anche uno scatto, un soprassalto di entusiasmo, quasi ci sentissimo per così dire interpretati dalle sue note.
È questo il motivo per cui, oggi, torno all'accoppiata Richard Galliano - Gary Burton di cui avete recentemente ascoltato lo splendido arrangiamento della colonna sonora di Bacalov per il film "Il postino". 
Fisarmonica e vibrafono quindi, jazz e musette in un insieme accattivante come sempre, o forse ancor più di sempre perchè stavolta l'autore di riferimento è nientemeno che Bach del quale Galliano è grande cultore.

Tratto dal cd "If You Love Me", il pezzo arrangiato è la "Sinfonia n.11 in sol minore BWV 797", dolcissima invenzione a tre voci che i due interpreti rielaborano con maestria, ricavando dal piccolo gioiello bachiano un pezzo ricco di movimento e - seppur differente - di altrettanto fascino.
Riascoltando la clip audio scoperta due mesi fa, ho sentito quanto quel ritmo jazz mi parlasse ancora, andando perfettamente ad innestarsi nel mio presente. Così ho deciso di pubblicarlo senza indugi.

Voglia di cambiare? Forse. Ma è un cambiamento che non rinnega lo splendore del passato e del mio amore per i grandi a cominciare - appunto - da Bach; ma va se mai ad arricchirlo, facendo scaturire dalle sue note ulteriori dimensioni e sfumature.
Ho sempre amato le rivisitazioni, perlomeno alcune: non per niente - e chi legge questo blog dalle origini lo sa - i primi ad avvicinarmi alla musica bachiana sono stati i mitici Swingle Singers. Ora è Galliano a regalarci una deliziosa rilettura da musicista poliedrico qual è, abituato a frequentare compositori di ieri e di oggi. Da Bach, Vivaldi e Mozart fino a Tchaikovsky e poi a Piazzolla, Rota o alle canzoni di Edith Piaf - solo per fare qualche esempio - il fisarmonicista ha infatti esplorato con passione un repertorio che va dal periodo barocco ai nostri giorni.

Del brano scelto, ho riportato anche la versione originale qui eseguita al pianoforte, una melodia incantevole ricca di una grazia dove il rigore si stempera in dolcezza; ma ascoltiamone l'arrangiamento.
Apre il pezzo il vibrafono con la pura e semplice esposizione del tema bachiano che ha funzione solo introduttiva - almeno così a me pare - perché, in realtà, il vero arrangiamento parte con l'ingresso della fisarmonica sostenuta dal basso e dalla batteria.
È qui che - lo avvertiamo subito - cambia il clima e ci sentiamo presi e condotti in un percorso trascinante: talora nuovo, su su per gli andirivieni di note che s'inseguono in quella sorta di moderno "ricercare" che può essere il jazz, talaltra già conosciuto come certe atmosfere parigine che la fisarmonica sa meravigliosamente evocare. 
Un ritmo nel quale immergersi lasciandosi portar via in un'avventura di spensierata leggerezza, una fusione tra passato e presente ricca di inventiva ma al tempo stesso di equilibrio. I due strumenti solisti si alternano infatti nel rielaborare il tema con passaggi e variazioni in cui, insieme a una straordinaria libertà creativa, lo spirito bachiano resta vivissimo, mentre alla fine vanno a chiudere il pezzo in modo più pacato e vicino all'originale.
E a questo proposito, mi piace ricordare le parole con cui, in un'intervista, Galliano ha motivato la propria predilezione per il compositore tedesco, cogliendo nel suo genio l'inesauribile sorgente del nuovo:

"È Bach oggi che mi dà il senso dell' avventura, il brivido della scoperta. Un esempio ? Suonare le Suites per violoncello con la sola mano sinistra e scoprire che sono una perfetta pagina per fisarmonica. Ma possono anche essere eseguite con un sax. Qui sento tanta libertà e infinita creatività. Senza bisogno di rivoluzioni."

Buon ascolto!

Rughe

Dal mio balconcino di montagna - ormai diversi giorni fa - guardavo il Gran Paradiso in quel clima di fine agosto che prelude già all'autunno.  

Come sempre, quando la stagione declina, è la luce a fare la differenza: una luce che, se spesso rende il paesaggio più nitido quasi lo si potesse toccare, a volte tuttavia ci restituisce tinte smorzate e contrasti meno forti.

Ma anche quando il tempo piega verso il brutto, è bello starsene lì a prendere l'ultimo occhio di sole, mentre sulle cime in fondo alla vallata già si annunzia il temporale o un fiotto chiaro di pioggia copre il paesaggio. E a colpirmi non sono tanto i repentini cambiamenti di tempo - e di temperatura - quanto l'atmosfera che si crea nel giro di pochi momenti: un'aura di solitudine e di silenzio in cui a dominare resta solo il vento.

È stato in uno di questi pomeriggi, mentre le nuvole si addensavano sul Gran Paradiso, che - per l'ennesima volta - mi ha colpito il suo aspetto, sempre splendido e maestoso certo, eppure diverso dalle estati di tanti anni fa, quando i ghiacciai riempivano quasi tutta la conca: a destra quello rotto e tormentato della Tribolazione, a sinistra la colata liscia e scintillante del Money. 
Per chi, come me, frequenta e ama da tempo questi luoghi, è un dispiacere constatare come l'innalzamento delle temperature negli ultimi decenni abbia gradatamente modificato la fisionomia del paesaggio. Ad ogni estate, il grigio della roccia e della morena prevale sempre più sul bianco, inducendomi a desiderare che le prime nevicate, dando al panorama il consueto aspetto invernale, mi illudano che lo splendore dei ghiacciai sottostanti sia ancora intatto.
Così, mi sono chiesta che farei se in futuro le cose dovessero cambiare radicalmente. Amerei ancora questo luogo incantato o le ferite del paesaggio mi resterebbero inesorabilmente anche nel cuore?
Poi, ho considerato ciò che accade a ciascuno di noi quando il passare del tempo incide sulla fisionomia delle persone care: smettiamo forse di amarle perchè una rete di rughe copre il loro viso, il passo si fa incerto o lo sguardo ha perso lo smalto della giovinezza? Certo che no! Anzi, insieme all'inevitabile dispiacere, spesso si fa strada in noi una nuova tenerezza, un legame che tutto comprende, così come le rughe del paesaggio o i sassi di un luogo amato ci sono familiari perchè appartengono alla nostra storia, anch'essi incastonati nel suo misterioso splendore.

Allora, mi piace associare a queste piccole considerazioni un pezzo che mi pare rifletta un po' tali suggestioni. 
Si tratta dell' Ouverture dall'opera "Griselda" RV 718 di Antonio Vivaldi, qui nell'Andante e nel Minuetto - rispettivamente secondo e terzo movimento -   diretti dal compianto Claudio Scimone. 
È l'Andante, in particolare, ad affascinarmi: un brano venato da una sottile malinconia, come quella che può prendere all'appressarsi dell'autunno. 
Eppure vi trovano spazio anche un garbo, una pacata serenità di note cui abbandonarsi con dolcezza, insieme a un ritmo di fondo che - fateci caso - ci accompagna fin dall'inizio, quasi ci fosse un orologio a scandire con i suoi battiti il passo inarrestabile delle ore. Un trascorrere del tempo tuttavia privo di angoscia che ci guida ad accettare i mutamenti delle stagioni sia fuori che dentro di noi, le rughe del paesaggio - come quelle del corpo o dell'anima - in una prospettiva di apertura a ciò che verrà.

Buon ascolto!

Buon viaggio, Maestro!!!

Questa volta, prima che nelle note lo splendore della musica abita nelle parole del Maestro Claudio Scimone - scomparso pochi giorni fa - famoso innanzitutto come fondatore e direttore dell'orchestra de "I Solisti Veneti".
Mi piace ricordarlo con questo bel video, dove con rara semplicità si definisce un "eterno studente" e ripercorre alcune tappe del proprio cammino, sottolineando il senso della sua scelta di dedicarsi alla musica.

Buon ascolto!

Pausa...

Proprio così!
Come l'amico Snoopy, anche questo blog si prende un breve periodo di sosta. 
E a proposito di follia, vi lascia in ottime mani!

Buon ascolto!

Oggi la musica può solo pregare...

Pinturicchio (1452 - 1513): "Assunzione della Vergine".
Roma, Santa Maria del Popolo.
 
 
Joseph Gabriel Rheinberger (1839 - 1901): "Salve Regina".

Una piccola oasi di silenzio

(foto presa dal web)

Dalle parti in cui mi trovo - intendo dire nel mio amato paesetto di montagna - la musica è coltivata in modo straordinario tanto che fa parte di quelle tradizioni che, come la lavorazione dei merletti o del legno, vengono tramandate in famiglia.

Qui è la fisarmonica lo strumento privilegiato che tutti imparano a suonare con maestria fin da piccoli e che accompagna lietamente feste, balli e canti popolari della zona. Così, non è raro ascoltare musica suonata dai gruppi locali più in voga non solo in occasione di sagre o altri appuntamenti folkloristici, ma come colonna sonora di particolari luoghi, a somiglianza di ciò che accade anche nelle grandi città.
In paese viene diffusa in uno spazio molto frequentato - un grande atrio, dotato tra l'altro di Wifi, che conduce ai parcheggi - e passarvi a qualunque ora del giorno ha sempre significato sentirsi avvolti da ritornelli vivaci che spesso diventano un vero e proprio invito alla danza.

Quest'anno però qualcosa è cambiato e chi ha scelto i brani, invece di privilegiare il repertorio dei gruppi locali, si è spinto più in là.
Fisarmonica??? Bene, fisarmonica sia!!! Ma con una musette, un tango, un ritmo jazz, con autori quali Galliano, Piazzolla o melodie prese da film. Insomma, una meraviglia!
Me ne sono accorta fin dai primi giorni, quando ho riconosciuto le note di quello splendido pezzo che è "La Valse à Margot" di Richard Galliano, vecchia conoscenza di questo blog che potete ritrovare qui. Così, non ho potuto non soffermarmi ad ascoltare anche il resto, tra accattivanti assoli di fisarmonica in quell'attitudine del jazz talora nervosa e a volte languidamente romantica.

Tra tutti, mi ha colpito in particolare un pezzo dal ritmo lento e dolce che molti di voi certo ricorderanno. 
Si tratta del brano più famoso della colonna sonora del film "Il postino", scritto da Luis Bacalov (1933 - 2017) - celebre pianista e compositore di origine argentina - che in esso ha ripreso il tema iniziale della canzone "Nelle mie notti" di Sergio Endrigo (1933 - 2005). Al di là della contesa giudiziaria che ne è seguita per l'accusa di plagio - ma anche al di là dello splendore poetico del film che ha visto, tra l'altro, l'ultima interpretazione di Massimo Troisi - ciò su cui mi interessa soffermarmi qui è la musica. 
È questo infatti il brano che oggi desidero proporvi, tuttavia non nella versione originale del film, ma nell'arrangiamento fatto da Richard Galliano che lo ha inserito nel bellissimo album "If You Love Me" del 2007.

Qui, un dolce dialogo si snoda tra la sua fisarmonica e il vibrafono di Gary Burton, che si alternano nell'esposizione della melodia scambiandosi talora le parti, mentre un basso ne scandisce il tempo.
Il tono è nostalgico soprattutto all'inizio, ma ben presto il lieve ritmo di tango va a fondersi con un'impronta jazz che arricchisce il brano di variazioni e di accattivanti divagazioni sul tema.
Un pezzo poetico e sognante che, nell'atmosfera talora caotica o chiassosa delle vacanze, può essere una piccola oasi di silenzio e di contemplazione alla quale abbandonarsi sull'onda del fascino dei due strumenti solisti.

Buon ascolto!

Guardarsi negli occhi

Vengo dall'aver pubblicato, nei giorni scorsi, la n. 24 delle "Variazioni Goldberg" e - come sempre accade con la musica che scelgo - mi è rimasta in testa per un po' di tempo.
Non solo, ma mentre l'ascoltavo per l'ennesima volta, l'occhio mi è andato allo spartito della clip video e - contrariamente a ciò che mi succede di solito - per un attimo ho avuto la sensazione che il brano potesse essere alla mia portata.  
Certo, l'esecuzione richiede una discreta velocità, problema frequente - almeno per me - nell'affrontare i testi bachiani, ma la tonalità di Sol maggiore, comune del resto a tutte le "Variazioni", mi riconcilia un pochino col mio essere un' eterna principiante. 
Così mi sono detta: "Perchè no?...E se cercassi lo spartito?"

Detto e fatto. Sono andata dall'amico fotografo che ha l'internet point e per anni - quando la connessione nel mio angolo di montagna era più lenta di una lumaca - mi ha visto frequentare il suo negozio sfornando da lì i post per il blog. Ora le cose sono cambiate e posso collegarmi tranquillamente anche dall'alto del mio nido, ma non ho la stampante, per cui sono scesa in negozio e ne sono uscita pochi minuti dopo con in mano due bei fogli nitidi in cui la scrittura musicale della "Variazione" si snodava in tutto il suo splendore.

È stato allora che ci siamo guardati in faccia, io e lo spartito intendo. 
Per un attimo, leggere quelle note è stato riconoscerle come quando s'incontra una persona che desideravi vedere da tempo, come guardarsi negli occhi con un amico cui ci lega una sintonia di antica data.
Non l'ho neppure messo nello zaino ma, andando nel sole del mattino, lì così in mezzo alla strada, mi sono messa a leggermelo canticchiando piano sol...fa#sol...la si re do#re...presa da una gioia abbagliante. Quelle note infatti, con la loro chiarezza e il loro ritmo di danza, mi parlavano come se da esse affiorasse il carattere della persona che le aveva scritte e lo potessi cogliere in mirabile sintesi per un'improvvisa illuminazione.
Del resto, sempre la musica ha una scrittura straordinariamente rivelatrice dell'anima di chi l'ha composta e - come altri tipi di linguaggio - ha una sua sintassi fatta dalla costruzione complessiva del brano, dai passaggi di tonalità, dal ritmo, dall'armonia o dalla sua struttura polifonica. 
Proprio quest'ultimo aspetto, a mio avviso, può aver favorito l'arrangiamento per archi della "Variazione n. 24" dove - invece che tutte al solo clavicembalo - le singole voci sono affidate a strumenti diversi.

Allora, presa dalla bellezza di questo pezzo, ve ne propongo un altro sempre di Bach, tratto sempre dalle "Goldberg" e ancora una volta oggetto di un affascinante arrangiamento per archi e basso continuo. 
È la "Variazione n.12", brano di prorompente vivacità, ricco di un'energia che, fin dal suo esordio, le note ci comunicano in modo solenne, deciso e - per così dire - assertivo, con la forza di un' inequivocabile affermazione di vitalità.
A somiglianza degli altri pezzi dell'intera composizione, vi s'intravvede il tema della celebre "Aria" iniziale che appare e riappare, ripreso e coniugato in vari modi, simile a un fiume sotterraneo che s'inabissa e poi riaffiora qua e là.
Un gioiellino da sentire e risentire a pieno volume per gioia nostra - e dei vicini di casa - immergendoci nella sua potenza rigenerante. 
Un brano in cui la concertazione dei vari strumenti sottolinea l'alternarsi delle voci e lo scambio delle parti, in un gioco dove - come in altri splendidi pezzi bachiani - unità e varietà, rigore e fantasia fioriscono insieme.

Buon ascolto!