In cerca di leggerezza - 2

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Sempre sull'onda della ricerca di leggerezza, oggi desidero condividere con voi un celebre dipinto di Vassily Kandinsky (1866 - 1944) dal quale lasciarci portar via quasi in volo. Si tratta di "Blu di cielo", conservato a Parigi presso il museo del "Centre Georges Pompidou".
È proprio il colore di sfondo del quadro, con la sua particolare gradazione, a suggerirci l'idea di uno spazio in cui librarsi sbrigliando la fantasia come in quei sogni in cui ricordi, realtà, suggestioni e subconscio si fondono in un insieme bizzarro e funambolico. Una rappresentazione che affascina perchè sembra andare al di là di ciò che percepiamo sul piano puramente fisico.

Il dipinto è stato realizzato nel 1940, nella fase finale della vita di Kandinsky in cui dalla pittura figurativa era ormai giunto all'Astrattismo, culmine di quel percorso artistico che, dalle Impressioni e attraverso le Improvvisazioni, lo aveva condotto a creare poi le Composizioni.

Si tratta di un cammino che, dietro la progressiva dissoluzione della figura, sottintende però solo in apparenza la volontà di rappresentare un universo astratto: in verità, vuole essere espressione di quel mondo nascosto - non fisico e tuttavia reale - legato alla dimensione interiore dell'individuo.
A tale scopo, Kandinsky si serve principalmente dei colori ai quali attribuisce non solo un simbolismo, ma anche una vibrazione che si traduce in capacità di risonanza e quindi in musica, tanto che - secondo il pittore - come in una sorta di sinestesia ciascun colore può evocare un suono.
Nel suo libro "Lo spirituale dell'arte" l'artista scrive infatti: "In generale il colore è un mezzo per influenzare direttamente un’anima. Il colore è il tasto. L’ occhio è il martelletto. L’ anima è un pianoforte con molte corde. L’ artista è la mano che, toccando questo o quel tasto, fa vibrare l’anima."

L' azzurro in particolare, nelle sue varie gradazioni fino al blu, è la tinta che Kandinsky predilige perchè, nell'emozione che esso suscita, richiama la dimensione spirituale dell'infinito e può evocare il suono di un flauto o di un organo.

Ma, parlando del legame tra pittura e musica, oltre al rapporto che l'artista stabilisce tra colori e suoni, e ai titoli di talune opere in cui prende a prestito termini musicali come appunto improvvisazioni e composizioni, non si può ignorare il fitto carteggio con Arnold Schönberg.
La rivoluzione con cui il pittore sovverte i canoni della riproduzione figurativa orientandosi verso l'astratto, prende spunto infatti da quella del musicista viennese che, con l'atonalità, rompe le tradizionali regole della musica del passato: mutamenti in qualche modo simili che s'inquadrano in quel vasto movimento di trasformazioni che - nella prima metà del Novecento - coinvolge le arti. Ma torniamo al dipinto.

"Blu di cielo" è celebre dunque per la sua gradazione di colore, ma non solo. Il suo spazio infatti non è vuoto e in esso fluttuano misteriose figure: un mondo di microorganismi legati a quello stile biomorfo che - a seguito dei suoi studi di biologia - l'artista aveva inaugurato qualche anno prima.
E l'attenzione verso ciò che è così piccolo da risultare quasi invisibile rende la sua ispirazione ancor più fantasiosa fino a fargli creare geometrie nuove e inusitate, non più riconducibili a quelle di tanta produzione precedente.

Cosa vediamo, infatti, nel dipinto? Figure strane talora filiformi, talaltra più complesse e articolate, creature composite in cui possiamo ravvisare meduse, pesci, tartarughe, uccelli, ma pure giocattoli, cavalli a dondolo e palloncini, in cui forme, dimensioni e colori sono rimescolati in un insieme più che mai fantasioso e - a mio avviso - anche un po' clownesco.

Sono figure libere nello spazio, eppure non disposte a caso, ma con grande armonia e direi con ritmo, sia nell'alternanza delle tinte - soprattutto rosse e gialle - che in quella delle dimensioni ora grandi ora più piccole.
E mi vengono in mente certi dipinti di Mirò - per esempio "Il carnevale di Arlecchino" o "Il giardino" realizzati una quindicina di anni prima - dal cui surrealismo probabilmente Kandinsky è stato influenzato.
Ne deriva un insieme giocoso e stravagante, bizzarro e arioso per quella gradazione di blu dello sfondo in cui i vari oggetti sembrano scendere dall'alto e al tempo stesso restare sospesi in un'aura di svagata leggerezza.

E la stessa atmosfera viva e giocosa caratterizza anche il brano di oggi.
A questo punto, dopo quanto ho scritto, immagino che sarebbe stato coerente associare al dipinto la musica di Schönberg...e invece no! Il pezzo da cui sono stata irrimediabilmente presa è un altro e - rispetto a Kandinsky - ci fa tornare indietro nel tempo.
Si tratta infatti della "Sonata in do minore C66" di Domenico Cimarosa (1749-1801), compositore della scuola napoletana, celebre - a dire il vero - per le sue numerose opere di teatro più che per quelle strumentali.
Tuttavia le sue Sonate per tastiera, per quanto brevi e talora brevissime, hanno un brio e una ricchezza creativa che ci riportano indietro, alla vivacità dello stile barocco nei suoi tratti di elegante leggerezza.
Proprio questo aspetto è messo splendidamente in luce dall'interpretazione del Maestro Giuseppe Merli, non solo per la bellezza del fraseggio, la perfezione degli abbellimenti o la sottolineatura dei vari contrasti, ma anche per la gioia trasparente che ci restituisce.
Lo vediamo infatti mentre sembra cantare le note a fior di labbra con una concentrazione e un entusiasmo che gli consentono di vivere la musica dal suo interno e insieme di trasmettercene il gusto profondo.

Buon ascolto!