Gioire in Musica

Dare un senso

2012-03-05T16:15:00.006+01:00

Ci sono luci, colori, sprazzi di sereno con i quali a volte cominci bene la giornata.
Oggi, qui da me in pianura - dopo le temperature più che primaverili dello scorso weekend - è tornato il grigiore. C'è umido, vento freddo, forse pioverà.

Ma la mattina mi si è subito.....illuminata d'immenso grazie a una frase scesa dentro di me come un dono, con la stessa luminosità e freschezza di un fiore appena sbocciato.

Ho letto infatti, sul blog "Vasetto di Margherite" della carissima amica LaFlautista, il post di ieri domenica 4 marzo intitolato "Ma fra cinque anni come saremo?". In esso, col suo solito stile efficace ed essenziale, l'autrice narra l'incontro casuale sulla corriera con una vecchia compagna di scuola.

Che fine hanno fatto quelli della nostra classe? - si chiedono le due amiche ritrovate. E le notizie s'intrecciano in una sorta di simultaneità che ci fa entrare nella scena a viverla così da vicino che più non si può. Leggiamo e respiriamo con loro: attraverso la brevità quasi minimalista del discorso, cogliamo tocchi di vita, intuiamo storie e persone, vicende e speranze.
Ma è una frase verso la fine a colpirmi con la sua forza quando, dopo l'elenco delle cose fatte, le persone incontrate, i ricordi più cari o i progetti più significativi, la nostra Flautista parlando di sè sintetizza:

"Mah...tento di dare un senso al tempo che mi si para davanti al naso!"

Eccola la luce per questa giornata grigia e per quelle che verranno!
Ecco la luminosità di un vaso di primule - o meglio ancora di margherite - pronta a rasserenare il nostro cielo: "dare un senso" al tempo che ci si para davanti!
E non importa che per alcuni tale senso si possa trovare in progetti a lunga scadenza, come è giusto che sia quando si è giovani, e per altri i tempi siano più brevi. Non importa che gli anni siano diciotto o.....anta e più.
Il senso lo si dà al presente: è oggi, è in questa mattina in cui sono andata dal panettiere e dal giornalaio - come ogni lunedì - e ora sono al computer a postare musica, mentre altri sono sui banchi di scuola o in ufficio.

Ringrazio qundi LaFlautista per avercelo ricordato con la fresca semplicità che la contraddistingue e a lei - come a tutti coloro che passano di qui - dedico un brano di Chopin che amo in modo particolare: il "Notturno in mi minore N.19 op.72 -1".
Si tratta di una composizione lenta e profondissima che alterna il malinconico tema in mi minore, ripreso poi in modo più intenso e deciso, a rasserenanti aperture in tonalità maggiore. E mi piace postarla nell'interpretazione morbida e ricca di sfumature della pianista ungherese Livia Rév - classe 1916 ! - che col suo tocco coniuga delicatezza e intensità, misura e passione. Ci conduce così fino all'anima del compositore facendone scaturire tutta la Bellezza.

Proprio questo sguardo fisso alla Bellezza insieme al desiderio di farla fiorire è il senso che tanti artisti - musicisti e interpreti, ma non solo - hanno dato al loro cammino: un senso che, attraverso le note, sollecita anche noi oggi a fare lo stesso, piccoli o grandi che siamo, ciascuno nel proprio ambito e nella propria storia.

Buon ascolto!

A passi lievi verso la primavera...

2012-03-01T10:58:00.009+01:00

Penso che tanti di noi - anche coloro che non hanno fatto della musica una professione - custodiscano dei ricordi legati ad un brano musicale che si è talmente fuso con particolari situazioni del loro vissuto da diventare tutt'uno con esso.
Riandare a quelle note significa allora ritrovare l'atmosfera passata che ritorna intatta e viva a colmarci con l'onda delle sue emozioni facendole riaffiorare in pienezza.

Talora sarà una canzone, altre volte una melodia o un concerto che ci ha segnato dentro e accompagna ormai il ricordo al quale è unito come un'inscindibile colonna sonora. Una sorta di "madeleine" musicale insomma che - non più attraverso il sapore, ma con la magìa dei suoni - ci aiuta a ricercare il tempo perduto per farci scoprire che realmente perduto non è, se bastano i sensi a restituircelo così intensamente.

Anche tante circostanze della mia vita sono legate alla musica, soprattutto se torno all'adolescenza - per tutti una delle età più ricettive - ma non solo.
Ho già parlato della particolare atmosfera alla quale mi richiama il "Messiah" di Haendel, una sera d'inverno a Venezia. Con Bach invece - devo averlo già detto altrove - ritrovo la colonna sonora dei miei studi liceali: perfetto con gli esercizi di matematica, quasi le sue architetture contrappuntistiche fossero nate per scandire l'ordinata ritmica dei numeri.
Mentre Wagner, con l'Ouverture del "Tannhauser", mi riporta ad un pomeriggio di pioggia torrenziale, in casa di amici: loro mi parlavano, ma io non avevo più testa che per quelle note.

Ma uno dei ricordi emotivamente più intensi è legato al "Larghetto" della Sinfonia "Classica" di Prokofiev.
E' un brano che mi riconduce ai tempi dell'università, a una giornata trascorsa in un quartiere periferico di Milano: una Milano che poi avrei amato con passione, ma per me allora sconfinata e nuova, sconosciuta e desolante nei suoi spazi immensi, tanto che mi aveva insinuato un brivido di sgomento. Forse lì, per la prima volta, io che venivo dalla piccola provincia avevo provato la sensazione dell'ignoto, dell'affacciarsi a dimensioni dell'esistenza che spalancano dentro universi inusitati, così come le note dissonanti del "Larghetto", a me innamorata della musica barocca, aprivano squarci di una sensibilità nuova.

Proprio a questo ricordo desidero tornare oggi con la Sinfonia n.1 in Re maggiore op.25 "Classica" di Sergej Prokofiev (1891 - 1953), che propongo all'ascolto nei suoi due movimenti iniziali, "Allegro" e "Larghetto".
Si tratta di una composizione che vuol essere formalmente un omaggio al classicismo di Haydn, anche se i contenuti musicali sono ormai più vicini a noi: un'opera scintillante e lieve, sorprendente e ariosa dove vivacità e brio caratterizzano il primo tempo. Qui infatti - insieme al ritmo a tratti giocosamente scandito soprattutto dai salti di ottava - è il dialogo tra gli archi e i fiati a dominare il pezzo, facendosi prima sottile e poi sempre più complesso e fragoroso.

Ma, a mio modesto avviso, vero capolavoro è il "Larghetto", brano simile a un passo di danza misurato e leggero, percorso da fremiti orchestrali dolci come un sospiro. E me lo immagino proprio danzato con la perfetta levità e l'incedere delle ballerine del dipinto di Degas ("Les petits rats") riportato nel riquadro.
Note vibranti e ritmate, quindi, che nei passaggi di tono e nelle dissonanze regalano respiri d'infinito aprendo l'anima a imprevedibili nuove suggestioni.
Un po' come la primavera che già si annunzia in queste giornate più dolci dopo il grande freddo, recando nell'aria il profumo sconosciuto del tempo che verrà.

Buon ascolto!

La musica al centro

2012-02-25T11:16:00.011+01:00

Mi è già capitato più volte di parlare del potere terapeutico della musica, del suo essere balsamo sulle ferite suscitando emozioni positive e aiutandoci a riattingere dal profondo quell'acqua che dà vita al nostro spirito.

Essa ha infatti la capacità di restituire noi a noi stessi, ripristinando quasi intatto il tessuto del cuore e agendo da benefico catalizzatore sulla nostra interiorità.

Oggi ritorno sull'argomento grazie alla suggestione di un famosissimo dipinto del Caravaggio: il "Riposo durante la fuga in Egitto" conservato a Roma, alla Galleria Doria-Pamphili.
Si tratta di un capolavoro ampiamente descritto e commentato dagli storici dell'arte, ma è il suo particolare legame con la musica che qui m'interessa sottolineare.

Inquadrata da tocchi di natura morta da un lato, e squarci di paesaggio che possono ricordare la pittura tonale veneta dall'altro, contempliamo una scena soffusa di dolcezza: una pausa di riposo della Sacra Famiglia, accompagnata da un'elegantissima figura di angelo che suona il violino in una calda luce forse di tramonto.
A destra, l'immagine soave della Madonna e del Bambino addormentati in un sonno di pace assoluta per il bimbo e certo di stanchezza per Maria, come ci dimostrano la testa e il braccio destro totalmente abbandonati.
A sinistra, un San Giuseppe come di consueto anziano che regge uno spartito musicale davanti all'angelo.
Splendido, quest'ultimo: luminoso e lieve nella linea perfetta e dolcemente sensuale delle gambe come nel panneggio che s'inanella sinuoso intorno al suo corpo. Ma, se si eccettua un piccolo scorcio del viso, volta le spalle allo spettatore!

Sta qui, a mio avviso, l'originalità di questa figura.
Nella tradizione pittorica da Giotto in poi, gli angeli erano solitamente ripresi di profilo - soprattutto nelle Annunciazioni - o di prospetto e di scorcio se erano in gruppi di musicanti oppure in volo.
Ma un primo piano di spalle proprio al centro del quadro è un'iconografia decisamente rara che tuttavia riempie di fascino la composizione.
Infatti, se da un lato ne accresce per certi aspetti l'attrattiva, dall'altro è proprio questa posizione che ci permette di vedere lo spartito che l'angelo sta suonando.
E non si può forse leggere qui la volontà di sottolineare che sì, certo, quella figura con le ali è un angelo, ma prima di tutto un musico?

Allora si comprende che, se pure il titolo del dipinto è "Riposo durante la fuga in Egitto" - e ciò sottintende ansia, paura, stanchezza e precarietà - il vero cuore della composizione pittorica è la musica!
E' la musica al centro, come se Caravaggio volesse dirci che - più che la quiete della natura circostante - è la soavità delle note che scendono dall'Alto a dare vero riposo alla Sacra Famiglia, placando l'angoscia e l'affanno della fuga.

Vista sotto questa angolatura, la scena può apparire allora come un concerto campestre per strumento solista, dove un giovinetto di natura celestiale rasserena una famiglia di gente semplice e le note del violino - come una ninnananna - cullano Maria e il Bambino nel loro riposo.
Non sentiamo la musica, certo, ma è come se fosse espressa dalla luce: non a caso, la luminosità si concentra proprio sul corpo dell'angelo e nel bianco del panneggio che gli si avvolge intorno dal quale si irradia poi verso Maria e il bimbo, mentre Giuseppe è lasciato un po' in ombra.

Ma che sta suonando l'angelo?
I musicologi si sono ingegnati a decifrare lo spartito scoprendo che non si tratta di note poste a caso, ma di un mottetto del fiammingo Noel Bauldewijn dedicato proprio a Maria.
Non ho la possibilità di riproporlo qui, ma contemplando il dipinto ho provato a immaginare quale altra colonna sonora si potrebbe associare alla scena.
Ed è stato subito un Adagio di Mozart a rifiorirmi nel cuore, in particolare quello del "Concerto per violino e orchestra n.5 in La maggiore K.219".
Certo, l'operazione è anacronistica, ma mi è sorto spontaneo il pensiero di quel brano perchè, con i suoi tratti di dolcezza e talora di malinconia, mi pare possa scendere davvero come balsamo a placare un'ansia angosciosa e fondersi bene col clima di sospensione del dipinto.

Lasciamoci portare allora da queste note intense e sublimi attraverso l'interpretazione di Anne-Sophie Mutter veramente degna di un angelo!

Buon ascolto!

Quando si dice ritmo...

2012-02-20T10:30:00.007+01:00

Quanto i ritmi di oggi, coniugati con le forme classiche, diano luogo a composizioni musicali ricche di originalità e fascino lo dimostrano parecchi artisti contemporanei.
I veri innovatori, infatti, in molti casi hanno preso le mosse dai grandi del passato, anche se poi - con un'evoluzione quasi fisiologica - da questa impegnativa eredità si sono allontanati per conquistare una propria autonomia.
E' un po' il processo che avviene tra padri e figli: una sorta di innegabile dna musicale si trasmette di padre in figlio, ma si esprimerà poi con ramificazioni differenti che daranno frutti nuovi pur se nati dalla stessa radice.
E amare davvero la classicità non significa considerarla un patrimonio statico, ma farla vivere ancora oggi nelle sue forme, fusa a tutte le sollecitazioni che la compagine del presente può suggerire.

Mi pare questo - tra gli altri - il caso di Astor Piazzolla (1921 - 1992), straordinario compositore, famoso per aver rinnovato la vecchia tradizione del tango rielaborandone ritmi e sonorità. Con versatilità d' ispirazione, ha infatti creato un linguaggio originalissimo e inconfondibile, modificando anche i consueti organici orchestrali con l'introduzione di nuovi strumenti.
Ma non si può pensare che all'origine di tale processo, insieme all'amore per l'eredità musicale argentina, non stia anche una matrice classica e - parlando di ritmo - Bach prima di ogni altro.

Il brano che ho scelto dalla vastissima produzione del musicista, riprende infatti proprio una delle forme musicali più care a Bach - la fuga - unendola ai ritmi e alle cadenze del tango insieme a variazioni di grande fascino.
Si tratta di "Fuga y Misterio" tratto dall'opera "Maria de Buenos Aires", pezzo che - talora in versione classica, talaltra jazz - è stato oggetto di numerosi arrangiamenti per orchestra, quartetto d'archi o altri gruppi strumentali dove, come solisti, oltre al bandoneon troviamo chitarra, flauto, oboe, pianoforte o marimba.

Tra le varie interpretazioni tutte ricche di fascino, quella che propongo oggi del prestigioso insieme "Classical Jam", ci presenta una performance a mio avviso entusiasmante con le quattro voci della fuga affidate nell'ordine al flauto, alla viola, al violino e al violoncello accompagnati dalle percussioni.
La prima parte del brano si snoda in un crescendo sempre più acceso. Dal flauto solo, al suo incalzante duettare con la viola fino al sovrapporsi di tutte le voci, si costruisce un'architettura sonora sempre più ricca di spessore, mentre gli accenti marcati delle percussioni sviscerano ogni potenzialità ritmica del tema fugato.
Segue poi una sezione melodica molto intensa che vede protagonista il canto del flauto con le sue variazioni insieme al violino. Mentre il finale torna a farsi spiccatamente ritmato fino alla vivacissima conclusione.

Un brano costruito in modo rigoroso e trascinante ad un tempo, dove si fondono mirabilmente novità e tradizione, passionalità e precisione formale.
(Nel riquadro in alto "Fuga in rosso" di Paul Klee)

Buon ascolto!

Febbraio: sprazzi di carnevalesca follìa

2012-02-15T16:05:00.016+01:00

Caotico, rutilante, colorato, privo in apparenza di un senso preciso e logico nelle sue parti, così ci appare "Il carnevale di Arlecchino" di Joan Mirò (1893 - 1983), conservato a Buffalo all'Albright-Knox Art Gallery.

Ma il disordine che balza all'occhio nel quadro non è poi così reale come sembra.
Gli oggetti raffigurati, infatti, per quanto con la loro confusione annullino in parte la profondità, non sono ammonticchiati alla rinfusa, bensì distanziati l'uno dall'altro quasi a coprire con una sorta di regolarità lo spazio di fondo.
C'è respiro tra un oggetto e l'altro, il respiro della fantasia, dai pinnacoli che occhieggiano dalla finestra agli infiniti oggetti che animano la rappresentazione: palloncini, una chitarra, tavolozze, note musicali, un cubo, una scala, strani giochi volanti a forma di misteriosi alambicchi.
Forse Astolfo sulla luna, alla ricerca del senno di Orlando, avrebbe potuto vedere oggetti simili e chissà quale immaginazione avrebbe sbrigliato Mirò, se gli fosse toccato di illustrare l'Orlando Furioso!

Ma non è nuovo nella storia della pittura questo disordine artistico, quest'ordine nel caos, quasi un ossimoro della rappresentazione.
Se torniamo indietro nel tempo, troviamo lo stesso effetto di confusione ordinata nel famosissimo "Giochi di bambini" di Bruegel (non a caso imitato anni fa sui rotocalchi da una pubblicità di abiti per i più piccoli) e in alcuni quadri di Hieronymus Bosch, peraltro associabile a Mirò anche per una sorta di surrealismo ante litteram.

E' il surrealismo infatti la caratteristica più evidente del pittore spagnolo: in lui è la nota dell'inconscio a dominare guidando la fantasia attraverso deformazioni della realtà, evocazioni quasi oniriche talora misteriose, talaltra simboliche come la scala che suggerisce un andare oltre il contesto del dipinto.
Tuttavia sono immagini sempre ricche di leggerezza e proprio la leggerezza ci riporta al tema del quadro, "Il carnevale di Arlecchino": un gioco, uno scherzo e tanti colori - peraltro ben distribuiti nello spazio di fondo - tra i quali spicca una gradazione di blu frequente in Mirò.

Ma se di norma la maschera serve a coprire ciò che veramente si è, qui la situazione è capovolta : è la verità dell' inconscio a venire alla luce in un intersecarsi di linee rette ma soprattutto curve e sinuose che creano un insieme arioso e lieve, bizzarro e danzante un po' come la figura di Arlecchino.
E' un andare oltre la realtà per rivelarne il segreto spessore, ma senza l'incubo o il senso del macabro tipico di altri pittori surrealisti, bensì con vivacità coloristica e giocosa fantasia.
Proprio tale fantasiosa attitudine ci ricorda che vita non è solo ciò che si vede, ma un misterioso inconscio altrove che talora si proietta fuori di noi con fantasmagorica carnevalesca follìa.

A commento di questo dipinto, ho scelto un vivacissimo brano di Jean-Philippe Rameau (1683 - 1764): "L'Egyptienne", qui eseguito al pianoforte da Georges Cziffra.
Lo so, in apparenza un musicista barocco e un pittore come Mirò sono due universi lontani. Quello di Rameau poi è un pezzo che ha una sua precisa struttura e una coerenza compositiva; niente a che vedere quindi con le defomazioni oniriche del Surrealismo.
Tuttavia, la giocosa esuberanza del brano, arricchita da una notevole varietà di trilli e abbellimenti, a mio avviso ben si adatta alla leggerezza del dipinto con le sue figure simili a fantasiosi balocchi infantili sospesi nel vuoto.
Così pure, l'alternanza di frasi musicali veloci e concitate con altre più dolcemente melodiche, sembra rispecchiare il ritmo delle linee - ora rette, ora sinuose - che paiono danzare liberamente nello spazio.

Buon ascolto!

Amore al primo ascolto

2012-02-10T17:18:00.012+01:00

Ci si può innamorare di un brano di musica al primo ascolto?
Esiste quello che si potrebbe chiamare "colpo di fulmine musicale"?

Certo!!! Molti l'hanno provato e lo sperimentano in continuazione non solo nei confronti di pezzi classici, ma spesso anche con altri generi.
E' la Musica a catturarci con la sua multiforme bellezza!
C'è chi è maggiormente preso dalla melodìa, chi dal ritmo, chi dal suono di un particolare strumento o addirittura dal fascino del primo strumento che si ricordi: la voce.
Basta che le note ci colgano ricettivi, disposti all'abbandono: così si viene presi e coinvolti da una passione che porta a risentire più volte un brano finchè non è totalmente nostro e canta dentro di noi spesso indipendentemente dalla volontà.

Tuttavia ciò non deve indurre a pensare che una musica di fronte alla quale - di primo acchito - restiamo indifferenti o che proprio non ci piace, non possa in seguito diventare oggetto di un amore appassionato.
Non tutti gli autori sono uguali, non sempre rivelano subito il loro splendore, come non sono uguali le nostre disposizioni d'animo momento per momento e le emozioni che ne conseguono. Sono il tempo e la fedeltà a cementare certi amori fino a far divampare vigoroso quello che, all'inizio, sembrava un focherello forse destinato a spegnersi.

Ho provato anch' io, talora, amore al primo ascolto per varie composizioni, ma devo confessare che non poche volte ho avuto difficoltà ad apprezzare subito un brano.
Credo di averne parlato già tempo fa.
Ricordo - solo per fare qualche esempio - di essere stata catturata immediatamente dalla grandiosità wagneriana dell'Ouverture del Tannhauser e così pure da vari pezzi di Haendel, dalle vivaci architetture di certe sinfonie di Mozart come dall'Adagio per archi di Barber.

Ma con tanti altri autori ho avuto bisogno di tempo.
Bach, per esempio - il mio Bach che adoravo già a sedici anni!!! - non mi ha parlato subito in tutto. Se si eccettua la Toccata e fuga in re minore, i Brandeburghesi e qualche contrappunto da L'arte della fuga (tra l'altro nella versione jazz del gruppo Les Swingle Singers), ammetto di aver fatto fatica ad entrare nel vivo di altri brani.
Ma l'ascolto assiduo nel tempo me li ha resi via via più familiari fino a condurmi al cuore profondissimo della loro bellezza e a farmi innamorare di composizioni come le Suites orchestrali, le Partite per clavicembalo o le Suites per cello, per citarne solo alcune.

Parlavo di ascolto assiduo. Sta lì, a mio avviso, il segreto: un ascolto assiduo ma anche libero, quasi indifeso in modo che la musica possa entrare nell'anima.
Magari all'inizio non è il tema principale del pezzo a prenderti, magari ti cattura solo un un passaggio, un accordo, talora la suggestione di una semplice dissonanza.
Eppure, da quel particolare il brano inizia a svelare il suo incanto, a farti entrare nel suo universo inducendoti a scoprire anche il tuo universo interiore. E quando giunge a svelare te a te stesso, quel brano è ormai tuo, in un legame inscindibile.

Innamorarsi al primo ascolto, però, resta sempre un' esperienza che regala grande e spesso indimenticabile emozione.
E' ciò che mi è accaduto anche con il pezzo di F.J. Haydn che propongo oggi. Si tratta dell' Adagio del "Concerto N.1 in Do maggiore per violoncello e orchestra" qui nell'interpretazione di Mstislav Rostropovich.
La voce straordinaria e affascinante dello strumento solista conferisce grande intensità al brano, e la melodia che si snoda dolce e solenne, sostenuta dal ritmo pacato dell'orchestra, conduce proprio al cuore caldo della Musica.

Buon ascolto!

"Tokyo station" : fascino di un non luogo

2012-02-04T11:55:00.014+01:00

Arrivi e partenze, viaggi: eventi comuni e frequenti della nostra vita - essa stessa prima di tutto un viaggio - ciascuno col suo fardello di sogni, speranze, incontri, addii, come pure di tanta quotidianità fatta di fatica e pensieri.
Forse per questo treni e stazioni sono stati spesso oggetto di svariate espressioni artistiche.
Poeti e pittori - dal Carducci alla Szymborska, da Turner a Monet - ma talora anche musicisti ne hanno celebrato il fascino e l'atmosfera, le luci e i suoni, o vi hanno visto esempi clamorosi del dinamismo della nuova società industriale del primo Novecento. Basti pensare al poema sinfonico di Honegger "Pacific 231" ispirato ad una locomotiva in movimento o al dipinto futurista di Carrà intitolato "La stazione di Milano".

Oggi però, soprattutto nelle grandi città, le stazioni - come pure aeroporti, metropolitane, centri commerciali, ecc. - sono diventate ormai dei cosiddetti "non luoghi" : spazi di transito magari forniti di tante comodità, ma in cui folle anonime si sfiorano ogni giorno in pressocchè totale estraneità senza realmente incontrarsi.
Tuttavia, se qualche volta le singole storie s'intrecciano come accade per esempio nel film di Spielberg "Terminal", e lo sguardo dell'artista sa andare nel profondo chiamando le cose ad esistere, allora anche un non luogo può assumere contorni più umani.

Si può inserire in questo quadro una delle recenti creazioni musicali di Giovanni Allevi, tratta dal cd "Alien". Si tratta di "Tokyo station", brano stilisticamente singolare nel panorama compositivo del musicista, a iniziare dalla durata più estesa rispetto ad altri pezzi e alla commistione di elementi della tradizione con quelli della contemporaneità.

E' la ritmica - martellante e fortemente scandita - la sua caratteristica principale, quasi Allevi attraverso di essa abbia voluto riprodurre il traffico animato della stazione di Tokyo: gente frettolosa, treni superveloci, la folla nella sua confusione ordinata tipicamente giapponese.
Eppure, proprio al centro di questo pezzo dai toni rock e da richiami jazz movimentati e coinvolgenti, c'è un nucleo caldo di dolcezza, un secondo tema intenso e melodico, prima delicato e via via più passionale come l'Allevi che già conosciamo.
Sembra infatti che, a un certo punto, il compositore abbia voluto fermarsi, oltrepassare la cortina delle apparenze, guardare nell'anima delle persone e cogliere l'umanità intensa e splendente che si cela anche dentro un quotidiano affannato e convulso.
Così, attraverso le sue note, il non luogo diventa luogo e la musica restituisce identità e poesia ad ogni cosa svelandoci il cuore di chi ci passa accanto.

Come in "Downtown", ancora una volta Allevi fa per così dire la "fotografia" a questa umanità in movimento, osservandola con occhi simili a quelli con cui si guarda intorno in "Notte ad Harlem" aggirandosi per i quartieri di New York, o in "L.A.Lullaby" per le vie di Los Angeles.
E nonostante lo stile di "Tokyo station" in rapporto a questi brani sia diverso, pure anche qui sembra che - a un tratto - dall'anima del compositore esca un moto di amore irrefrenabile che dà significato a tutto ciò su cui il suo sguardo si posa, e sia proprio questo amore a regalare vita chiamando ad esistere ciò che prima era solo anonimato.
Come un filo rosso che - pur nella varietà d'ispirazione e nella diversità sempre inedita del presente - attinge al mistero di un'unica Bellezza.

Buon ascolto!

Gennaio: impressioni di assorto stupore

2012-01-30T11:45:00.007+01:00

Il mese di Gennaio volge al termine, i giorni della merla stanno stringendo la campagna nella morsa del freddo. Forse nevicherà....

Al di là dei vantaggi o dei disagi che la neve può portare nel contesto della nostra vita, sempre intensa è la suggestione che regala al paesaggio e grande il suo fascino.
Forse per questo, numerosi sono stati nel tempo gli artisti che hanno sottolineato con le loro opere la particolare atmosfera che essa sa creare.
Da Carducci a Saba, da Emily Dickinson ad Ada Negri solo per citarne alcuni, molti poeti ne hanno cantato lo splendore. E per passare al mondo dei colori, come non ricordare - per esempio - gli sfondi di paesaggio innevati di Bruegel il Vecchio, o le montagne di Segantini o i numerosi dipinti che gli Impressionisti hanno dedicato proprio alla neve?

E' su uno di questi ultimi che desidero soffermarmi oggi: un'opera di Alfred Sisley (1839 - 1899), "La neve a Louveciennes" (Parigi - Museo d'Orsay), che mi pare adatta all'atmosfera di queste ultime giornate di Gennaio.

E' noto l'interesse pittorico degli Impressionisti per la neve: basti ricordare i numerosi dipinti di Monet su questo tema e la passione di tali artisti per ogni aspetto della natura e del paesaggio che consentisse loro di cogliere "l'attimo fuggente" della luce. Così come hanno amato l'acqua, gli alberi o i giardini in fiore, altrettanta attenzione hanno avuto per la neve poichè essa permette di giocare proprio con la tinta più luminosa - il bianco - variegandone sfumature e gradazioni con diversi altri colori.

Nel dipinto "La neve a Louveciennes", un vicolo tra due muretti di cinta - proprio al centro dell'immagine - apre una prospettiva che converge verso una figuretta scura e poi conduce fino in fondo e forse al di là, al paesetto di cui s'intravvedono case, alberi e un campanile.
Ma è la neve la vera protagonista che tutto ricopre - dal vicolo alla sommità dei muretti, fino ai rami degli alberi - immergendo la scena in un'atmosfera di silenzio e conferendo anche al cielo quella particolare tonalità che solo un paesaggio innevato sa regalare.
Prevale una gamma di colori che vanno dal bianco all'azzurro, ai grigi, al giallino con qualche tocco di marrone e di nero, un impasto di tinte dove sfumature e spessori sono creati direttamente da larghe pennellate non preordinate da un disegno, ma sommarie e veloci per fermare l'istante.

Amo molto questo dipinto: è il suo silenzio a colpirmi in modo particolare insieme all'atteggiamento raccolto che intuisco in quella figuretta scura.
Va verso il fondo o viene verso di noi che osserviamo? Chissà... Probabilmente si allontana, ma forse saperlo non è importante ai fini della comprensione del quadro, mentre ciò che conta è solo quel tocco di nero che essa dona a contrasto col biancore.
Tuttavia, la sua presenza suggerisce comunque che siamo noi a procedere con lei in quel silenzio intatto, tra quei muretti a lato che segnano un percorso e al tempo stesso limitano la visuale come una siepe di leopardiana memoria.
Siamo noi a procedere nella calma circostante, chiusi in un cerchio di assorto stupore: uno sguardo al cielo dalla gradazione così indefinita da non indicarci alcuna precisa ora del giorno, e un altro - incantato e segreto - alla bellezza in cui siamo immersi.

Ma la meraviglia di questo dipinto sta anche nella sua semplicità: piccole cose, uno steccato, un muretto, forse una porta, case, una figura femminile che più che vedere intuiamo nel suo andare, le macchie bianche dei rami innevati e il cielo.
Un'impressione affascinante, dove l'apparente tristezza del paesaggio si stempera in un senso di intimità, un'immagine colta nella verità di un istante e tuttavia nel cuore della sua vaghezza.

A commento del dipinto, propongo un famoso e delicatissimo brano di Claude Debussy (1862 - 1918), compositore considerato dai critici uno degli esponenti dell'Impressionismo in campo musicale.
Si tratta di "Reverie", pezzo intenso, meditativo, profondo: una sognante fantasticheria che ci rimanda proprio alla particolare atmosfera che il quadro di Sisley suggerisce.

Buon ascolto!

Il sorriso di Etty

2012-01-27T11:35:00.008+01:00

Ci sono documenti di vita vissuta che ci restano dentro insieme ai loro autori non solo per l'interesse storico del contenuto, ma perchè scendono nel profondo dell'anima interpellandoci in modo particolarmente toccante.

E' il caso del "Diario" di Etty Hillesum, ebrea di origine olandese morta a 29 anni ad Auschwitz alla fine del 1943.
Si tratta di un testo che ha avuto larghissima diffusione a partire dagli ultimi trent'anni e dal quale la personalità dell'autrice emerge in modo spiccato con la sua luminosa capacità di reagire al buio della persecuzione nazista.

Il Diario registra infatti gli ultimi due anni dell'esistenza di Etty : dalla sua vita ad Amsterdam a quella nel campo di smistamento di Westerbork, dal forte legame con Julius Spier alle relazioni con familiari ed amici.
Ma a chi lo legge non può sfuggire quanto le sue annotazioni, più che un susseguirsi di eventi esterni, siano in realtà una storia interiore, la storia di un'anima.
Quella di Etty è una progressiva crescita nella consapevolezza di ciò che sta accadendo agli Ebrei, ma soprattutto nella volontà di vivere quell'esperienza preservando in sè viva l'immagine di Dio. Una consapevolezza che si fa strada in modo sempre più chiaro attraverso lo sbocciare della fede religiosa, conseguenza quasi naturale del suo ascoltarsi dentro.

C'è freschezza, c'è sorriso nel suo cuore, ma soprattutto una gratitudine che non solo non viene mai distrutta dal drammatico precipitare degli eventi, ma che nel tempo prende forza e fondamenta sempre più sicure.
Evidentissima è l'attitudine a non lasciarsi fiaccare, a non cedere alla tentazione della paura o del ripiegamento su se stessa: il suo è infatti un andare verso gli altri con altruismo operoso, lo stesso altruismo che la porterà a non tentare di salvarsi, ma ad accettare e condividere la sorte dei suoi compagni di sventura fino alla fine.
Anche la piccola foto che la ritrae mentre sorride e gioca forse col gatto di casa, restituendoci un'immagine quotidiana, ce la rende vicina nella concretezza del suo vivere e credibile in tutta la sua gioia.
E alcune sue affermazioni hanno il sapore di una preghiera ancora di grande attualità:

"L'unica cosa che possiamo salvare di questi tempi, e anche l'unica che veramente conti, è un piccolo pezzo di te in noi stessi, mio Dio. E forse possiamo anche contribuire a disseppellirti dai cuori devastati di altri uomini."

Considerazioni che non abbisognano di commenti così come le splendide parole che concludono il "Diario", parole incantate, soprattutto se si pensa che sono state scritte alla vigilia della deportazione ad Auschwitz:

"Si vorrebbe essere balsamo per molte ferite".

Nel "Giorno della Memoria", mi piace allora rendere omaggio a questa donna straordinaria attraverso un altrettanto straordinario Bach e una giovane bravissima interprete.
Il "Preludio e fuga in la minore BWV 543" trascritto per pianoforte da Liszt e qui eseguito da Lise de la Salle è infatti un brano grandioso e fortemente drammatico, delicatissimo e insieme profondo. E mi pare che ben si adatti alla vicenda di Etty ricordandoci che - davvero - anche ogni autentica espressione artistica può essere "balsamo per molte ferite".

Buon ascolto!

Vedere l'orizzonte

2012-01-23T15:10:00.004+01:00

Un timido sole si fa strada stamattina dopo le brine e le persistenti nebbie dei giorni scorsi. Uno squarcio di azzurro illumina il cielo e restituisce respiro.
Vedere l'orizzonte, ecco ciò che mi ridona fiato!
Al di là del fascino che può avere la nebbia con la sua aura di mistero, preferisco infatti poter guardare avanti, avere una prospettiva che si disegna nitida di fronte ai miei occhi, fosse anche in un cielo carico di nuvole.

L'orizzonte ci regala spazio e cammino, suggerisce sogno e avventura; talora è infinito, talaltra invece mostra un limite oltre il quale non ci è concesso andare. Non sempre la campagna è sconfinata davanti a noi, ma a maggior ragione l'orizzonte diventa allora guida preziosa.
Che sia sguardo di largo respiro sull' esistenza o segreta bussola del cuore che ci orienta nei varchi della nostra piccola quotidianità, vederlo ci assicura che non ci perderemo.
Talora sarà saggezza restare ancorati alla sua linea di confine che ci dà la misura del nostro passo e diventa concreto recinto entro cui coltivare il nostro giardino; altre volte invece, il "campo lungo" sarà stimolo a superare il limite e andare oltre respirando l'ebbrezza del nuovo. Ma sempre il suo profilo nitido o incerto, preciso o baluginante come un miraggio sarà riferimento importante.

Ad aiutarci a dissolvere nebbie e fissare lo sguardo a vicini o lontani orizzonti, oggi ancora una volta è Mozart con le sue note capaci di nutrire i sogni, tenere alte le speranze e non dimenticare il cielo sulle cose umane.
Sì, ancora Mozart: semplice e profondo, vero, invischiato nella vita e insieme capace di sorriso da una distanza che tutto restituisce in bellezza e tutto assume - luci ed ombre, vivacità e affanno - in uno sguardo di supremo equilibrio, uno sguardo d'amore. Mozart che c' insegna lo spessore e il pianto, ma pure l'incanto e la leggerezza....

Il brano che propongo è l'ultimo tempo della "Sinfonia n.39 in Mi bemolle maggiore K.543", un pezzo che - a mio avviso - fa cantare il cuore e ringiovanisce dentro.
La sua vivacità a tratti tumultuosa, ricca di passaggi che salgono di tonalità in tonalità, ci conduce in continuazione a sorprendenti aperture. E gli squarci in minore che si risolvono quasi subito nei toni maggiori, sembrano suggerirci che la gioia del compositore è frutto di una sofferenza superata e ormai contemplata con distacco - forse con un sorriso - nell'equilibrata economia del tutto.

Così l'orchestra, guidandoci con perfetta coesione verso il finale, sembra disegnare una prospettiva che ci rimane dentro proprio come un gioioso orizzonte dell'anima, a regalare forza e senso al nostro cammino.

Buon ascolto!!!

Storie di paperi

2012-01-18T21:14:00.030+01:00

Ho sempre amato i cartoni animati e, quando mi capita, li guardo ancora volentieri.
Tom e Jerry, Silvestro e Gonzales, i Flintstones e poi Paperino, Topolino, tanto per citarne solo alcuni, mi hanno spesso divertito per la freschezza delle animazioni e le sfumature tenere, profonde e vere delle loro storie o dei loro caratteri.
In fondo, una proiezione della nostra vita con pregi e difetti in cui ci riconosciamo e che guardiamo volentieri per il garbo con cui sono illustrati: piccole pause di distensione che ci regalano sorriso e serenità.

Fra tutte le case di produzione cinematografica che si sono occupate di cartoni, trovo però insuperabile la Disney che, tra l'altro, ha associato i film di animazione alla musica classica.
Tutti ricordiamo "Fantasia" con la sua meravigliosa colonna sonora, sia nella vecchia edizione diretta da Stokowskj che in quella più recente da Levine.
Entrambe ci offrono brani e storie suggestive soprattutto per la perfetta simbiosi che fonde note e ritmi con le immagini: da Ponchielli a Beethoven, da Saint-Saens a Dukas, ne derivano infatti episodi in cui la musica non è semplice piacevole accessorio, ma fondamentale elemento espressivo.

Il brano di oggi tratto da "Fantasia 2000" è un insieme di pezzi stralciati dalle Marce N. 1 - 2 - 3 - 4 di "Pomp and Circumstance op.39" di Edward Elgar (1857 - 1934).
La musica - solenne, ritmata, trionfale, scintillante - è qui magistralmente associata alla storia dell'arca di Noè che, a sua volta, s'intreccia con quella di Paperino e Paperina ciascuno dei quali, al momento del diluvio, crede che l'altro sia rimasto in balìa delle onde.
Le note di Elgar quindi - oltre a commentare con potenza la marcia di entrata e uscita degli animali dall'arca - sottolineano ogni sfumatura di una storia d'amore fatta di tenerezza, dramma, nostalgia, sorpresa, in un contesto narrativo non privo di una certa dose di umorismo che si avvale anche di piccoli dettagli per coinvolgerci nella vicenda.

Ma straordinario è pure il modo con cui le immagini - create proprio per valorizzare la musica - si adattano ai ritmi delle note nell'incedere uguale e variato delle diverse coppie di animali nella parte iniziale, o quando Paperino "dirige il traffico" all'ingresso dell'arca o nelle scene più drammatiche e concitate.
Così, anche le parentesi di dolcezza che la narrazione ci offre sono commentate da una melodia più meditativa e serena, mentre trascinante è la forza gioiosa della marcia finale che, con la sua tonalità maggiore, prelude al buon esito della vicenda.
Note trionfali infatti sottolineano il lieto fine: i due protagonisti si ritrovano e il mondo si riapre davanti a loro, come sembra suggerire Paperino con l'ampio gesto della mano nell'inquadratura conclusiva.

Confesso che mi sono commossa : quando l'Arte ha la maiuscola, riesce sempre ad abbattere le nostre difese e allora anche una semplice storia di paperi può far breccia dentro di noi.

Buona visione e buon ascolto !

Rimuovere la pietra

2012-01-15T20:24:00.008+01:00

Nei miei anni di frequentazione del mondo delle note, ho sperimentato spesso quanto la musica ci aiuti a ritrovare la gioia dentro di noi.
E' una percezione che ho avuto fin da quando - ancora adolescente - m'incantavo sui ritmi di Bach o sulle arie di Mozart o sugli studi di Chopin.
Se una contrarietà, un'ombra, quel nulla cui spesso non sappiamo dare un nome preciso talora appannava il mio sguardo, ascoltare musica dissipava ogni nube, mi ricuciva interiormente con quel rammendo sottile e talora dolcissimo che solo le note sanno regalare.
Il Bach dei Brandeburghesi mi restituiva la forza per continuare a guardare in alto e il Mozart di certe Ouvertures mi ricostruiva dentro.
Così - credo di averlo già ricordato altrove - con questa sorta di musicoterapia rifioriva la serenità.

Ma oggi più che mai, oggi che il peso del tempo e delle vicende che lo accompagnano dentro e fuori di noi tenta spesso di offuscare quel lume segreto che tutti portiamo in cuore, ricorrere alla musica diventa una necessità, oltre che un piacere com'è sempre stato.
Può capitare che incertezze, confusione, timori, magari fatica a ritrovare la nostra autenticità, talora ci blocchino come quando lo scorrere libero di un ruscello è ostruito da una pietra.
La musica sa rimuovere quella pietra: a volte lo fa con grande delicatezza, dando luogo a una lenta trasformazione interiore di cui non siamo immediatamente consapevoli; altre volte ha su di noi un impatto più energico e deciso, coinvolgente e appassionato, e allora una vera e propria cascata di acque sorgive torna a scaturire dagli anfratti della nostra anima.
Ma sempre le note ci riportano a una dimensione esistenziale più alta, ad una Bellezza capace di restituire noi a noi stessi, riconducendoci in quello spazio sacro dove attingiamo la nostra verità. E dove ricominciamo a vivere.

Il brano che propongo oggi - l' "Adagio-Allegro" iniziale dal "Concerto grosso op.6 n.4 in Re maggiore" di Arcangelo Corelli - ci regala una gioia che affiora dal profondo proprio come un ruscello di acque limpide e rigeneranti riprende finalmente a scorrere libero.
Nella terrena concretezza della tonalità di Re maggiore sulla quale il tema insiste ritornandovi più volte, il compositore ha creato una vivacissima costruzione musicale avvalendosi dell'energia dei violini solisti insieme al respiro dell'orchestra d'archi.
Un pezzo intenso e scintillante, capace di ridonare sorriso e forza interiore proprio come un gioioso risveglio alla vita.

Buon ascolto!

Indimenticabile Faber...

2012-01-10T10:30:00.021+01:00

Cadrà domani il tredicesimo anniversario della morte di Fabrizio De André; e anche se l'odierno contesto della canzone ha dato spazio ad altri ritmi ed altri stili, le note di Faber - insieme ai suoi testi così poetici - ci parlano ancora.
Ci parla la sua capacità di toccare interrogativi di fondo, di sentire con profondissima intensità la malinconia del tempo che passa, la solitudine, la nostalgia per l'amore perduto prima ancora dentro che fuori di noi.
Ci parla la sua voce inimitabile che sa farsi dolcissima e insieme irriverente, mentre ci narra fiabe dense di verità o scava nel profondo della nostra esistenza.

Tra le canzoni più significative, ho in mente "Anime salve", "Inverno" o la bellissima "Preghiera in gennaio" tanto per citarne solo alcune: brani che testimoniano il senso religioso del compositore, il coraggio di guardare in viso la morte con occhi disincantati e pure colmi di umana - starei per dire sovrumana - pietà.

Numerose sono state in questi anni le incisioni così come gli arrangiamenti della sua musica volti a rendergli omaggio.
L'ultimo in ordine di tempo uscito lo scorso novembre è "Sogno N.1", un cd che raccoglie alcuni tra i pezzi più famosi del cantautore, dove la sua voce è accompagnata dalla London Symphony Orchestra che - cosa non nuova nel mondo della canzone - rivisita i brani in chiave classica.
L'operazione ha suscitato discussioni e un po' di sconcerto da parte dei cultori di De André, alcuni dei quali l'hanno accolta con entusiasmo riconoscendo all'orchestra il merito di aver creato arrangiamenti suggestivi e indovinati, mentre altri hanno visto in essa un totale stravolgimento dello stile dell'artista.

Personalmente, apprezzo la versione classica dei brani soprattutto dove li riempie di uno spessore quasi tardoromantico, anche se mi lasciano perplessa talune sonorità orchestrali un po' eccessive all'interno delle quali la voce dell'artista pare quasi forzatamente giustapposta rispetto al più sobrio accompagnamento originario. In ogni caso, "Sogno N.1" offre una rivisitazione per certi aspetti interessante.

Oggi però, desidero ricordare Faber con una canzone che non compare in quest'ultimo cd proprio perchè è già di per se stessa un pezzo classico: "Caro amore".
Il brano infatti - come già era stato per "La canzone dell'amore perduto" la cui aria è ripresa da Telemann - ricalca esattamente le note del famosissimo Adagio del "Concerto di Aranjuez" di Joaquin Rodrigo a cui De André ha aggiunto solo le parole.
Parole che, ancora una volta, ci raccontano il senso della precarietà e la nostalgia per la giovinezza perduta, dissolta come impalpabile soffio in una parabola che vede affiancato il ciclo delle stagioni a quello dell'esistenza umana.
E il discorso che prende forma sulla fioritura di note della chitarra sembra quasi farsi prosastico proprio come l'inevitabile cammino verso l'inverno dopo "i verdi anni che cantando se ne vanno".

Buon ascolto!

Magìa di un improvviso

2012-01-04T11:10:00.007+01:00

A chi affidare il primo post dell'anno nuovo?
A quali note consegnare i pensieri sui giorni che verrano, le speranze e i progetti, i timori e le incertezze, ma soprattutto il filo prezioso della serenità interiore?
Alle complesse sonorità di un'intera orchestra? A una voce? A un coro? A uno strumento solista?

Oggi ho scelto ancora una volta il pianoforte con un famoso brano di Franz Schubert, l' "Improvviso op.90 n.3 in Sol bemolle maggiore", perchè regala un'armonia davvero sorprendente.
Dalle sue note infatti - dall'onda dello spessore e talora del tormento - riaffiora una melodia rasserenante e gioiosa nella sua delicatezza: un'aria semplicissima sostenuta da continui arpeggi che vanno a sostanziare di profondità anche la più piccola frase musicale.
Un'aria che narra cieli sereni ma pure tempestosi, un tema ora limpido ora irrequieto e tumultuoso, ma sempre risolto in cristallina sorprendente serenità. Un'onda di vita segreta che scorre simile a un fiume sotterraneo che a tratti riaffiora con impeto. O con dolcezza.

Proprio la dolcezza, infatti, è la cifra che contraddistingue la splendida interpretazione di Krystian Zimerman tesa a mettere in luce ogni sfumatura di questo brano struggente e incantato, sottolineando il continuo rifiorire della melodia dal malinconico tono minore alla gioiosa freschezza di quello maggiore.

E mi fa pensare a quei prati di montagna dove - dopo la pioggia estiva o dopo l'ultima neve invernale - si schiudono i crochi magari in una notte e all'improvviso tutto si copre di magìa. O a quei deserti americani che, a distanza di anni, rivivono il miracolo della fioritura.
O alla nostra esistenza che sembra spesso scorrere uguale, talora ingessata dal bisogno di tenere tutto sotto controllo, anche il futuro, e invece è intessuta di sorprese dietro l'angolo, affidate alla fantasia di Chi ha dispiegato i cieli sopra di noi.

Una musica che suggerisce un sereno abbandono che ci renda capaci di vedere nel profondo, perchè fioriscano i crochi anche nel cuore della nostra quotidianità!

Buon ascolto e ancora Buon Anno!!!

Il giusto passo

2011-12-31T16:55:00.015+01:00

Qual è il giusto ritmo, il giusto passo per predisporsi ad iniziare un nuovo anno?
Forse quello della corsa che spesso ci contraddistingue, o della pigrizia di certe giornate che stentano ad ingranare? Quello affannoso della pur comprensibile ansia del domani o la calma piatta e smagata di chi non si stupisce più di nulla?

A me piace pensare che il giusto ritmo sia quello libero e disteso dell'amicizia, della condivisione, come il dialogo che fiorisce in semplicità tra due amiche, magari a braccetto per strada dove - nell'onda del discorso - il passo prende la sua andatura più naturale e spontanea.
Un camminare confidandosi la vita : cose grandi e cose piccole che poi piccole non sono perchè è il quotidiano con la sua verità e il suo spessore a costruirci dentro.
Un passo simile a quello di chi si trova magari in giro in una città come Venezia che - per necessità di cose - ha un ritmo tutto suo: un procedere sciolto, desideroso di incanto, ma anche un soffermarsi a sottolineare una parola del discorso, un'esperienza, guardando insieme dall'alto di un ponte le acque di un rio in cui si specchiano vecchie case.
Uno scoprire insieme la direzione giusta, angolo dopo angolo, in prospettive ricche di sorprese. Un saliscendi tra calli e campielli per condividerne la bellezza, un ritmo di leggerezza e profondità insieme, di gioco e di danza o di silenzio assorto.
Il giusto passo: quello della gratitudine per gli amici, per chi ti accetta così come sei veramente al di là dell'età, della geografia o della singola storia, se dal profondo affiora un moto di empatia e quel cristallo fragile e prezioso che tutti portiamo dentro manda bagliori di sorriso.

Ed è un brano di Francois Couperin (1668 - 1733) - insieme a Bach e Scarlatti uno dei più grandi clavicembalisti di ogni epoca - che, a mio avviso, rispecchia bene questo ritmo e può diventarne a buon diritto la colonna sonora.
Il rondeau intitolato "Les barricades mysterieuses" che propongo qui oggi, ha un andamento sereno e animato, leggero e insieme profondo dove la melodia si ripete apparentemente uguale e pur sempre nuova, proprio come un passo dopo l'altro, mai simile al precedente.
Un pezzo a cui potrebbe essersi ispirato Bach per certi preludi del primo libro de "Il Clavicembalo ben temperato", ma nel quale possiamo ritrovare un po' alla lontana anche echi del "Canone" di Pachebel.
Talora gioioso, talaltra dolcemente malinconico, il brano è stato anche opportunamente inserito nella colonna sonora del film "The tree of life" proprio a commento di una scena di giochi.

Del rondeau, originariamente per clavicembalo, ho scelto un'esecuzione al pianoforte che, a mio avviso, lo accende di colore mettendone in luce morbidissimi sfumati.
E certi punti in cui la melodia si allarga indugiando lievemente sulle note, sono proprio simili al ritmo dei nostri passi quando - nel procedere insieme - ci si sofferma un attimo e poi si riprende il filo del discorso: osservazioni, esperienze, uno sguardo o semplici silenzi.
Ed è la musica, come sempre, a suggerirci il ritmo giusto e a completare ciò che le parole non dicono.

Buon ascolto e Buon Anno a tutti!!!

Vicinanza

2011-12-28T14:40:00.013+01:00

Osservo da qualche giorno la riproduzione della "Natività" di Giotto che ho pubblicato la mattina di Natale.
E mi piace sempre più non solo perchè Giotto ha un tratto grandioso nel dare espressione ai visi e profondità agli sguardi; non solo perchè - come tanti artisti medioevali - rappresenta episodi diversi nella stessa scena; ma anche per la quotidianità del racconto.

L'evento è solenne, eppure nell'affresco si respira un senso di familiarità che ce lo rende vicino.
Saranno forse i gesti, l'umiltà dei personaggi che esprimono con semplicità i propri sentimenti, o forse l'intensità degli sguardi, i sorrisi che accomunano angeli e pastori, Maria e le donne che accudiscono il Bambino.
Così pure, il blu dello sfondo - tipica novità di Giotto rispetto al passato - colloca la Natività non in un infinito baluginante e lontano, ma entro il nostro cielo, in un "qui e ora" di inoppugnabile vicinanza.

Proprio questa vicinanza dai tratti così concreti ho ritrovato in un altro pittore che, come tanti artisti di scuola giottesca, riproduce la Natività con la medesima iconografia inserendo nell' affresco - insieme a Maria e a un San Giuseppe quasi sempre assorto o dormiente - le donne che accudiscono il bimbo, l'annunzio ai pastori e naturalmente un certo numero di animali.
Si tratta di Pietro da Rimini, meglio conosciuto come Maestro di Tolentino, poichè è lì, nel santuario di San Nicola, che ha lasciato le sue più significative testimonianze artistiche.

Delizioso, a mio avviso, il particolare riportato qui in alto: il Bambino accudito da Maria e da un'altra donna mentre fa il bagnetto!
Tenerissimo il gesto del piccino che si ritrae timoroso di fronte all'acqua o forse davanti a un viso estraneo, cercando rifugio verso le braccia della mamma!
Una Natività ancora una volta calata nella semplicità dimessa del quotidiano e lontana dai futuri sfarzi rinascimentali, ma quanto più vera!!!
Una scena che ci racconta un Dio vicino, venuto ad abitare la precaria tenda dell'uomo e ad attraversarne tutta la fragilità per riempirla di splendore.

A commento di questo dipinto, l' "Adagio" dal Concerto grosso op.6 n.8 "Per la notte di Natale" di Arcangelo Corelli.
Insieme alla più famosa "Pastorale" sempre dallo stesso concerto, è uno dei brani natalizi più dolci e intensi. Il ritmo lento che - tranne la parte centrale più vivace - caratterizza tutto il pezzo, ben si adatta a mio avviso alla familiarità delle immagini che ci parlano di sorrisi, di sguardi pacati e di una quotidianità divenuta ormai sacra in ogni piccolo gesto.

Buon ascolto!

"O magnum misterium..."

2011-12-25T08:09:00.038+01:00

Con profonda gratitudine,
Buon Natale
a tutti voi
nell'armonia
della Musica!!!

(GIOTTO : "Natività" . Basilica inferiore di S.Francesco - Assisi)

(LAURIDSEN : "O magnum mysterium...")

O magnum mysterium et admirabile sacramentum
ut animalia viderent Dominum natum
iacentem in praesepio.

Beata virgo cuius viscera
meruerunt portare Dominum Christum.
Alleluia.

Dicembre

2011-12-21T11:16:00.008+01:00

Siamo ormai a fine anno e anche la serie delle miniature del "Ciclo dei Mesi" tratte dal codice "Les très riches heures du Duc de Berry" volge al termine.

Tra lavori agricoli e feste di corte, castelli e paesaggi sempre minuziosamente descritti, i fratelli Limbourg ci hanno accompagnato lungo il calendario, offrendoci immagini dai tratti talora un po' fiabeschi, talaltra più realistici, ma sempre all'interno di un contesto rasserenante e di una compagine di vita ordinata e operosa.

Dicembre ci offre una rappresentazione, a mio avviso, un po' strana: immagineremmo infatti un quadretto tranquillo magari in un interno, o un paesaggio innevato come abbiamo già visto nel mese di Febbraio: un'atmosfera di quiete, insomma.
Invece quella che ci si presenta è una movimentata e cruenta scena di caccia al cinghiale.

Siamo nella radura di un bosco e in primo piano, nel cerchio aperto dagli alberi, diversi cani si stanno avventando sulla preda, mentre tre cacciatori assistono alla scena.
I particolari mettono in luce la ferocia degli animali che finiscono il cinghiale dilaniandone le membra, dopo che è stato ferito con la lancia : un tipo di caccia ben diversa da quella col falcone decisamente più aristocratica. Tuttavia, anche questa era apprezzata dal mondo nobiliare perchè offriva un piacere più sportivo e violento, quasi una manifestazione di forza guerriera.

In secondo piano, un bosco fitto - e stranamente non spoglio per essere nella stagione invernale - separa la scena dal castello dello sfondo. Sì, è un castello con torri e torrioni ma, visti nella sola parte superiore, a noi che li guardiamo oggi possono ricordare un po' ....dei grattacieli, strane avveneristiche architetture quasi di altri mondi. E ciò aggiunge singolarità alla miniatura, una singolarità giustificata anche dal fatto che la datazione la colloca dopo la morte dei Limbourg e il miniatore è forse Jean Colombe che ne ha completato l'opera.

Al di là della sua originalità, ravvisiamo però nel quadretto anche caratteri che lo accomunano ai mesi precedenti.
Innanzitutto l'ordine e direi anche la simmetria con cui figure ed edifici sono disposti, sia nella scena di caccia così movimentata, sia nella ben diversa ambientazione retrostante. Poi i colori che - nella rappresentazione di alcuni cani, forse levrieri - fanno risaltare il bianco e ci orientano verso il centro della scena creando un certo ordine compositivo.
E infine la ricchezza di dettagli ravvisabile stavolta non tanto nelle architetture o nel bosco, quanto invece nelle figure dei tre cacciatori colti in atteggiamenti diversi.

A commento di questa miniatura, un brano di Mozart: il secondo tempo del "Concerto per corno n.1 in Re magg. K.412" che riecheggia in qualche modo l'atmosfera animata della caccia, tra luci e ombre, accesa vivacità e toni più smorzati.

Buon ascolto!

"Shine"

2011-12-14T14:50:00.004+01:00

Hanno ridato qualche sera fa in tv "Shine", famosissimo film del 1996 dove il regista Scott Hicks narra - sia pure con alcuni ritocchi - la storia vera del pianista David Helfgott.

Mi ha sempre colpito la drammaticità di questa vicenda: la passione di David - piccolo genio del pianoforte - per la musica, il difficile rapporto col padre che segna con crudezza la sua adolescenza, l'esecuzione del celeberrimo terzo concerto di Rachmaninov e il crollo nervoso con l'esplodere della malattia mentale.
Poi il recupero, nella paziente trama d'amore del felice incontro con Gillian e il ritorno alla musica nella quale il protagonista riattinge il senso profondo della propria identità.
Un racconto che sottolinea da un lato il rapporto tra genialità e follia e dall'altro il tormentatissimo legame di David col padre, uomo contraddittorio che pretende e insieme proibisce fino a creare nel ragazzo durevoli sensi di colpa.

Ma altri due aspetti stavolta mi hanno catturato al di sopra di tutto: la freschezza della narrazione che mette in luce il candore del protagonista, magnificamente interpretato da Noah Taylor, da adolescente, e Geoffrey Rush da adulto; e - al di là della grandezza del "Rach.3" - i brani scelti dal regista come colonna sonora del film.

Il candore del protagonista, in primo luogo.
Sembra infatti che il disturbo nervoso susciti in lui una sorta di innocenza primigenia che affiora da tutto e tutto permea: dal delirio al desiderio, dal continuo sconnesso farneticare alla gioia, luogo fatato dove il sentimento diventa impulso puro e assoluto che fa librare in volo e - in alcune sequenze - regala al racconto la magìa della favola. E invece è verità.

E poi la colonna sonora, nella quale ho apprezzato in particolare la scelta di Beethoven e di Vivaldi in un gioco sapiente di contrasti e affinità. Mi spiego.
Magistrale, a mio avviso, aver inserito il "Gloria" di Vivaldi e il finale della "Nona Sinfonia" di Beethoven a commento di alcune sequenze in cui il disordine mentale ha rotto ormai gli argini.
Infatti nella concitazione del racconto dove, sovrapposti a voci e rumori, questi brani sembrerebbero fuor di luogo e quasi una stonatura, comprendiamo invece che, in realtà, proprio lì essi interpretano benissimo lo scarto tra il livello di percezione del protagonista e quello degli altri personaggi.
Come se la narrazione procedesse contemporaneamente su due piani: la quotidianità esteriore degli eventi e l'interiorità di David.

Così pure, è attraverso la dolcissima melodia del mottetto sacro "Nulla in mundo pax sincera" RV 630 di Vivaldi, che leggiamo nell'anima del protagonista la gioia ineffabile di poter godere della magia delle note.
Proprio questo è il brano che ho scelto di riportare qui oggi, luminoso suggello di bellezza sopra il mistero di un'esistenza - come quella di Helfgott - trafitta dallo splendore musica.

Buon ascolto!

"Nulla in mundo pax sincera
sine felle; pura et vera,
dulcis Jesu, est in te.

Inter poenas et tormenta
vivit anima contenta
casti amoris sola spe."

Fioriture bachiane

2011-12-10T11:05:00.009+01:00

Nel monumentale complesso delle opere di Bach, talora trovano posto brani che, nati all' interno di una composizione, vengono poi ripresi in un altro contesto con diverso strumento solista e differente armonizzazione.
A volte un concerto per violino viene trascritto nella versione per clavicembalo o un pezzo per orchestra viene rielaborato per essere eseguito all'organo.

E' il caso dei Corali "Schubler", sei preludi per organo a due tastiere e pedaliera, composti da Bach verso la fine della sua vita, cinque dei quali sono tratti da precedenti "Cantate".

Il brano che propongo oggi, il Corale BWV 650 "Kommt du nun, Jesu, vom Himmel herunter auf Erden" ("Vieni ora Gesù dal cielo sulla terra"), è infatti il secondo movimento della "Cantata BWV 137" per soli, coro e orchestra.
Ma mentre dall'organico della Cantata emergeva in particolare il violino e la melodia si affidava alla voce del contralto, nel successivo Corale è solo l'organo ad interpretare queste parti con un sapiente ed equilibrato alternarsi e sovrapporsi di temi dalle tastiere alla pedaliera.
La melodia iniziale infatti - nella quale possiamo ritrovare anche l'eco lontana della più famosa "Aria" dalla "Suite orchestrale n.3 BWV 1068" - viene enunciata sulle tastiere da una luminosa fioritura di note, mentre il vero e proprio canto è poi esposto dalla pedaliera che si sovrappone al tema precedente.
Così le due parti procedono emergendo ora l'una o l'altra in un gioco di studiatissime alternanze.

Il video qui riportato, oltre a presentarci l'esecuzione del brano su di organo "Trost" di grande pregio artistico (come si può vedere, infatti, il legno è preziosamente intarsiato), ci mostra con chiarezza la grande perizia tecnica e interpretativa con cui l' organista, Hans-André Stamm, gestisce la difficile sincronia delle mani e dei piedi.
E dalla sua esecuzione dal ritmo calibratissimo, il testo bachiano fiorisce luminoso e sereno.

Buona visione e buon ascolto!

"Downtown"

2011-12-05T14:00:00.022+01:00

Mi capita spesso di andare a Milano e usare il metrò, quindi trovarmi nei sotterranei di una grande città in mezzo a una folla cosmopolita non è per me cosa nuova.
Ma l'esperienza della metropolitana di Parigi, dove sono stata recentemente, è diversa e mi ha lasciato dentro un' intensa emozione.

Il metrò di Parigi è Milano moltiplicata per dieci : un dedalo di linee, chilometri di corridoi, scale e ancora scale, gallerie tappezzate di piastrelle bianche dall'aria piuttosto datata; alcune stazioni - quelle del centro - più signorili ed eleganti, altre stile liberty, altre ancora maleodoranti e squallide o semplicemente vecchie.

Ma è soprattutto l'umanità che colpisce: varia, colorata, cosmopolita più ancora che da noi.
E' il mondo e lì mi sono sentita al centro del mondo con un coinvolgimento viscerale, un senso di sgomento e insieme di attrazione: proiettata fuori di me eppure a casa mia, nonostante fossi lontana da casa.

Certo, hai un tuo luogo di origine e radici tue, ma ci sono situazioni in cui gli orizzonti si perdono o si fanno infiniti.
Esistono momenti in cui - sciolti i legami - sei tu e basta, tu col tuo cuore e il tuo sguardo mentre ti scopri protagonista di un'affascinante solitudine, quella della tua anima davanti alla vita.
Percepirlo è magìa perchè proprio la vita vibra intorno a te in quell'umanità brulicante e sconosciuta ma che - come te - soffre e ama, gioisce e si affanna.

Questa esperienza così forte mi ha restituito - incisiva e nitidissima - l'atmosfera di un brano di musica che amo profondamente e che, a mio avviso, interpreta in pieno tali sensazioni: "Downtown" dal cd "Joy" (2006) di Giovanni Allevi.
Come ha affermato infatti il compositore stesso in alcune presentazioni del pezzo, "Downtown" è la "fotografia musicale" del mondo, di quell'umanità "dispersa e gettata nell'esistenza" di cui anche lui si sente parte.

Ma il brano è per me ancor più significativo perchè l'emozione che mi regala s'innesta in qualche modo sul mio passato, riconducendomi addirittura all'infanzia.
Quand'ero piccola e mio papà ogni tanto mi portava alla stazione a vedere i treni, ero sempre profondamente impressionata dalla folla di gente che risaliva dal sottopassaggio, tornando a casa dalla grande città dopo una giornata di lavoro. Nella mia fantasia di bambina, mi pareva che vivere consistesse proprio in quello, nell'essere parte di una trama più ampia, di un orizzonte più vasto della mia piccola esistenza, e ho sempre desiderato di trovarmi anch'io nel cuore di quella folla in movimento.

Quando poi ho iniziato a viaggiare davvero, c'erano giorni in cui da Milano dove frequentavo l'università, tornavo alla mia città di provincia ch'era già sera.
Allora non era più solo la stazione piena di gente a suggestionarmi, ma l'intera metropoli che mi circondava nel suo afflato di vita vicino e lontano, familiare e pure sconosciuto.
Il treno delle otto, attraversando nel buio la periferia da Lambrate a Rogoredo, mi consentiva di vedere le luci nelle case, intuire la storie che vi si svolgevano, immaginare le persone con i loro sogni e in qualche modo respirare con loro.

"Downtown" mi riporta a quelle sere, nella sua vena di ritmo che scorre sotterranea e ininterrotta, pronta a emergere impetuosa nei passaggi rock e a sfumare subito dopo, con ineffabile dolcezza, in toni morbidi e sommessi. Colonna sonora dei mille volti di una metropoli, ma anche di sorprendenti viaggi dell'anima.

Buon ascolto!

Musica dal silenzio

2011-11-29T20:55:00.005+01:00

Esistono musiche che ci fanno tornare indietro nel tempo, indietro nella nostra storia a ricordi rimasti indelebili nella memoria del cuore.
Riascoltarle è un'esperienza che, talora, ci restituisce in pieno le atmosfere vissute ed è come ritrovarsi immersi in un universo di emozioni che ci riportano il sapore e la pulsazione del passato.

Il brano che propongo oggi mi rimanda al cuore della mia adolescenza, una sera di dicembre a Venezia, quella Venezia invernale affascinante, dove i canali sembrano svanire nella nebbia o perdersi nel buio, mentre le luci festose del centro sono un approdo cui ancorare l'anima.

Mancava poco a Natale, ed ero alla fine di una giornata passata in corsa tra campi e campielli, musei e chiese, Tiepolo, Tintoretto e la confusione festosa delle Mercerie.
Ormai quasi a sera, ero entrata in San Zaccaria, nella quiete della sua piazzetta poco distante da San Marco, e all'improvviso la pace mi aveva accolta nel suo abbraccio.
La chiesa in penombra quasi vuota, una sola lampada in fondo vicino al presepio. E il silenzio.
Proprio questo mi aveva colpito, come se improvvisamente mi fossi addentrata in un universo nuovo, un silenzio profondissimo come si respira talora in montagna di sera, quando rimane solo il profilo scuro delle cime sotto il cielo stellato e un vento leggero.

Poi, inaspettata, una musica: dall'abside avevano iniziato a diffondersi le note dell'Ouverture del "Messiah" di Haendel nel suo solenne esordio e nella leggerezza della successiva fuga. Note che si allargavano come spuma del mare sulla battigia a dilatarmi l'anima, così come la vivacità e il movimento della fuga mi parevano energia che prende corpo e si articola gioiosa nella sua multiforme varietà.
Sorpresa ed emozione mi avevano avvolto: quelle note mi parlavano, erano desiderio e nel contempo risposta al desiderio stesso e andavano a risvegliare in me una vita che chiedeva solo di essere ridestata.

Forse ho iniziato allora a percepire che la musica nasce dal silenzio, dall'abisso dell'anima di colui che la crea. Come la vita, come il mondo.
Forse la creazione stessa è musica e il soffio creatore di Dio altro non è che un' onda di suoni che si propaga all'infinito nel tempo e nello spazio. Un'onda della quale siamo parte, attraversati anche noi dalla musica come strumenti, canali di risonanza di una melodia più alta.

Riascoltare oggi questo grandioso pezzo di Haendel - sia pure in un differente contesto - mi rinnova quell'emozione che mi ha aperto un varco verso il mistero.
E ora che la liturgia ci ha già introdotti nel periodo dell'Avvento, mi piace associare a questo brano l' Adorazione dei pastori di George de La Tour, dipinto che, tra l'altro, è in mostra a Milano proprio in questi giorni e che - come diversi altri quadri dello stesso soggetto - è pervaso da un'aura di assorta contemplazione e di silenzio.

Buon ascolto!

Novembre

2011-11-27T15:08:00.005+01:00

E' singolare la rappresentazione di Novembre nell'ambito del "Ciclo dei Mesi" dei fratelli Limbourg, soprattutto se la paragoniamo alle immagini precedenti, perchè - al di là della lunetta effettivamente realizzata dai famosi miniatori - il quadretto è opera di Jean Colombe e risale alla fine del XV secolo.
E che la mano dell'autore è diversa, risulta chiaro anche dalla differente iconografia.
Infatti, la rappresentazione del mondo cortese scompare del tutto e persino il castello che quasi sempre troneggiava sullo sfondo descritto con una miriade di particolari, qui è appena accennato e si integra totalmente col paesaggio.

E' invece una scena pastorale il centro della raffigurazione, in particolare la raccolta delle ghiande.
Dal gesto teso del pastore in primo piano armato di bastone, si comprende infatti che è intento a percuotere i tronchi delle querce per farne cadere le ghiande, mentre un branco di maiali è raffigurato proprio nell'atto di cibarsene sotto l'occhio vigile di un cane.
In secondo piano, nel folto degli alberi, altri contadini sono intenti a bacchiare, mentre sullo sfondo si scorge un paesaggino dai toni freddi e smorzati.

Ed è altrettanto singolare che - in una miniatura del codice "Très riches heures du Duc de Berry" che descrive i fasti della vita cortese insieme alle operazioni agricole dei vari mesi - così largo spazio sia lasciato a un branco di porci, tradizionalmente simbolo negativo di chi non sa sollevarsi dal fango materiale o morale.
Ma occorre fare due considerazioni.
In primo luogo, il maiale era sempre stato una preziosa fonte di alimentazione, vera ricchezza per il mondo contadino soprattutto in tempi di carestia e la sua presenza rientra nel quadro della rappresentazione della vita quotidiana nella sua concretezza.
In secondo luogo, anche in differenti contesti Novembre è simboleggiato spesso dalla bacchiatura delle ghiande per i maiali, in vista del loro ingrasso per la macellazione del mese successivo.

Al di là di questo, però, altri aspetti della miniatura mi sembrano degni di nota.
Innanzitutto la pennellata - particolareggiatissima e morbida ad un tempo, come si può osservare nelle setole degli animali o nelle chiome dgli alberi - che in certi punti diventa quasi una sorta di "pointillisme" ante litteram.
E poi lo splendido paesaggio sullo sfondo che, nella sua morbidezza, ci ricorda che siamo già in pieno Quattrocento, e può essere assimilato agli sfondi di alcune Madonne, ad esempio, del Pinturicchio, dove un colle, un torracchione, uno specchio d'acqua creano aperture inusitate e un respiro spaziale nuovo.

Infine - forse dovuta alla differente mano dell'autore, forse al fatto che Novembre ha un clima più triste - si nota una minore luminosità di tutta l'immagine rispetto ai mesi precedenti. Contribuiscono a ciò i toni scuri o smorzati del manto degli animali, del prato brullo, insieme al bosco con la sua cortina di alberi.

A commento della miniatura, il "Largo" di Haendel dal "Concerto grosso in Si bemolle magg. op. 3 n.2 HWV 313", pezzo forse meno popolare rispetto al più conosciuto Largo dall'opera "Serse", ma senza dubbio ricco di fascino nella sua aura un po' brumosa come il mese di cui stiamo parlando.
Un brano che, per atmosfera e pacatezza di ritmo, può ricordare anche l'Adagio di un famosissimo Concerto per archi e oboe di Alessandro Marcello, peraltro contemporaneo di Haendel.

Buon ascolto!

Duettare

2011-11-24T21:38:00.004+01:00

Dopo un violino classico e il canto delicatissimo di un Adagio di Brahms, torniamo invece ai nostri giorni e ad un altro genere musicale con Richard Galliano.

Ho già parlato in precedenza di questo geniale fisarmonicista, in due post dedicati alla sua musica che trovo colta e versatile, rispettosa delle tradizioni e tuttavia profondamente originale.

Il brano di oggi, "La valse à Margaux", è un pezzo notissimo che propongo qui in un' entusiasmante esecuzione live, dove Galliano duetta con il violinista Sebastien Surel.
Ed è un vortice di passione sempre più travolgente, un binomio perfetto di musica e divertimento. Un duettare che è prima di tutto un dilatarsi di entusiasmo: dalla grinta quasi aggressiva di Surel, all'espressione di Galliano bonaria e profondamente comunicativa della simbiosi che vive col proprio strumento.
E' un gioco di sguardi e di intese tra i due solisti, un interagire, un dialogare di note e di ritmi volto ad afferrare la musica nella sua pienezza.

E proprio i ritmi guidano in modo sempre più effervescente l'incastro di temi, accompagnamento e variazioni nel brano, pezzo di bravura in forma di valzer, dove violino e fisarmonica si integrano meravigliosamente pur mantenendo il carattere della propria singolarità e della propria voce.
Un valzer la cui melodia è ripetuta in modo sempre più vorticoso e dove le frequenti dissonanze - soprattutto a conclusione di alcune frasi musicali - regalano spessore e modernità inusitate alla vecchia musette che, come dicevo anche in passato, Galliano ha rivisitato rinnovandola.
Infatti, sia nel vivacissimo primo tema ripreso poi verso la fine, sia nella parte centrale decisamente più malinconica, il compositore sembra sperimentare sonorità nuove alternando grinta e lirismo.

Un brano intenso e frizzante, quindi, un trascinante invito alla danza che i due solisti ci trasmettono attraverso la loro profondissima e gioiosa fusione con la musica.

Buona visione e buon ascolto!

Un violino per Santa Cecilia

2011-11-22T22:00:00.005+01:00

Oggi, 22 novembre, festa di Santa Cecilia, mi piace celebrare la patrona della musica e dei musicisti con un pezzo per violino.

Ricordo che lo scorso anno, per la stessa ricorrenza, avevo postato un brano di Haendel (proprio l'Ode a Santa Cecilia) la cui clip video consentiva di osservare da vicino l'espressione dei musicisti, il loro vivere la musica nel profondo. Era un gioco di sguardi che aprivano scorci di luce sull'interiorità di ciascuno rivelandoci di quanta vita si alimentasse la loro anima attraverso la magia delle note.

Questa volta è la voce del violino che desidero proporre, sottile e variegata, dolcissima e drammatica, ricca di sfumature tra luminosità e penombra, capace di addentrarsi nel cuore di chi ascolta e di scandagliarne l'abisso come uno sguardo di straordinaria intensità.
Ho scelto infatti uno dei brani più famosi di tutta la produzione violinistica dell'Ottocento, considerato tra l'altro uno dei vertici del virtuosismo in questo campo: il "Concerto per violino e orchestra in Re magg. op.77" di Johannes Brahms, che ascoltiamo nel suo mirabile "Adagio".

Dopo l'ampia introduzione affidata al dialogo tra l'orchestra e i fiati - in particolare l'oboe che enuncia il tema principale - il violino è un filo sottile che riprende la melodia e poi torna su se stesso inanellandosi in variazioni di incantevole splendore, voce emergente eppure profondamente integrata con l'orchestra.
Si dipana così un canto ora di rasserenante luminosità, ora pieno di inquietudine tormentosa; delicatissimo e insieme impetuoso, intriso di intensa drammatica passione: ultimi lampi di un romanticismo che si apre ormai a suggestioni nuove e respiri d'infinito.

Propongo il brano in un video datato, ma sempre ricco di fascino per l'interpretazione di Henryk Szeryng che fa risuonare in modo incantevole la voce del suo violino.

Buon ascolto!

"Les choristes"

2011-11-17T15:23:00.046+01:00

Su consiglio di un'amica, ho visto giorni fa un film non recentissimo, ma sempre ricco di suggestione per l'argomento, la freschezza dell'interpretazione e il clima di semplicità con cui si dipana la vicenda.

Si tratta di "Les choristes", una pellicola del 2004 di Christophe Barratier ambientata nella grigia provincia francese del secondo dopoguerra, dove un musicista disoccupato viene assunto come sorvegliante in un collegio chiamato "Fond de l'étang".
Già il nome, "Fondo dello stagno", rende l'idea dell'atmosfera del luogo: un istituto di correzione per ragazzini difficili che, nel clima di repressione instaurato dal direttore, rischiano davvero di diventare delinquenti.
Il nuovo arrivato però, nonostante divergenze e difficoltà, riuscirà almeno in parte a cambiare le cose. E lo farà adottando metodi educativi più umani, ma soprattutto appassionando i ragazzi alla bellezza del canto fino a creare un vero e proprio coro.
E' la musica, quindi, in certo qual modo la protagonista della storia, con la sua capacità di suscitare emozioni facendo emergere volontà e passione, restituendo speranza e sorriso.

Inutile dire che il film mi è piaciuto molto per il contenuto, la maestria degli attori (professionisti e non), ma anche perchè evita il rischio della retorica, frequente nella trattazione di argomenti di questo tipo.
La narrazione infatti è lieve, misurata, talora a metà strada tra il dramma e l'ironia, nel raccontare una vicenda nella quale - come accade peraltro anche nella vita - non tutti si salvano e il lieto fine è lasciato più al piano delle emozioni che a quello degli eventi.

Ma torniamo alla musica.
Tra i brani cantati dal coro, tutti decisamente pregevoli, uno dei più suggestivi è l' "Hymne à la nuit", tradizionalmente attribuito a Jean-Philippe Rameau (1683 - 1764) anche se, in realtà, la versione corrente è l'adattamento successivo di un pezzo di Rameau da parte di J.Noyon ed E.Sciortino.
E' una melodia nella quale, sia nella parte corale che in quella solista, la solennità si risolve in straordinaria limpidezza.
E il testo che ci parla di incanto e di mistero, di dolcezza e di speranza, mi sembra particolarmente adatto a una vicenda che vede protagonisti dei ragazzi che si affacciano alla vita, col bisogno profondo di far emergere da se stessi la capacità di sognare.

O nuit, viens apporter à la terre
Le calme enchantement de ton mystère
L'ombre qui t'escorte est si douce
Si doux est le concert de tes voix chantant l'espérance
Si grand est ton pouvoir transformant tout en rêve heureux

O nuit, ô laisse encore à la terre
Le calme enchantement de ton mystère
L'ombre qui t'escorte est si douce
Est-il une beauté aussi belle que le rêve ?
Est-il de vérité plus douce que l'espérance ?

Buon ascolto!

Cercando Chopin

2011-11-12T14:10:00.004+01:00

Trovarsi, una mattina di novembre, nell'incomparabile atmosfera del cimitero Père-Lachaise a Parigi : un' oasi nella città, una collina dove il sole gioca col vento tra le foglie dell'autunno svegliando riflessi tra i rami e la pietra grigia delle tombe.

Lasciarsi alle spalle il tumulto metropolitano per addentrarsi in un percorso di pace e solitudine fra tombe di grandi ed altre in apparente abbandono.

Ma non c'è tristezza: forse la luce, forse il respiro del vento che anima la vegetazione; forse la città intorno che oggi ormai circonda come un abbraccio grandi del passato e del presente, pittori e musicisti, scrittori e rockstar.
Non si può essere turisti distratti al Père-Lachaise o semplicemente curiosi: il silenzio ti parla, il ricordo è vita che prolunga la vita, spesso nel segno di una profonda gratitudine.
E c'è una semplicità che rasserena, ben lontana - a mio avviso - dalla solennità fastosa ma cupa e un po' opprimente di altri mausolei parigini.

Cerco Chopin: sono venuta qui quasi solo per lui, come se trovarmi davanti al luogo in cui riposa il suo corpo potesse avvicinarmelo ancora di più. Ma in realtà, so bene che è pienamente vivo nella sua musica capace di stabilire uno straordinario contatto d'anima con noi al di là del tempo.
Lo cerco a lungo prima di trovarlo, e infine arrivo davanti al rilievo che ne riproduce il volto sottile, davanti alla tomba sulla quale lo piange la sua Musa, una tomba piena di fiori tra i quali non manca mai l'omaggio di una rosa rossa.
In silenzio, nel sole del mattino, affido la mia emozione proprio a lui, alle sue note che mi affiorano dentro.

Il "Preludio op.28 n.15 in Re bemolle maggiore" detto "La goccia d'acqua" è un brano di rara levità che, limpido e dolcissimo nell'esordio, va facendosi più tempestosamente incisivo nella parte centrale e sfuma poi in una solennità di tono quasi religioso prima di tornare, alla fine, alla serenità della delicatissima melodia d'inizio.
Ma la caratteristica di questo pezzo dalla quale deriva anche il nome è quella nota di fondo ribattuta continuamente e sempre uguale nonostante i cambiamenti di tonalità (prima La bemolle, poi Sol diesis e infine La bemolle ancora), che ne diventa - al di là del tema - il vero motivo conduttore.
Come un segno a scandire il tempo che passa: nella sua struggente nostalgìa, nella sua affannosa ricerca di senso, nella sua drammaticità inesorabile, nella sua luminosa attesa.

Buon ascolto !

"Rifugio bianco"

2011-11-08T14:28:00.006+01:00

Lo so, non è primavera: ne siamo ben lontani e invece dei prati fioriti avanzano rovinose alluvioni insieme a brume ormai decisamente autunnali.
Ma proprio per questo, perchè il cuore non ceda alla malinconia della stagione e si rianimi invece di speranza, mi piace proporre un canto di montagna che rompa il grigiore come uno sprazzo di luce.

Ed è ancora una volta una melodia di Bepi De Marzi, "Rifugio bianco", composta per l'inaugurazione del Rifugio "Tonini" sull'Altopiano di Pinè.
Ma le parole del testo - che descrivono il sentiero che vi sale ispirandosi a una poesia di una figlia di Giovanni Tonini cui il rifugio è intitolato - sono forse volutamente generiche affinchè, nella loro semplicità, possano essere applicate a qualunque cammino, di montagna o di pianura. O di vita.
Si parte da una vallata, poi salendo si attraversa un bosco finchè la vegetazione si dirada aprendosi sui prati e scoprendo scorci sempre più ampi di cielo, fino a quando - là in alto - appare il rifugio, la meta.
Una percorso che inizia dal basso, dall' oscurità, e cerca poi lo spazio e la luce, l'apertura e il cielo, il faro che indica la direzione, il sogno d'amore, la bellezza che sorprende.

Ed è così anche nel canto affidato alla corale "Cantori di S.Margherita" (Fidenza), che ne dà un'interpretazione a mio avviso veramente pregevole.
La morbidezza e la fusione delle voci femminili con i bassi maschili crea infatti un'armonia soffusa di dolcezza che - dopo la parentesi quasi malinconica della parte solista - si carica di forza e di speranza aprendosi alla luminosità delle tonalità maggiori.

Buon ascolto!

Pena passà la valle la-oh
e dopo on fià de bosco la-oh
se slarga i prà nel cielo,
la-oh, la-oh,
varda quanti fiori la-oh

Ecco lassù 'na casa la-oh,
en grande fiore bianco la-oh
sbocià de primavera,
la-oh, la-oh,
profumà d'amore la-oh.

De not la par 'na stela la-oh
che slus a chi camina la-oh
e quando vien matina la-oh
la splende più del sole la-oh.

Se slarga i prà nel cielo la-oh
dal nos rifugio bianco la-oh,
che porta un nome caro,
la-oh, la-oh, la-oh.

Pena passà la valle la-oh.

Un Galliano da sogno

2011-11-01T18:30:00.005+01:00

Ho già parlato giorni fa del fascino della fisarmonica, strumento tradizionalmente popolare, entrato solo in tempi recenti nel mondo della classica o del jazz grazie a una serie di artisti che lo hanno valorizzato sviscerandone tutte le potenzialità con originalità e inventiva.

Come scrivevo, Richard Galliano - classe 1950, francese di origini italiane - è certo il più rappresentativo tra questi non solo per l'indiscussa bravura di esecutore, ma per la straordinaria novità delle sue composizioni e interpretazioni che hanno svecchiato il modo di suonare la fisarmonica e il repertorio che ne consegue.

Famosissimo per la sua collaborazione con Piazzolla e per aver rinnovato non solo il tango, ma anche la musette - il tradizionale valzer popolare francese - rivisitandola con l'inserimento di nuovi ritmi, Galliano è però anche cultore di quei compositori classici che non poco hanno contribuito alla sua formazione.
Primo fra tutti Bach, accostato ai tempi del conservatorio e profondamente amato ancora oggi soprattutto ne L'arte della fuga e nelle Suites per violoncello, ma anche in diversi altri brani e concerti ai quali il fisarmonicista ha dedicato un cd.
Sintesi di antico e moderno, di contemporaneità e tradizione, dunque, da parte di un artista profondamente creativo e versatile.

L' "Opale Concerto" che propongo qui oggi nello splendore del suo secondo movimento, fonde proprio elementi classici con la ricerca di sonorità inedite.
E' una melodia malinconica il primo tema che ci si presenta, un ricordo dell'antica musette con il suo colore nostalgico e la sue atmosfere parigine, ma ben presto aperto a suggestioni nuove - almeno per uno strumento come la fisarmonica - che si allargano verso la parte centrale del brano.
Questa si snoda sull'onda di un'orchestra dalle sonorità sempre più ampie e profonde che - grazie anche all'uso frequente della dissonanza - si dilatano in un'atmosfera indefinita di grande fascino.
Un brano ricco di incanto e non privo di reminiscenze classiche : se infatti all'inizio, vi possiamo ritrovare echi del Valzer triste di Sibelius, successivamente vi si coglie qualche ricordo di Dvorak, in particolare della Danza slava N.2.

Ricerca del nuovo quindi, coniugata però sempre col sapore della tradizione classica e delle proprie origini che Galliano riprende e rivitalizza con grande sensibilità.

Buon ascolto!

Ottobre

2011-10-27T17:44:00.045+02:00

La raffigurazione di Ottobre, nel "Ciclo dei Mesi" dei fratelli Limbourg, si dispiega in una veduta pianeggiante e aperta che - come già in diverse miniature precedenti - presenta il castello sullo sfondo e le operazioni agricole in primo piano.

Tuttavia, siamo lontani da quel clima di silenzio che si respira in altre rappresentazioni che vedono l'edificio situato in piena campagna a dominare i lavori campestri in totale tranquillità.
Qui, a ben guardare, lungo il fiume che separa il castello dai campi arati di fresco, una via che passa sotto le mura merlate si anima invece di vivacità cittadina e ci lascia intendere che siamo proprio a Parigi.
Come nella miniatura del mese di Giugno infatti, il corso d'acqua riprodotto a metà del quadretto e che sembra dividerlo esattamente in due parti, è la Senna. Ma mentre là lo sguardo era rivolto in direzione del Palais de la Cité, qui invece è l'antico palazzo del Louvre con le sue torri a campeggiare sullo sfondo.

Diversi personaggi, soli o a gruppetti, sono disseminati lungo la via, mentre dietro di loro il castello è descritto con la stessa minuziosa accuratezza che contraddistingue ognuna di queste miniature.
Torri e torrioni, comignoli e finestre fino alle figure di drago dei doccioni, tutto è riprodotto col gusto della precisione che ritroviamo peraltro anche nei campi in primo piano, nel disegno parallelo dei solchi brulli, o nel reticolo di fili tesi in secondo piano.

Tuttavia, questo gusto del particolare, qui come altrove, non è fine a se stesso, ma è la rappresentazione della vita che fiorisce serenamente in ogni suo aspetto, quotidiano e non.
Troviamo quindi un realismo che porta gli autori a non trascurare nulla: dalle figure che stanno conversando sulla strada, al barcaiolo sul fiume; dai gesti del contadino a cavallo e del seminatore, fino al becchettare degli uccelli nei solchi, anch'essi rappresentati nella varietà dei loro movimenti.
Nulla è lasciato al caso. Ed è singolare che, osservando il quadretto, l'occhio cada sugli oggetti, prima ancora che sulle persone: dal sacco bianco della semente in primo piano, all'erpice al centro del campo, su su fino allo spaventapasseri, quasi a disegnare una linea prospettica che conduce fino al castello.
Una descrizione attenta e ordinata quindi, vivace e pacata ad un tempo soprattutto nelle tinte tra le quali, al di là delle macchie di rosso e di blu, prevale il bianco insieme al colore della terra arata che attende la semente.

Dello stesso carattere di vivacità e pacatezza di questa immagine è il brano che propongo oggi: il primo movimento (Villano y ricercare) della "Fantasia para un gentihombre" di Joaquin Rodrigo, fantasia di cui mesi fa ho postato il secondo tempo.
Vivo e ritmato nella prima parte, il pezzo si fa dolcissimo nello splendido ricercare dove la chitarra - all'inizio solista - viene poi progressivamente accompagnata dagli altri strumenti per giungere a un finale di grande intensità.

Buon ascolto!

Fascino di una fisarmonica

2011-10-22T21:42:00.008+02:00

Sono grata all'amico blogger Mirco del sito "Tra sogni e realtà" se posso dedicare il post di oggi ad uno strumento musicale molto particolare, popolare e inusuale insieme come la fisarmonica.
E' stato Mirco infatti, con la sua passione, a sollecitare in me l'interesse verso questo strumento che mi ha aperto un mondo di interpreti e di sonorità nuove.

Dicevo inusuale e popolare ad un tempo, perchè la fisarmonica non fa parte dell'organico di una tradizionale orchestra sinfonica e tuttavia trova spazio da sempre in tanti piccoli complessi musicali, nelle feste, nelle sagre o più semplicemente dove si balla.
Vero è che anche compositori come Ciajkowskj o Verdi - per far solo qualche esempio - talora hanno inserito nelle loro opere piccole parti per fisarmonica e oggi, sempre più spesso, la troviamo come strumento solista accompagnata da un' orchestra.
Ma nonostante questo, essa - con la sua ritmica così spiccata - è rimasta per molto tempo legata al mondo popolare del canto e della danza.

A nobilitarla, per così dire, inserendola in un vero e proprio repertorio classico o jazz o addirittura rock sono stati compositori e interpreti più recenti.
Ed è un uso raffinatissimo della fisarmonica che tali autori hanno fatto sfruttandone in pieno le risorse timbriche e ritmiche, sia che essa riproduca una potente sonorità simile a quella dell'organo, sia che ricordi il canto più sottile di un violino.

Tra i contemporanei, trovo affascinante sopra gli altri Richard Galliano, compositore ma anche esecutore ed interprete, famoso per la sua collaborazione con moltissimi musicisti tra i quali Astor Piazzolla.
Il pregio di Galliano è l'aver fatto della fisarmonica uno strumento versatile capace di interpretare con lo stesso incanto musiche del passato e del presente così come differenti linguaggi.
Lo contraddistingue anche un forte legame col repertorio classico e con la musica di Bach in particolare, nella quale - come il fisarmonicista ha affermato - trova "il senso dell'avventura, il brivido della scoperta". Di Bach infatti Galliano ha eseguito svariati concerti oltre a pezzi tratti dalle suites orchestrali, e sullo stile del musicista tedesco ha improntato anche alcune sue composizioni.

Tra queste "Aria", che propongo qui oggi, è forse il pezzo di Galliano più rappresentativo in questo senso.
Vi possiamo ritrovare echi della Toccata e fuga in re minore come di altri brani bachiani ricreati e fusi in un'originalissima ricerca che sfrutta al massimo le sonorità dello strumento solista, quasi fosse un organo.
Una testimonianza dell' attualità indiscussa di un autore come Bach, ma soprattutto della capacità di Galliano di ricrearne la bellezza attraverso la sua straordinaria, modernissima inventiva e la mirabile padronanza della fisarmonica.

Buon ascolto!

Prima candelina!

2011-10-19T10:39:00.011+02:00

Ebbene sì, oggi "Gioire in Musica" compie un anno!!!
Incredibile, ma vero: a partire da quel martedì 19 ottobre 2010 in cui un po' timidamente ho dato inizio a quest'avventura, il mio piccolo spazio è cresciuto, arricchendosi di tante melodie e tanti lettori ma soprattutto ascoltatori!

A dire il vero, covavo da tempo il desiderio di trovare un ambito in cui condividere con altri le musiche che amo, ma non avevo mai pensato a un blog. L'idea me l'ha suggerita un'amica che mi aveva letto dentro questo desiderio chiuso in me come un fuocherello nascosto sotto la cenere.
Al momento però avevo rifiutato: figuriamoci, senza alcuna esperienza del web o quasi, non sarei stata capace!

Poi un giorno - in uno di quei pomeriggi un po' così...che sembrano girare a vuoto - mi ci sono messa tentando i primi passi con molte incertezze e tanta paura di combinare qualche pasticcio.
Ma appena "Gioire in Musica" ha preso forma sotto i miei occhi e ho pubblicato il primo post....mi ci sono appassionata come fosse stata cosa mia da sempre e d'allora è stato un crescendo d'intensità.
E quando - tra commenti, iscritti e la pagina delle statistiche che mostra da dove il blog è stato visto - ho capito che i lettori c'erano, ho provato una gioia grandissima.

Certo, sono consapevole di essere solo un modesto tramite di opere d'arte non mie, mentre tanti altri blogger hanno il pregio di condividere creazioni proprie.
Ma anche essere un piccolo canale di trasmissione è un'attività che mi impegna una bella fetta di tempo e - lo confesso - ogni tanto mi dico: "Devi darti una calmata! Pubblica un po' meno, magari solo due o tre volte al mese!".
Ma poi non resisto: i brani musicali sono lì, dentro di me - come scrivevo una volta - "in gioiosa lista d'attesa" che premono chiedendo di essere condivisi.
E vi assicuro : pensare che una persona magari sconosciuta, dall'altro capo del mondo, possa trascorrere anche solo pochi minuti in serenità ascoltando la musica che metto in rete, mi riempie di una felicità impagabile!

Per questo, ringrazio tutti coloro che in quest'anno sono passati di qui: lettori abituali o solo di passaggio, conosciuti e sconosciuti, vicini e lontani, dal Giappone al Brasile, dalla Spagna all'Ungheria; ringrazio chi ha lasciato un commento e chi si è limitato ad ascoltare, così come quegli amici - blogger e non - che mi hanno incoraggiato nel dare forma a un sogno.
Da tutti sono stata profondamente arricchita e la vostra presenza mi regala una gioia così concreta e viva che va ben al di là del virtuale.

Allora, per festeggiare torno al primo amore, al musicista con cui ho aperto un anno fa questo blog, quel Mozart capace - con l'incanto delle sue note - di abbattere le sbarre di qualunque carcere materiale o metaforico, come scrivevo nell'Incipit a proposito dell'aria da "Le nozze di Figaro" riportata nel film "Le ali della libertà".
Oggi è l' "Adagio in Mi maggiore K.261" per violino e orchestra che ho deciso di regalare a me e a voi nell'interpretazione di un grande violinista del Novecento: Arthur Grumiaux.
E' proprio la sonorità luminosa e purissima del violino, qui, a valorizzare il canto di questo brano, gli squarci di limpidezza e i tratti di malinconia, insieme all'orchestra che accompagna il solista con misurata intensità.
Un Mozart soavissimo che ricorda i Concerti per violino K. 216 e K.219 come pure, per certi aspetti, la Sinfonia concertante K.364.
Un Mozart che ci guida - come sempre - con uno sguardo di serenità e di supremo equilibrio.

Buon ascolto! Il sogno continua....

"Classico ribelle" : lo sguardo di un poeta

2011-10-13T15:10:00.028+02:00

"Quelli che non sentono questo Amore
trascinarli come un fiume,
quelli che non bevono l'alba
come una tazza di acqua sorgiva
o non fanno provvista per il tramonto,
quelli che non vogliono cambiare,
lasciateli dormire!"

Sono state queste parole del poeta persiano Jalal'al Din Rumi a venirmi in mente nei giorni scorsi dopo aver letto "Classico ribelle", terzo libro del Maestro Giovanni Allevi uscito da circa un mese per l'editrice Rizzoli, facendo seguito a "La musica in testa" e "In viaggio con la Strega" pubblicati nel 2008.
Quelli di Rumi sono gli occhi incantati della poesia insieme alla volontà di assecondare il fluire della vita verso il cambiamento, ma anche Allevi ha qui lo sguardo di un poeta, mosso da amore per la realtà che gli sta intorno e dal desiderio di afferrarne il mistero attraverso l'arte.
"Classico ribelle" infatti presenta una scrittura nitida che nasce sempre da un moto del cuore, dal percepire che "dietro l'apparente semplicità delle cose c'è una grande profondità" perchè "il divino è ovunque, basta togliere di mezzo l'abitudine" (pag.49).

Il libro si compone di capitoli brevi, snelli, anche quando il linguaggio si fa denso di riflessioni filosofiche e musicologiche. Ma sbaglierebbe chi pensasse a una lettura da terminare in fretta. Al contrario, perchè se ne possa cogliere tutto lo spessore il testo va centellinato con calma, sia che il compositore chiarisca il suo pensiero sulla musica contemporanea anche in rapporto alle critiche di cui è stato oggetto, sia che annoti episodi autobiografici, squarci di vita raccontati con semplicità e freschezza.

Interessante il discorso sulla possibilità di una musica "classica contemporanea" che, senza azzerare la tradizione, riempia però le forme classiche di contenuti del presente. Ciò non significa misconoscere il genio dei grandi del passato che Allevi stesso - in più di un'intervista - ha dichiarato di adorare, ma accoglierne la lezione osando il nuovo, come ciascuno di essi a suo tempo ha fatto, nella prospettiva di chi compone musica immerso nei ritmi dell'attualità.

E questa immersione a tutto tondo nella vita del presente, mi pare significativa anche per un altro verso: l'autenticità da cui il libro è pervaso.
Autenticità con cui il compositore ricolloca al centro l'individuo, ribellandosi all'idea che il successo sia mera questione di numeri - come la società vorrebbe farci credere - e affermando che esso si fonda sulla capacità di raggiungere il cuore delle singole persone suscitando emozioni.
Autenticità nel ricondurre il bisogno viscerale di comporre musica ad un irrefrenabile grido di amore per il mondo, talmente intenso da tradursi in sofferenza anche fisica, quando accade che esso non sia corrisposto.
Autenticità nel trovare il coraggio di mettersi in gioco dando spazio all'anima.

Un incoraggiamento alla speranza, dunque, soprattutto per le nuove generazioni che Allevi esorta alla fiducia di poter concretizzare i sogni e alle quali - citando Turoldo - insegna lo stupore dinanzi al fluire del tempo ogni giorno sempre nuovo e inedito.

E per passare dalle parole alle note, un Allevi non recentissimo, ma sempre ricco di intensità. Dal cd "Joy" (2006), "Vento d'Europa" è un brano inquieto come un fiume in piena, malinconico e irruente come le luci ed ombre di un'anima appassionata, e ben rispecchia una delle più significative affermazioni del libro:
"La musica va afferrata per strada, ma solo un cuore a pezzi può sentirla.
E' qui la scintilla divina!".

Buona lettura e buon ascolto!
(il brano termina due minuti prima della fine della clip audio, ma è comunque riportato integralmente)

Festa blogger: secondo appuntamento

2011-10-09T20:38:00.033+02:00

E' stata Milano la cornice della seconda festa blogger, organizzata dall'infaticabile fantasia di Ambra, coadiuvata dall'eclettica Sandra e da Erika che però non ha potuto partecipare.
Gruppo numericamente inferiore, stavolta, rispetto al precedente appuntamento bolognese, tuttavia atmosfera ugualmente vivace.

Se dovessi riassumere in una parola la caratteristica principale dell'incontro, direi che è stata la spontaneità, quel sentirci da subito a nostro agio come amici di vecchia data sia con chi avevamo già conosciuto, sia con chi vedevamo per la prima volta.
E certo, la condivisione sui nostri blog di pensieri, interessi, impegni, racconti, creazioni artistiche e via dicendo, crea una sorta di familiarità che facilita poi il dialogo rendendolo più vero.

Tra chiacchiere, battute, foto e un pensiero a chi non era presente, mentre davanti a noi si alternavano le portate di un pranzo sontuoso, abbiamo messo in comune un po' dei nostri interessi, piccoli scorci della nostra quotidianità e tanta passione per ciò che ciascuno di noi, nel suo spazio virtuale, sta realizzando.

Un grazie di cuore a tutti: amici che ho rivisto con gioia (Ambra, Stefano, la dolcissima Mirta con Mauro, Sandra e Franco che ci hanno scattato innumerevoli foto) e altri per me nuovi. Mi piace ricordare il garbo di Elio e Graziana, la simpatia di Carla insieme al suo genio di squisita pittrice, poi Fabrizio, Francesco e infine Silvio e Mirco, frizzanti nella loro giovinezza che ha drasticamente abbassato l'età media del gruppo.
Insomma, un incontro breve ma pieno di sorriso che mi ha fatto tornare al mio treno con un senso di profonda gratitudine.

Il regalo musicale che desidero condividere con tutti gli amici blogger e dedicare alla festa di ieri, è il "Perpetuum mobile (Moto perpetuo)" op. 257 di Johann Strauss jr., pezzo animato e scintillante, ricco di varietà e movimento che mi sembra proprio adattarsi alla vivacità e alla simpatia del nostro incontro.
Si tratta di una fantasia per orchestra, uno scherzo musicale a ritmo di polka ispirato forse da una festa di carnevale, dove il tema viene ripetuto all'infinito dai singoli strumenti e che - proprio perchè moto perpetuo - manca della conclusione.
"Und so weiter..." (e così continua...) sono le parole con cui solitamente viene interrotto insieme ai gesti del direttore d'orchestra o talora a una battuta di spirito.
Lo riporto qui nell'esecuzione della Filarmonica di Vienna in occasione del Concerto di Capodanno del 1987.
Splendida a mio avviso la direzione di Herbert Von Karajan che sottolinea la particolare voce dei singoli strumenti, dal più grande al più piccolo, e che qua e là si vena umorismo. Così come strappa un sorriso, alla fine, l'interruzione del pezzo dove il vecchio leone sembra dire :"Per ora basta così!"
Ma il brano dovrebbe proseguire all'infinito....

"Und so weiter"..... e così continua non solo la musica, ma anche l'amicizia, la gioia, la condivisione del gruppo blogger che, come un'orchestra nella varietà dei suoi strumenti, ieri ha fuso le sue voci e si propone di farlo ancora, nello straordinario di un incontro conviviale, ma prima di tutto nella quotidianità dei nostri blog.

Buona visione e buon ascolto!

"Cortesàni"

2011-10-05T16:28:00.006+02:00

Ci sono passioni che ci entrano nel cuore da adulti e altre invece che nutriamo fin dai tempi dell'adolescenza, se non addirittura dell'infanzia.

Trovo che, a volte, queste ultime si rivelino più autentiche, perchè fiorite su di un terreno ancora intatto e se magari, nel tempo, le circostanze della vita ci hanno portato ad abbandonarle, poi si risvegliano con rinnovato vigore, come qualcosa che ci appartiene dal profondo e vive intrecciata ai nostri primi sguardi di amore sul mondo.

Così è la mia passione per i canti di montagna, della quale ho scritto già in passato e che affonda le radici nella mia adolescenza. Una passione che si ridesta più viva ogniqualvolta scopro un coro, una melodia capaci di illuminarci dentro.

Il canto che ho scelto oggi intitolato "Cortesàni" - ancora di Bepi De Marzi come altri già postati tempo fa - s'ispira a un paesetto veneto ("Cortesàni" appunto) ed è un piccolo gioiello di poesia in note e in parole. Due brevi strofe, riportate qui di seguito, che sull'onda del vento tratteggiano la tristezza dell'inverno, ma anche la speranza della primavera col suo ritorno alla vita.
L'interpretazione del coro I Crodaioli col suo ritmo lento, ricco di sfumature ben modulate, conferisce poi al canto una soavità religiosa, quasi la solennità di un antico corale.

Buon ascolto!

"Dopo Cortesàni
sul prà del tempo fermo,
no canta più l'amore,
la se gà fermà l'inverno,
no torna primavera,
nei prà ze sempre sera,
e il vento cava 'l core,
è l' vento del dolore.

Vento nelle mani,
o vento tra i capelli,
ho visto gli occhi chiari
come l'acqua dei ruscelli,
ritorna primavera
e canta nella sera,
ritorna dentro i fiori
nel tempo degli amori.
Dopo Cortesàni, dopo Cortesàni..."

Eternità

2011-09-30T21:10:00.016+02:00

Ogni forma di arte, attraverso i secoli, è sempre stata espressione del desiderio di eternità radicato nel cuore dell'uomo.

Dalla poesia alla pittura, dall'architettura alla musica, ogni autentica creazione artistica, per quanto possa inscriversi nel proprio tempo e rispecchiarlo, ha in sè un soffio di vita che non si spegne col suo autore, ma tende a oltrepassare l'orizzonte del finito per collocarsi nel cuore dell'uomo di ogni epoca.

Per questo, a distanza di secoli, ci affascina ancora l'equilibrio di un tempio greco o la tensione di una scultura di Michelangelo che sembra volersi sprigionare dal peso della materia o la drammaticità di un contrasto di luce in un dipinto del Caravaggio.
Per questo, ci incanta la leggerezza ariosa dei colori di Monet, così come ci riconosciamo nell'energia plastica di certi versi di Dante e nel suo sguardo che - se è certamente rivolto alla sua epoca - si incide tuttavia con forza nell'anima di chiunque cerchi, lungo il proprio cammino, un riscatto dalle selve oscure di ogni tempo.

Con vigore e intensità l'arte ci parla di quel desiderio nascosto nel profondo dell'uomo, dal teatro alla danza, da un testo letterario a una partitura musicale: non pezzi di carta senz'anima, ma storia palpitante e viva, umanità vibrante di emozioni per suscitarne altre in noi, di inequivocabile concretezza.
E' l'eternità, qui e adesso.

Mi sono nate dentro queste brevi considerazioni ascoltando il brano che propongo oggi: la Melodia della "Danza degli spiriti beati" dall'opera "Orfeo ed Euridice" di Christoph Willibald Gluck (1714 - 1787) che riporto qui in duplice versione, per flauto e pianoforte e per pianoforte solo.

Trovo che il pezzo - a circa 250 anni dalla sua composizione - sia ancora di straordinaria modernità, dalla luminosa e nitida dolcezza del flauto alla stupenda interpretazione al pianoforte, malinconica e ombrosa nella sua delicatissima fioritura di note quasi a precorrere l'atmosfera di un notturno di Chopin.
Dall'epoca barocca, la melodia sembra aprirsi verso un'aura di romanticismo in una vicenda - quella di Orfeo ed Euridice - in cui, amore e morte, felicità e rimpianto s'intrecciano.
Il brano, infatti, insieme al clima di serenità dei Campi Elisi, ci restituisce in pieno il senso dell'accorato desiderio di Orfeo per la perduta Euridice e i moti di un'intensa passione si fondono col sogno struggente che l'amore possa sfuggire ai lacci degli inferi.
E farsi eterno.

Buon ascolto!

Settembre

2011-09-28T20:26:00.004+02:00

Nell'ambito delle miniature del "Ciclo dei Mesi" dei fratelli Limbourg, Settembre riconferma il realismo della rappresentazione insieme alla consueta ampiezza di particolari che abbiamo già visto in passato.

E' il castello di Saumur questa volta a campeggiare sullo sfondo del quadretto, mentre in primo piano, per la serie dei lavori agricoli tipici del mese, troviamo la vendemmia.

Anche qui - come in altre miniature - i contadini sono colti nello svolgimento di vari lavori e in atteggiamenti diversi. Tuttavia, a ben guardare, questa parte non rispecchia uguale finezza descrittiva nè del castello soprastante, nè delle raffigurazioni dei mesi precedenti. Qualche posa grottesca, la natura vista in modo un po' sommario e una certa grossolanità del tratto fanno pensare che la mano del miniatore non sia sempre la stessa e mettono in dubbio la completa attribuzione ai fratelli Limbourg.

Vero pezzo di bravura è, al contrario, la rappresentazione del castello irto di guglie e pinnacoli riccamente decorati dagli autori con raffinatezza e vero gusto da orafi.
La presenza di poderose torri agli angoli della costruzione ne rivela lo scopo difensivo che tuttavia è mascherato dall'insieme delle infiorettature, come se un abito fiorito volesse consegnare il castello al mondo delle feste e delle favole più che a quello militare.

Ma anche in questa immagine, oltre alla cura del dettaglio, non manca una certa attenzione al realismo. Davanti all'edificio infatti, un cavallo sta attraversando il ponte levatoio, una figuretta femminile con un paniere sulla testa si dirige all'entrata forse verso l'ala delle cucine, mentre da destra altri animali giungono probabilmente dai campi.
Piccoli dati di concretezza che, ancora una volta, collocano il "Ciclo dei Mesi" a metà strada tra la rappresentazione ideale di un mondo ordinato dall'alto nei suoi ritmi stagionali e lo sguardo attento di chi non perde di vista la quotidianità.

A commento di questa miniatura, uno dei più famosi pezzi di Bach: il "Concerto brandeburghese in Sol maggiore n.3 BWV 1048" qui riportato nei suoi primi due movimenti: l' Allegro, rigoroso e insieme scintillante nella sua struttura contrappuntistica, e il brevissimo Adagio che prepara la vivacità dell'ultimo tempo.
Entusiasmante la direzione di Karl Richter impegnato anche come interprete, all'interno di una cornice elegante e fastosa.

Musica al castello, allora!
Buona visione e buon ascolto!

Un Bach tra penombra e luminosità

2011-09-24T13:20:00.024+02:00

Parlavo qualche giorno fa su questo blog di strumenti musicali, osservando - cosa certamente ovvia - che ciascuno di essi ha una propria specificità, un suo timbro, una sonorità particolare che si arricchisce nel dialogo con le altre sezioni orchestrali.

Sotto le mani esperte di un musicista poi, ogni suono può essere diversamente modulato: più dolce o sottile, più potente o aggressivo.
Ma al di là di questo, ogni strumento porta in sè una vibrazione particolare che, come un'onda più o meno intensa, attraversa il corpo dell'esecutore che a tale onda risponde con la propria passione divenendo tutt' uno col suo strumento.
Se c'è questa passione, ogni suono, anche il più lieve, può farsi così avvolgente da rapirci o così luminoso da entrarci nell'anima.
Dal violino al pianoforte, dall'organo al flauto, tutto può operare lo stesso effetto, giungere allo stesso scopo.

Trovo interessante, perciò, ascoltare talvolta lo stesso pezzo eseguito da strumenti diversi per cogliere le svariate sfumature di un'unica bellezza - quella della Musica - simili a sfaccettature differenti di un unico prezioso cristallo.

Per questo, oggi ho deciso di postare il secondo tempo, "Siciliano", dalla "Sonata in Mi bemolle maggiore per flauto e cembalo BWV 1031" di Bach. Il brano infatti, incantevole e famosissimo, nel tempo è stato trascritto per numerosi altri strumenti.
Lo propongo qui in due versioni, quella originaria e una trascrizione per pianoforte: due sonorità diverse, ma anche due differenti letture.
Da un lato, una dolcissima fioritura barocca di modulazioni sul flauto, mirabile coniugazione di limpidezza e rigore, ritmo e luminosità dove il dialogo dello strumento solista col cembalo si articola con delicatezza e precisione.
Dall'altro, lo spessore profondo, quasi romantico (...!) del pianoforte che, nelle battute introduttive, può ricordarci addirittura l'atmosfera densa di penombra di una sonata di Beethoven.
Ma, al di là di questo riferimento, l'esecuzione al piano, col suo tocco dolce e misurato, riporta alla mente anche Mozart, in particolare l'intensissimo Adagio del Concerto per pianoforte K.488 - postato da me tempo fa - che si apre quasi sulla stessa melodia e con lo stesso tempo di 6/8 del pezzo di Bach.

E' la meraviglia degli strumenti - ma certo anche delle diverse interpretazioni - che suscita da un brano suggestioni sempre nuove e ci parla attraverso la magìa dei suoni.

Buon ascolto!

Leggerezza

2011-09-20T21:08:00.004+02:00

L'anno di lavoro è già iniziato, la scuola pure.
Le vacanze, ormai un ricordo lontano se non nel tempo forse già nel cuore, presi come siamo - più o meno tutti - da compiti grandi e piccoli, progetti, incombenze, responsabilità e via dicendo.

E' la vita, è la sua bellezza, il suo sapore.
Ma sapore anche di fatica, certo: conosciamo in tanti quel vortice da cui ci si sente presi quando l'agenda è fitta di impegni, soprattutto se molti di questi non sono lavori da svolgere a cuor leggero, ma fonte di tensione.

Allora, torna ogni tanto il desiderio di leggerezza, non solo come tempo che ci consenta di ricaricarci (....le vacanze sono appena finite!), ma come disposizione del cuore, atteggiamento mentale, sguardo sul mondo.

Ben lontana da superficialità o faciloneria, leggerezza è la capacità di affrontare la vita con un'attitudine sorridente, con quella levità che permette di non lasciarsi imbrigliare dalla rete di quanto intorno a noi può essere negativo.
Bello poter iniziare la giornata con un sorriso che illumini il luogo di lavoro, o con la capacità di ignorare quella battuta dietro la quale sentiamo l'ombra del sarcasmo; o ancora con la consapevolezza di quanta positività esiste negli altri e quanta può fiorire dal nostro operato e dalle nostre relazioni.
Bello poter iniziare la giornata....con l'anima danzante di chi magari persegue un sogno, un po' come "Le jongleur de Paris" di Chagall, riportato qui sopra, dove la figura centrale sembra proprio accennare un lieve passo di danza.

Facile??? No, per nulla!!!
Ma l'arte ci aiuta, perchè maestra di Bellezza e quindi di positività.
Un'immagine o una musica che ci restano dentro con la loro luce rasserenante, creano infatti una sorta di habitat dove la gioia può attecchire più facilmente.

Per questo, ad accompagnarci nel nostro cammino, oggi ho scelto il Primo Movimento della "Sinfonia n.4 in Sol maggiore" di Gustav Mahler.
All'inusitato e giocoso suono di campanelli con cui si apre il brano, segue una varietà di temi che - con ricchezza di sfumature diverse - ci regalano proprio la serenità e la levità di una danza.
Un effetto dato anche dall' organico orchestrale particolarmente leggero e dall'eco di arie popolari intrecciate ad elementi classici.
Contribuisce alla bellezza del brano la direzione di Leonard Bernstein - spettacolo nello spettacolo! - con lo slancio, il garbo e l'eleganza che la contraddistinguono e con cui sottolinea l'intensità o la morbidezza di alcuni passaggi musicali.

(Il video riporta solo la prima parte del pezzo e inizia con una certa lentezza....ma niente paura: Bernstein arriva, e con lui la musica!)

Buona visione e buon ascolto!

Intensità

2011-09-15T13:25:00.019+02:00

Quanto ogni strumento musicale, nella sua specificità, sappia comunicare la bellezza di un suono, è risaputo, così come tutti conosciamo il carattere che conferisce alla musica la particolare voce di ogni sezione orchestrale : dagli archi agli ottoni, dalle percussioni ai legni.
Ogni strumento un timbro, un colore, un'atmosfera. Ogni strumento una sfumatura e un canto: intenso, lieve, acuto o vibrante.

Ma quando a un musicista, nella sua difficile e magica solitudine, è affidato un brano, non sono in gioco solo le sue conoscenze musicali o l'abilità tecnica, ma è coinvolta tutta la sua persona nel diventare una cosa sola con lo strumento così che le note nascano certo dalle dita e dal respiro o dal corretto movimento delle braccia, ma prima di tutto dalla sua passione.

Se poi al solista si accompagna l'orchestra, allora l'effetto si amplia e gli strumenti divengono voci d'anima che dialogano tra loro o riempiono di spessore una melodia creando di volta in volta profondità o leggerezza, delicatezza o intensità.

Proprio l'intensità mi pare la caratteristica più evidente del brano che propongo oggi, sia nelle parti dove i singoli strumenti fanno da solisti, sia dove a loro si affianca l'orchestra nel suo crescente afflato di serenità.
L' "Intermezzo" dalla "Carmen" di George Bizet posto a preludio del terzo atto, è infatti un pezzo di largo respiro che, dal tema iniziale dolcemente enunciato dal flauto con l'accompagnamento dell'arpa, procede poi aprendosi a tutta la compagine orchestrale.
Con ritmo lento e pacificante, la musica sale guidata dalla composta direzione di James Levine, fino a culminare in una limpida apertura di note dalla quale, dopo essere tornata più volte su se stessa, la melodia scende smorzandosi con gradualità.

E mi piace associare lo splendore di questo brano alla suggestione del quadro di Van Gogh riportato sopra :"Campo di grano sotto un cielo nuvoloso".
Certo: l'Intermezzo è una parentesi di luminosità mentre il quadro ci presenta un'atmosfera plumbea. Ma è altro ciò che mi interessa notare.
Al di là della sua collocazione e del suo significato nell'arco della produzione del pittore, trovo il dipinto affascinante per la particolare gradazione dei colori: tinte forti, ma non violente come in altre opere di Van Gogh e pennellate più distese.
Apertura e intensità mi sembrano le cifre più rilevanti di quest'immagine. Qui infatti il verde chiaro e l'azzurro cupo - in contrasto sì, ma sempre nella stessa gamma di colori freddi - aprono una prospettiva verso l'orizzonte dove, proprio come le note del brano, si caricano di progressivo spessore.

E la musica che verso la fine del pezzo riecheggia più volte il tema principale, sembra avviarsi alla conclusione attraversando ogni piccola sfumatura di colore, come le gradazioni del mirabile dipinto.

Buon ascolto!

Undici Settembre

2011-09-11T09:25:00.004+02:00

......"Ma nel cuore
nessuna croce manca

E' il mio cuore
il paese più straziato"

(Ungaretti)

Siano i versi di Ungaretti - ieri davanti al paese di San Martino del Carso devastato dalla guerra, oggi davanti a Ground Zero - a rendere omaggio alla ferita inferta all'America, ma anche ad ogni altro essere umano.

E insieme sia fonte di speranza la Sinfonia n.9 in mi minore op.95 "Dal nuovo mondo" di Antonin Dvorak, nella prima parte del suo dolcissimo Adagio.

Buon ascolto!

"Chi spegne il giorno colora i nostri sogni..."

2011-09-07T18:25:00.005+02:00

L'estate ha lasciato il posto a giornate un po' più fresche e settembre, col suo interregno tra la calura agostana e le prime brume autunnali, ci sta regalando aria trasparente e colori sfumati.

C'è una grande morbidezza in questo digradare della stagione verso l'autunno, una morbidezza che la natura mette in evidenza soprattutto all'alba e sul finire del giorno. A sera in particolare, l'intensità della luce che si smorza ci fa cogliere con maggiore dolcezza quell'istante in cui il sole tramonta e "le cose diventano tutte d'un colore", in attesa di un buio che le avvolga come una tenda leggera e protettiva.

Per questo, mi sembra adatto al momento un canto come "Improvviso" di Bepi De Marzi anche se, forse, non è stato pensato proprio per la fine dell'estate.
Il testo - con tratti di vera poesia - lascia immaginare il calar della sera mentre, nei prati, i fiori chiudono le loro corolle e le ombre scendono a velare i monti di azzurro.
Ma sono ombre che non fanno paura perchè segno della natura che si addormenta vegliata da Chi "conosce i nostri sogni".
E' l'immagine di un mondo che chiude la propria giornata sotto un manto di protezione di cui essere consapevoli e grati ("Dalle contrade si mandano la voce: tutta la valle racconta il nostro bene").
Ci si può abbandonare così alla certezza che Chi ha creato tutto ciò partecipa dal profondo ai desideri dell'uomo arricchendoli di splendore e di speranza ("Chi spegne il giorno colora i nostri sogni").

Sembra quasi di sentire nel testo l'eco del Salmo 19 : "I cieli narrano la gloria di Dio e l'opera delle sue mani annunzia il firmamento...". Ma vengono in mente anche i versetti del Salmo 36: "Il Signore fa sicuri i passi dell'uomo e segue con amore il suo cammino": non un Dio che aspetta al varco l'umanità, ma un padre dallo sguardo sorridente e attento, che si compiace della gioia dei suoi figli per i quali ha creato un cosmo pieno di meraviglie.

"Improvviso" è cantato dal Coro Lux fulgebit di Teolo (PD) che - al di là di qualche inconveniente tipico delle registrazioni live - offre una pregevole esecuzione.

Buon ascolto !

L'ombra che viene azzurra le colline
giù nella valle si chiudono le rose.
Chi spegne il giorno conosce bene il sole,
chi spegne il giorno colora i nostri sogni.

Dalle contrade si mandano la voce:
tutta la valle racconta il nostro bene.
L'ombra che viene azzurra le colline,
chi spegne il giorno conosce i nostri sogni.

L'ombra che viene. Oh........

"Foglie di Beslan" : note scavate nell'abisso del cuore.

2011-09-01T16:13:00.021+02:00

Cade in questi giorni il settimo anniversario della strage di Beslan, massacro avvenuto nel 2004 in una scuola dell'Ossezia del Nord, ad opera di un commando di terroristi che ha lasciato dietro di sè quasi 400 morti di cui 186 bambini.

Non è facile commemorare un simile evento perlomeno a parole. Talora può diventare solo un atto formale che rischia di togliere spessore al nostro dire : capita infatti che, a volte, le parole restino discorsi d'occasione e non riflettano la reale vicinanza dettata dal cuore.
Forse occorre ritrovare il senso della lezione di Ungaretti che, a proposito della poesia - quindi anche del proprio modo di comunicare - scriveva: "Quando trovo / in questo mio silenzio / una parola / scavata è nella mia vita / come un abisso."

Ecco, serve davvero un'espressione che nasca dall'abisso del cuore : non plastica frusta, ma carta filigranata da osservare in controluce per scoprirne la preziosa trama segreta!

Ma credo che questi versi ungarettiani si possano applicare anche alla musica.
Ci sono infatti profondissime vicinanze d'anima che nascono a monte delle parole o delle note, anche se poi di queste si servono. E quando ciò accade, il cuore autentico affiora dallo scritto o dai suoni che regalano veri accenti di poesia.

E' il caso di "Foglie di Beslan", brano di Allevi per pianoforte e orchestra tratto dal cd "Evolution" (2008), che il compositore ha dedicato esplicitamente alle vittime di quella tragedia: note come parole d'amore e di pietà, ma anche ribellione ad ogni forma di violenza, soprattutto quella contro l'infanzia.
Il pezzo si apre sui bassi frementi del pianoforte, simili a un tuono lontano che annuncia il temporale, a introdurre il tema del brano: un'aria di struggente malinconia.
Questa è poi ripetuta più volte : ora sommessa e dolce - pianto, invocazione e ninna-nanna ad un tempo - dove alla delicatezza dello strumento solista risponde l'intensità dell'orchestra con straordinari "pianissimo"; ora pervasa da ritmi più forti e martellanti.
Una serie di passaggi di tonalità - peraltro frequenti nella scrittura musicale di Allevi - conferisce infatti sempre maggiore drammaticità al brano, quasi il compositore avesse immaginato una strage degli innocenti simile a quella di Guido Reni riportata nella foto, intrisa di violenza e ferocia, dolore e compianto.

Tuttavia non è solo il ricordo della tragedia in queste note, ma un intero mondo di affetti che qua e là affiora con l'eco lontana di cantilene e giochi, come un abbraccio pietoso a nascondere l'orrore.

Significativo anche il titolo che, con l'immagine delle foglie, suggerisce il senso di una fragilità spazzata via dal turbine dell'uragano ma allo stesso tempo fatta di tenerezza, come sola può essere la piccola esistenza di un bimbo.

Buon ascolto!

Sesto grado

2011-08-25T11:05:00.014+02:00

Come si fa a parlare....
Ci sono eventi di fronte ai quali manca il respiro e il cuore salta un battito, come in alta montagna quando l'aria diventa rarefatta ma in compenso il panorama è mozzafiato.

Ogni parola sembra superflua, un inutile girare intorno a una realtà che non ha bisogno di commenti ed è tanto grande che in fondo ci sfugge.
Eppure...
Eppure va ricordata perchè ci resti dentro scolpita come le rocce che si stagliano verticali e taglienti contro il cielo terso.

Ma non mi sto riferendo a una scalata in parete, sto parlando invece di ciò ho letto ormai giorni fa, sulle pagine di un quotidiano : le parole di perdono di quella mamma di Sovico, Carolina Cenzato, alla quale è stato ammazzato il figlio diciottenne in una rissa, una delle tante risse estive col morto alle quali purtroppo le cronache ci hanno abituato.
Ne riporto due stralci, perchè non si perdano nel vortice delle notizie:

"Abbraccio il ragazzo che mi ha tolto mio figlio, e abbraccio i suoi genitori in attesa di un incontro con loro perchè, alla fine di tutto, il bene deve vincere. Sempre......"
".....Dobbiamo avere la forza di tornare a casa e dimenticare ogni rancore, cercando di essere più umili, di non offendere nessuno e di offrire sempre ad ogni uomo la possibilità di rialzarsi e di ricominciare."

Parole semplici, di perdono e solidarietà nel dolore che si accendono come un faro d'intensissima luce nello sfascio della nostra convivenza.
Una mano tesa all'altra famiglia - quella dell'uccisore - devastata da un dolore forse non meno cocente.

Parole che testimoniano la capacità non comune di scalare il sesto grado dell'Amore, appunto come una di quelle pareti che lasciano col fiato sospeso, ma offrono poi una visuale di incredibile bellezza.

Non aggiungo altro. Non voglio e non posso. Nessuno che non abbia vissuto lo strazio per la morte di un figlio può addentrarsi in questo dolore.
Lascio spazio invece alla musica col brano, grandioso e dirompente, che apre la "Passione secondo Matteo BWV 244" di Bach.

Siano le note del compositore più eccelso, attraverso la rigorosa e misurata direzione di Karl Richter (e per favore, all'inizio del video, guardategli le mani, mani che parlano!...), a rendere omaggio alla luminosa speranza che queste parole spalancano davanti a tutti noi con la loro volontà di bene.

Buon ascolto!

Agosto

2011-08-20T11:01:00.066+02:00

Il mese di Agosto, così come ci viene presentato nella miniatura del fratelli Limbourg, ci regala un quadretto particolarmente luminoso sia per l'intensità del blu - caratteristica peraltro comune a tutte le immagini del Ciclo dei Mesi e del libro d'ore da cui è tratto - sia per il contrasto col bianco del cavallo in primo piano.

Qui gli autori hanno creato una rappresentazione decisamente completa, raffigurando sia scene di vita cortese che attività del mondo contadino, senza dimenticare poi il castello sullo sfondo.
Davanti a noi infatti, un piccolo corteo principesco - in cui ammantato di blu compare il Duca de Berry - si sta dedicando ad una delle attività preferite dalla nobiltà del tempo : la caccia col falcone, simbolo di ricchezza e raffinatezza. Notiamo appunto sulla destra il falconiere e dietro a lui l'elegantissimo seguito descritto in modo non convenzionale poichè, a ben guardare, ogni cavaliere è colto in atteggiamenti diversi.

In secondo piano, un corso d'acqua attraversa la campagna e si allarga a formare una conca dove diverse figure stanno facendo il bagno. Sempre qui, sono rappresentati poi i lavori agricoli corrispondenti al mese nelle loro varie fasi e infine, sullo sfondo, il castello di Etampes.

Come di consueto, l'immagine riflette un quadro di vita ordinato e realistico, dove ogni attività è serenamente sottoposta ai ritmi della natura ed è l'avvicendarsi delle costellazioni a regolare lavori e svaghi, feste e rituali.
Al di là delle varie occupazioni descritte infatti, non è da perdere di vista la lunetta che sovrasta e conclude il quadretto, dove la puntuale annotazione della posizione del carro del sole, dei segni zodiacali e il blu che si fonde sempre con quello della scena sottostante, altro non sono che riferimenti ad una realtà superiore che tutto presiede e governa, secondo una visione ancora squisitamente medioevale, benchè siamo già all'inizio del Quattrocento.
Ed è anche tale particolare aspetto a conferire alle scene rappresentate un gran senso di serenità e di pace.

A commento di questa immagine, la ballata inglese "Scarborough Fair" nella famosissima interpretazione di Simon and Garfunkel. Si tratta di un brano che riprende un'antica melodia del Seicento forse di origine scozzese, della quale esistono numerose versioni.
La fiera di Scarborough cui il pezzo si riferisce era una delle più frequentate esposizioni commerciali del Medioevo che iniziava proprio nel mese di Agosto in corrispondenza della festa dell'Assunta e proseguiva per ben quarantacinque giorni.

Lo stile folk della ballata e il testo che gli autori hanno attinto al patrimonio popolare e poi rielaborato, ne fanno - anche a distanza di anni - una pagina sempre affascinante.

Buon ascolto!

"So dove l'erba nasconde la rugiada..."

2011-08-12T10:40:00.013+02:00

Contemplare la natura, immergersi in essa fino a sentirsene parte riconoscendosi "docile fibra dell'universo" è un miracolo che il cuore dell'uomo cerca dal profondo, talora affannosamente.

Il brano di Bepi de Marzi che propongo qui oggi, intitolato "Cantare", è una pagina di poesia in parole e musica che scende nell'anima a farci cogliere proprio l'angolo segreto in cui nasce la contemplazione della natura e da cui - insieme alla gioia - sgorga il desiderio dolce e irrefrenabile di condividerla attraverso il canto.

Il pezzo, simile nel ritmo ad altri brani dello stesso autore, è tuttavia originale per i frequenti cambi di tonalità che ne costituiscono uno degli aspetti più moderni e suggestivi.

Dedicato a tutti, ma in particolare a chi - magari pervaso da ansia - anela a ritrovare quella pacificante comunione con la natura che rasserena e dissolve ogni tensione, il brano alleggerisce e dilata il cuore restituendoci un po' di quello spazio segreto dove vive la Bellezza increata.

Riporto qui di seguito il testo che sembra costruito proprio per un musicista: chi infatti, meglio di un compositore, può dire di conoscere i luoghi segreti della natura dove si genera la Musica?

Buon ascolto!

"So dove l'erba nasconde la rugiada;
so dove i grilli accordano i violini;
so dove il vento si ferma quando trema;
so dove nasce la voglia di cantare.

Ma dove l'erba tiene la rugiada,
ma dove i grilli suonano i violini,
è dove il vento tace quando trema,
è dove il vento preme per cantare.

So dove l'erba nasconde la rugiada;
so dove i grilli accordano i violini;
è dove nasce la voglia di cantare."

Fantasia veneziana

2011-08-05T09:50:00.009+02:00

Quando ero adolescente e talvolta la sera non riuscivo subito a prender sonno, così per gioco immaginavo di perdermi a Venezia.
Nella mia fantasia, calli e campielli si aprivano davanti a me e m’inoltravo in essi fino a smemorarmi, a smarrirmi, fino a perdere la via del ritorno.
Abbandonato ogni pensiero, dimenticati compiti, occupazioni e soprattutto la dimensione del tempo, m’immergevo nell'affascinante magìa della città come si fa con un’onda che ci sovrasta.

Ed era una Venezia crepuscolare quella che mi attirava, talora decadente e un po’ sfatta: non era la solarità di piazza S. Marco a venirmi incontro, erano invece certe atmosfere presaghe di morte, la muffa sui muri a fior d'acqua, la malinconia di certi sestieri o di alcuni angoli vicini alle Fondamenta Nuove o all’Arsenale militare.
Avevo visto “Morte a Venezia” e “Senso” di Visconti e mi ero riempita la fantasia di tutto ciò che di sottinteso vi era in quella Venezia talora solo accennata, eppure così presente che la si poteva respirare.

Oppure la sognavo per nascondermici, fuggire, far perdere le mie tracce.
Contrariamente a quella che forse è la realtà, ho sempre pensato che sia facile nascondersi in una città come Venezia.
Immaginavo di essere inseguita e dileguarmi nel dedalo di calli, campi, campielli e sottoporteghi, alcuni così stretti da non consentire il passaggio di due persone insieme; poi attraversare una piazzetta con un albero, una vera da pozzo e una cortina di case simili a un fondale di teatro, costeggiare un rio, passare sotto festoni di biancheria stesa o vicino all’arco sbreccato di una bifora....

Non avevo mai un luogo preciso in cui approdare, ma la mia immaginazione vagava tra gli angoli più riposti e suggestivi: coglievo qualche riflesso di luce nei canali, il romanico dei campanili che vi si specchiavano, il breve inarcarsi dei ponti sopra i rii o l’aprirsi luminoso del Campo dei Miracoli dove le specchiature marmoree della chiesa si dilatano come un gioiello che appare di sorpresa, tanto più prezioso quanto più semplice è la custodia.
Era la Venezia povera che mi attirava, non quella pomposa e pure fatiscente di alcuni palazzi sul Canal Grande: non sarei andata a rifugiarmi tra le prospettive a cielo aperto del Tiepolo, né tra le cupe ombre rossastre o i lampi di luce del Tintoretto. Non so perché.

La vera anima della città per me non è mai stata quella gotica e infiorettata del Palazzo ducale e neppure quella barocca e fastosa della Madonna della Salute. Ma quella sommessa dello sciabordìo dell’acqua nei canali o dei motori rauchi dei barconi.

Non la Venezia tradizionale dove girare teneramente allacciati come due innamorati che abbiano perso l’ultimo treno, ma quella che odora di morte e disfacimento, di fatica e di nebbia, dove l’eternità della bellezza s’intreccia alla segreta consunzione del tempo.

E’ l'immagine che vidi una volta dal vaporetto, tornando da Torcello : un profilo grigio nelle brume del crepuscolo contro il rosso del tramonto autunnale, un miracolo di splendore a fior d’acqua in precario equilibrio tra cielo e abisso.
Penso sia proprio d’allora che Venezia mi è rimasta dentro come “possesso per l’eternità”, luogo segreto dell’anima a cui riandare con la memoria per l’atmosfera straordinariamente simile alla nostra vita: un dondolìo leggero nel riflesso del sole sull’acqua, un’immagine che per un attimo vi si specchia luminosa e poi lievemente si dissolve “cullata e / piano / franta”.

Impossibile non dedicare a Venezia un brano di Vivaldi.
Dal "Concerto a due cori RV 585" propongo l' Allegro iniziale, ma soprattutto la struggente malinconica bellezza dell' Adagio col suo sapore di crepuscolo, col suo respiro lento simile allo sciabordio delle onde e a tratti luminoso come il riflesso dell'acqua nei canali.

Buon ascolto!

Luglio

2011-07-29T11:20:00.012+02:00

L'immagine che ci regala Luglio, nel "Ciclo dei Mesi" dei fratelli Limbourg, torna all' iconografia che abbiamo già ammirato in Marzo e Giugno con la rappresentazione dei lavori agricoli in primo piano.

L'immagine che ci regala Luglio nell'ambito del "Ciclo di Mesi" dei fratelli Limbourg torna all'iconografia che abbiamo già ammirato in Marzo e Giugno con i lavori agricoli in primo piano.

Si tratta questa volta della mietitura del grano e della tosatura delle pecore, illustrate come di consueto con grazia e ricchezza di particolari.

Il quadretto ci presenta una figura maschile e una femminile che tosano le pecore mentre, al di là di un corso d'acqua, altri due contadini sono impegnati nella mietitura di un campo.
Sullo sfondo, biancheggia un elegante castello con le torri stagliate contro il cielo il cui colore sfuma dall' azzurro chiaro alla consueta tonalità di blu intenso della lunetta.

Come al solito, si tratta di una rappresentazione ordinata e serena, ricca di particolari realistici e di verosimiglianza, come pure - in questo caso - di qualche aspetto un po' immaginifico: se infatti il castello raffigurato è quello di Poitiers, i due monti che gli s'innalzano a lato sembrano frutto della fantasia e riproducono un'iconografia piuttosto convenzionale.

Ritroviamo la precisione però in tutti gli altri elementi: dalla riproduzione degli abiti nei loro dettagli, al contesto naturalistico nel quale scopriamo una fila di papaveri e fiordalisi che occhieggiano in mezzo alle spighe, piante palustri in riva al corso d'acqua e, in basso a sinistra, addirittura i cigni.
Anche la prospettiva è ben individuata dal campo di grano posto in diagonale come il corso d'acqua, mentre il castello di forma triangolare sembra chiudere la visuale e immediatamente riaprirla, con i lati obliqui, verso l'orizzonte.

A commento di questa immagine, ancora una volta un brano di Respighi in cui il compositore rielabora antiche melodie.
Si tratta della Suite N.1 da "Antiche arie e danze" che, a confronto con i pezzi postati in precedenza (l' Italiana e la Siciliana dalla Suite N.3), si carica di maggiore vivacità e ritmo.

Buon ascolto!

"Lascia ch'io pianga..."

2011-07-25T11:15:00.062+02:00

Tira vento, stamattina, il vento di una perturbazione che - se ha abbassato le temperature e alleggerito l'afa in pianura - ci sta però riservando giornate praticamente autunnali e freddo in montagna.

Eppure, al di là del disagio che per tanti aspetti ciò può riservare, è il regalo quotidiano della natura: siamo sempre sotto lo stesso cielo, ma ogni giorno è nuovo, con le sue sfumature di luce o di foschìa, la sua opacità e la sua trasparenza, la calma o il soffio del vento che ci offre un altro ritmo, un differente respiro.
E' sempre lo stesso cielo, ma ogni stagione ha la sua carezza e le sue spine, come un suono diverso a cui intonare la nostra giornata.

Così è anche con la musica: anche le note ci regalano il sereno, la brezza o il temporale. In fondo sono solo sette, ma interpretate dallo spirito umano nelle mille coniugazioni della Bellezza, ci conducono dalla terrena semplicità alle soglie dell'Infinito.
Nel tempo infatti, compositori di ieri e di oggi attraverso le note hanno espresso tutta la gamma dei sentimenti, creato atmosfere e scavato abissi insondabili nel cuore di chi ascolta. La musica è stata ed è grido, protesta, lamento, trionfo, esultanza e si è arricchita di tutte le sfumature della gioia come della sofferenza. Ma soprattutto ha dato voce a se stessa facendosi interprete di ciò che a parole è ineffabile.

Ed è un accorato lamento di dolore il brano che propongo oggi, un pezzo che, a mio avviso, raggiunge le vette di una bellezza sublime.
Si tratta della famosa aria "Lascia ch'io pianga" dal "Rinaldo" di Haendel con cui - al di là del significato che essa riveste nel contesto dell'opera - desidero ricordare due dolorosissimi eventi di questi ultimi giorni che mi hanno colpito più di ogni altra cosa: l'attentato in Norvegia e la morte della cantante Amy Winehouse.
Due eventi, certo, diversissimi tra loro: il primo, una spaventosa strage che ha precipitato di colpo nell'orrore, nella precarietà e nella paura un paese civile e tollerante, sempre vissuto in una compagine di serenità; il secondo, la scomparsa a soli 27 anni (inquietante coincidenza con la morte di altre famose rockstar) di una straordinaria voce nel cuore di una giovinezza ormai irreparabilmente "dannata".

Eventi diversi, appunto, ma che suscitano entrambi una pena immensa.
Ad essi, il ricordo, l'omaggio e il compianto attraverso le note di Haendel.
E insieme al testo, sia la musica a parlare, nel suo profondissimo anelito d'Infinito!

Buon ascolto !

Sentieri bachiani

2011-07-20T16:42:00.004+02:00

Amo molto le Allemande di Bach, in particolare quelle delle "Suites francesi" e delle "Partite per clavicembalo".
Qualcuna - da principiante quale sono - tento anche di suonicchiarla ed è bellissimo vivere la musica dall'interno, avviandosi per un itinerario che riserva sempre delle sorprese.

Con Bach spesso mi sembra di entrare in un bosco: è un autore di tali proporzioni che il cammino, per quanto rigoroso e coerentissimo con se stesso, risulta sempre inedito e conduce per una varietà inimmaginabile di paesaggi e sfumature.
E' come percorrere uno di quei meravigliosi sentieri di montagna dove la visuale cambia quasi ad ogni tornante: ora ci s'inoltra nel folto di un'abetaia, ora si scende in riva a un torrente, ora ci s'innalza fino a vedere scorci del ghiacciaio lontano o si riposa lo sguardo in una verdissima radura.
Anche colori e luci mutano in continuazione, col sole che suscita riflessi nel fogliame e regala un'aura dorata soprattutto nel pomeriggio.

Ma non tutto si scopre subito: occorrono calma e attenzione per cogliere anche la più piccola sfumatura.

Come nella piccola foto in alto: se la si vede dall'esterno non dice molto, ma se la s'ingrandisce e ci si addentra nel bosco, un mondo di particolari affiora alla vista: colori, contrasti, ombre che definiscono lo spazio, rocce che segnano il percorso, angoli, anfratti che - diversamente - resterebbero nascosti allo sguardo.

Così è in Bach, in particolare nella splendida Allemanda della "Partita N.4 in Re magg. BWV 828" che oggi propongo: un lungo brano dolcemente articolato, dove il compositore ci precede sul sentiero e pure cammina con noi accompagnandoci attraverso una ricca sequenza di passaggi.

Come un sentiero in cui penombra e luce si alternano e talora quasi si fondono, così la musica sfuma continuamente dal tono maggiore al minore esplorando una variegata gamma di temi che s'intrecciano fiorendo l'uno dall'altro, pacatamente.

Anche se al clavicembalo ci sono pregevoli interpretazioni come quella di Trevor Pinnock, ho preferito postare qui quella di Murray Perahia al pianoforte perchè conferisce a questo brano particolare morbidezza.

Buon ascolto!

"Trovare l'alba dentro l'imbrunire..."

2011-07-14T11:05:00.013+02:00

Giovedì mattina, ore nove: contemplo il panorama che mi riserva l'angolo di montagna in cui mi trovo in vacanza.

Dall'alto vedo il paese, i prati, le abetaie e il ripido pendio sotto di me dove sono cresciuti cespi di rosa selvatica e qualche epilobium.

Nel Duemila, qui c'è stata un'alluvione che ha dissestato la zona modificando in parte la morfologia della vallata.

Dove ora fiorisce la rosa canina, una frana di vaste dimensioni aveva portato via tutto. Con la loro tipica costanza però, i valligiani non si sono lasciati piegare e hanno realizzato grandi opere di canalizzazione delle acque. Così ora, sul pendio dove il terreno era stato devastato, la vegetazione è tornata a fiorire.

Mentre mi guardo intorno, penso e spero che possa essere così per tante altre cose fuori e dentro di noi.
Non tutto si può ricostruire, tuttavia credo che ciò che spesso ci fa tornare alla vita sia un'incrollabile, indistruttibile capacità di pensare di nuovo in termini di futuro, vedendo la strada aperta davanti a noi. E se non c'è, sognandola, anche quando - come accade il più delle volte - è difficile.

E mi viene in mente proprio stamattina una frase di "Prospettiva Nevskj", la canzone di Battiato che amo di più tra quelle del cantautore siciliano.
Conosciamo tutti questo suggestivo affresco della Russia degli anni immediatamente successivi alla rivoluzione d'ottobre, affresco incentrato sulla Prospettiva Nevskj, l'arteria principale di San Pietroburgo-Leningrado.

Il testo, quasi un collage di immagini che in pochi tratti dipingono un'epoca, è un quadro in cui tradizioni e novità si fondono: le guardie rosse, le vecchie coi rosari, il vento gelido, la danza, la musica, il cinema, le nuove generazioni col loro desiderio di esprimersi.

Infine quelle parole : "E il mio maestro m'insegnò com'è difficile trovare l'alba dentro l'imbrunire."

Ecco: "trovare l'alba dentro l'imbrunire" è la frase che mi affiora dentro stamattina nel vedere queste rose selvatiche, povere e tenaci nella loro bellezza.

Certo le parole della canzone forse avevano un significato più profondo come la ricerca di una luce di vita al di là dell'imbrunire (la morte), o forse alludevano alla situazione politica della Russia di allora.

O, più semplicemente, si riferivano al fenomeno delle "notti bianche" di San Pietroburgo: al fatto cioè che all'inizio dell'estate, per la particolare latitudine della città, le ore di luce sono tanto lunghe che il tramonto si confonde quasi con l'alba ed è difficile cogliere il momento in cui il sole smette di calare e inizia a sorgere.
Tuttavia la frase lascia spazio a interpretazioni più ampie, come tutti i testi che ci restano dentro e poi riaffiorano misteriosamente intrecciati alla nostra vita.

Sì, è difficile trovare il punto in cui nel cuore della notte - qualunque essa sia - inizia a baluginare la prima luce dell'alba. E' duro, ma esserne consapevoli aiuta a restare in silenziosa attesa, a rinverdire tacitamente la ricerca e la speranza : l'alba c'è e arriva di sicuro.
Me lo dicono questi cespi di rose selvatiche e questo epilobium, nella loro semplicità e nella tenacia con cui stanno abbarbicati ad un pendio o si sono fatti strada in mezzo ai sassi.

Buon ascolto, con la straordinaria voce di Alice!

Quando la musica riscatta l'uomo

2011-07-08T11:20:00.006+02:00

Già in altra occasione, mi è capitato di osservare quanta importanza rivesta in un film la colonna sonora.

Parlavo della sua capacità di commentare scenari e sentimenti servendosi della comunicazione piena delle note e facendosi portavoce di ciò che parole e immagini non arrivano a dire.

A tale scopo, ci sono splendide musiche create proprio per il cinema - basti ricordare il grande Morricone - ma anche tanti pezzi classici opportunamente inseriti in parecchi film, talora nelle loro versioni originali o più spesso rielaborati in qualche arrangiamento.
Da Mahler a Brahms, da Bach a Haendel, da Mozart a Beethoven, molte pellicole si sono avvalse per la loro colonna sonora - o anche solo per alcune parti di essa - di brani classici, non ultimo "Il discorso del re" di cui ho parlato in un recente post.

E' a questo proposito che voglio ricordare "Platoon" ritrasmesso in tv sere fa, film famosissimo che ripercorre la vicenda americana in Vietnam e nel quale - sulla scorta della propria esperienza personale - il regista Oliver Stone sfronda l'illusione del "sogno americano" mostrandoci una realtà cruda, violenta, disincantata, durissima.
L'entusiasmo idealistico del protagonista, il volontario Chris Taylor, si scontra infatti con un contesto disumano, fatto di massacri, soprusi e dissidi anche all'interno dello stesso plotone fino al tragico epilogo.

Devo ammettere che non amo in particolare questo genere di film, ma rivedere "Platoon" stavolta mi ha consentito di apprezzarne meglio non solo la costruzione narrativa, ma anche alcune parti della colonna sonora.

E' lo splendido "Adagio for Strings" di Samuel Barber - compositore classico statunitense vissuto nell'arco del Novecento - che, a mio avviso, ha un peso significativo all'interno della pellicola e soprattutto nel finale, restituendo umanità ad un contesto esistenziale devastante.

La sua melodia sembra infatti uno sguardo di pietà che si stende su di una vicenda intrisa di orrore, come se l'abisso della miseria umana e dell'abiezione contenesse implicita un'invocazione di riscatto.

Si tratta di un brano intenso, che valorizza splendidamente il messaggio della sequenza conclusiva e ci fa sentire che dal nemico che "è dentro di noi" esiste davvero una via di salvezza, nel nome della bontà, della salvaguardia della propria anima e della ricerca di senso all'esistenza.

E mi pare significativo che questo Adagio sia stato successivamente rielaborato dall'autore inserendovi la parte corale e facendone un "Agnus Dei" di rara bellezza.
Proprio questo è il brano che oggi propongo qui in un video che lo riporta però solo parzialmente. Ma tra le varie interpretazioni offerte da youtube mi è parsa la più suggestiva.

Buon ascolto!

"Abbracciami" : se la musica è specchio dell'anima.

2011-07-03T09:25:00.002+02:00

Vi è mai capitato di riconoscervi in una fotografia?
Certo che sì - mi direte - che domande!
Ma non sto parlando di riconoscimento esteriore, bensì interiore.
Intendo dire se vi è mai capitato di "ritrovarvi", di sentire che il vostro cuore è davvero rispecchiato da quello sguardo o da quella postura o dal gesto in cui siete ritratti.

Succede, a volte, ed è bellissimo.
Magari sono foto vecchie, di quando eravamo bambini, ma è meraviglioso riscoprire nel fondo degli occhi quella luce che ci anima anche adesso: è un sorridente ritrovarsi che ci riconduce ad unità o che talora ci fa scoprire di noi cose che non credevamo.

A me è capitato significativamente un paio di volte: la prima con una foto di quando ero bambina e la seconda con una più recente, due anni fa. Vale la pena raccontare qualcosa di quest'ultima.

Luglio 2009 : sono a un concerto con alcune amiche. La serata trascorre piacevolmente e prima di salutarci una di loro scatta una foto al nostro gruppetto. Dice però che la manderà più avanti, ora ha il computer guasto. Va bene.
Poi me ne dimentico.

Passa circa un mese e sono già in vacanza, ma è un periodo strano: qualcosa non gira, fatico a ritrovarmi, sono interiormente sfasata, colta da mille dubbi su tutto a cominciare da me.

Poi, una sera accendo il computer e arriva la foto. Toh!... l'avevo proprio scordata.
La guardo, siamo in quattro: due mie amiche, la splendida figlia di una di loro ed io. Mi guardo....io quella ???....Davvero ???
E resto sorpresa perchè, anche se l'immagine - che risale al 10 luglio e avevo appena finito gli esami di maturità - mi ritrae sbattuta, pallida, insomma....uno spaventapasseri, i miei occhi però sorridono e dalla mia espressione affiora un'incontenibile gioia!

Ma sono proprio io quella??? Mi osservo: vero...sarò pure uno spaventapasseri, ma raggiante di felicità!
E' come se una vocetta interiore mi dicesse: "Vedi?...Scopri chi sei nel profondo e non farti ingannare dalla tua parte oscura! Puoi attraversarla con tranquillità, senza lasciarti impaurire dalle sue ombre!".
Ed è un gioioso ritrovarmi, riscoprirmi capace di sorriso come se finalmente i lembi del mio tessuto interiore tornassero a combaciare. Potenza di una semplice immagine!

Ma ci sono anche altri mezzi che possono portare alla luce la nostra interiorità in maniera più o meno nitida, l'arte ce lo insegna e in particolare la musica.
Il brano di Allevi che posto qui oggi intitolato "Abbracciami", dal recentissimo "Alien", a mio avviso s'inserisce bene in questo discorso perchè - forse più ancora di ogni altro pezzo di questo cd - apre un varco verso l'anima del compositore, come se le note fossero proprio specchio della verità che portiamo nel profondo.
In questo profondo, infatti, il brano si addentra con crescente intensità e si accende d'impetuosa irruente passione, alternando momenti segnati da fortissimi vibranti bassi e concitati cambi di tonalità, ad altri di delicata struggente dolcezza.

E se per un compositore "riconoscersi" significa scoprire di essere stato fedele alla propria ispirazione, penso che qui Allevi - riascoltando le sue note - potrebbe a buon diritto affermare di avere spalancato il cuore alla Musica.
In totale sconvolgente trasparenza.

Buon ascolto!

Moltiplicare la gioia

2011-06-29T20:20:00.004+02:00

Ancora Bach ???
Sì, ancora!!!
Ho una bella riserva di brani che attendono dentro di me "in gioiosa lista di attesa" - come ho già scritto tempo fa - e mi urgono nella testa e nel cuore.
E' come se venissero a bussare alla mia porta, a volte in modo discreto e sommesso, ma altre in maniera più insistente chiedendo di essere condivisi.
Oggi Bach insiste e la richiesta si fa pressante.

Fuor di metafora, intendo dire che la gioia che mi regala la musica non è solo quel tipo di godimento tranquillo e riservato per cui accendi lo stereo (o l'ipod), ti metti in poltrona, infili le cuffie e ti lasci beare dalle note in perfetta solitudine. Sì...magari anche quello!

Ma la Bellezza, quando è proprio con la maiuscola, chiede di per se stessa di andare per il mondo ed essere condivisa perchè è viva e ti lavora l'anima come qualcosa di vivo.
Così, anche la musica - come ogni altra forma di arte - se ti colma il cuore non può restare solo tua, ma trabocca e dilaga verso gli altri come le acque di un torrente impetuoso e vivace.

Il blog diventa allora un utilissimo strumento che consente di metterla in rete, farla volare ad amici e sconosciuti perchè - se vogliono - se ne possano nutrire anche solo per poco.
Ed è un condividere che, in realtà, non divide affatto ma moltiplica l'onda del nostro sentimento e ne accresce l'intensità per la gioia di averlo messo in comune.

Il brano di oggi, il Preambulum dalla "Partita n.5 in Sol magg. BWV 829" di Bach, è uno di quei pezzi (tanti!...) che mi fanno coltivare nel profondo il desiderio (folle per le mie capacità di principiante...) di imparare a suonarlo.
E' dall'interno infatti che la musica rivela la sua segreta magìa. Ascoltare va benissimo, ma suonare....è un'esperienza divina! E' entrare nella melodìa e assaporarne tutto il gusto, anche nella più piccola frase musicale.

In questo Preambulum che apre la Partita in modo più vivace ed energico del classico preludio, la bravissima interprete sfrutta in pieno la sonorità del pianoforte per far fiorire tutta l'espressività degli arpeggi bachiani. Ma nella velocità dell'esecuzione, sottolinea meravigliosamente anche i bassi che segnano e costruiscono il discorso ritmico.

Buon ascolto!

Un Bach quasi a passo di danza

2011-06-24T21:10:00.003+02:00

Si avvicina a grandi passi la fine di giugno e, per chi può, l'inizio di un periodo di vacanza.
Inutile dire che, per tanti, quella delle ferie è un'attesa sempre piena di gioia, anche se la vigilia della partenza talora diventa una giornata campale, con mille incombenze da sbrigare prima di andarsene tranquilli senza aver dimenticato niente.

Ma poi, una volta via, si riesce - come si suol dire - a "staccare la spina" ?
Confesso che, fino a quando lavoravo, ho sempre fatto molta fatica: non credo di esagerare se dico che mi serviva almeno una settimana di decompressione, durante la quale affioravano tutti i malesseri e i malumori del mondo, quasi fosse lo scotto da pagare dopo un anno di lavoro che, se per certi aspetti era appassionante, per altri aveva ritmi convulsi.
Era stress che doveva uscire, mi dicevano.

Poi, una mattina mi svegliavo e all'improvviso stavo bene: il cielo azzurro era azzurro e il sole era il sole, nel senso che - finalmente - ero capace di goderne con la semplicità di chi riesce a vivere il presente in pienezza, senza sentirsi trascinato indietro a rimuginare il passato o già ansiosamente proiettato in avanti a preoccuparsi del futuro.
Godere il presente e basta, ecco la vera vacanza! Senza affannarsi, però, nè strafare col rischio di rientrare più stanchi di prima. Una vacanza infatti dovrebbe ritemprare anche lo spirito, donare tranquillità e distensione, restituire calma e leggerezza.

Così, a chi va in ferie auguro di potersi staccare, una volta tanto, dai rumori e assaporare invece l'incanto dei suoni: dalla voce del silenzio - magari il silenzio che si vive in montagna, rotto solo dal fragore di una cascata o dal soffio del vento - a quella della musica.
Per questo, ho postato la foto in alto, perchè mi riporta alle vacanze e al fascino del silenzio: cliccateci sopra, s'ingrandisce e vi potrete distendere sul verde dell'erba, sentirne il tocco di freschezza, contemplare in perfetta solitudine la pace della radura più lontana e poi levare lo sguardo verso le cime.

Per questo, ho postato uno straordinario Bach, un brano che dilata l'anima e le consente di riacquistare un respiro più sereno, riprendere un ritmo più disteso, ricongiungersi in pieno al nostro essere.
L'Adagio dal "Concerto per violino e oboe BWV 1060" si snoda infatti come un canone le cui voci si susseguono lente, inanellandosi quasi a ritmo di danza, in un incantevole dialogo tra i due strumenti solisti.

E' questa musica - insieme con la foto - il mio augurio per chi nei prossimi mesi partirà, ma anche per chi resterà a casa: basterà contemplare l'immagine e aprire l'audio del computer; o starsene ad occhi chiusi custodendo tutto nell'anima e lasciando che quel ritmo ci pervada, prima nel respiro, poi nella pulsazione del cuore e nel sangue, finchè non saremo totalmente portati dalle note.

Buon ascolto!

Colonne sonore

2011-06-18T22:00:00.004+02:00

Non amo molto andare al cinema, ma da un paio d'anni a questa parte ho fatto l'abbonamento a una videoteca proprio vicino a casa. Così, ogni tanto, prendo un dvd e me lo guardo.

L'ultimo, una quindicina di giorni fa, è stato "Il discorso del re" diretto da Tom Hooper, protagonisti Colin Firth e Geoffrey Rush insieme a un cast di altri notevoli attori tra i quali la brava Helena Bonham Carter.
Il film, uscito lo scorso anno riscuotendo grande successo, ripercorre una singolare pagina di storia della monarchia inglese: i problemi di balbuzie del re Giorgio VI e la nascita del suo rapporto di amicizia col logopedista che lo aiuterà a superare tale difficoltà.
Splendidi i due protagonisti peraltro già famosi per aver interpretato notevoli ruoli sia leggeri che drammatici. Ricordiamo per esempio Geoffry Rush nel famosissimo "Shine", dove ha dato vita alla figura del pianista David Helfgott da adulto.

Ma torniamo al film. Al di là di qualche lentezza narrativa e di un paio di figure minori a mio avviso poco convincenti, l'ho trovato decisamente apprezzabile per la straordinaria bravura dei due attori e per la sceneggiatura che scava nel cuore dei protagonisti alla ricerca della loro umanità. Tant'è vero che, superando incertezze, contrasti e soprattutto la gabbia dei ruoli, riescono a stabilire un'autentica relazione di amicizia.

Non sta a me, tuttavia, fare qui la recensione del film che presenta diversi piani di lettura e di cui è già stato detto tutto dalla critica.
Vorrei invece sottolineare un aspetto che riveste non poca importanza nel valorizzare ogni tipo di pellicola: la colonna sonora, strumento che parla senza parole, sottolinea, interpreta, crea spessori e profondità, completa discorsi e immagini.

Mi sembra interessante notare che qui l'autore delle musiche, Alexander Desplat, ha lasciato largo spazio anche a pezzi classici.
C'è Mozart con l'Ouverture da Le Nozze di Figaro e il Concerto per clarinetto K.622 ma, a mio avviso, vero colpo d'ala è Beethoven: scelta assolutamente magistrale è infatti il commento alla scena conclusiva - il discorso del re alla nazione - affidato prima all' Allegretto della Settima Sinfonia e, proprio sul finire, all'Adagio del Concerto "Imperatore".

L'Allegretto infatti, con le sue battute prima sommesse e via via più incalzanti, col suo ritmo uguale e ripetuto di un dattilo e uno spondéo, conferisce alla sequenza spessore e intensità, e ben sottolinea il gioco dei due volti, dalla tensione di Colin Firth all'espressione pacata e autorevole di Geoffrey Rush.
Così pure, dona particolare solennità l' Adagio del Concerto n.5 op.73 "Imperatore", pagina grandiosa e soave ad un tempo, che nella scena finale del film viene però eseguita solo in parte e che ho riportato qui integralmente, in tutta la magnificenza di una splendida esecuzione.

Ultima nota: interessante che, per commentare il discorso in cui il re inglese annuncia la dichiarazione di guerra ad Hitler, sia stata scelta la musica di Beethoven, tedesco e nemico di ogni potere assoluto: un duplice tocco d'ironia!

Buon ascolto!

Giugno

2011-06-16T17:50:00.009+02:00

Si avvicina il solstizio d'estate e con l'approssimarsi del caldo anche la natura cambia aspetto e colori.
In alcune zone, soprattutto in pianura, i campi coltivati già imbiondiscono, mentre sui prati da tempo è iniziata la raccolta del fieno.

E sono proprio le operazioni agricole al centro della miniatura del "Ciclo dei Mesi" dei fratelli Limbourg che rappresenta Giugno, un'immagine che, per certi versi, sembra in contrasto con quella del precedente Maggio.
Là infatti, davanti agli edifici più importanti di Parigi, si snodava un'elegante parata, un corteo di nobili in festa, mentre qui - sempre davanti alla città che però ci appare da un altro angolo di visuale - protagonista della scena è il lavoro dei campi.
Pare quasi che l'autore della miniatura abbia voluto mostrare in questi due mesi, due diversi aspetti della società del Quattrocento francese, un mondo ancora per molti versi legato al feudalesimo, in una compagine che già si era avviata - per esempio in Italia - verso configurazioni sociali e politiche differenti.

La miniatura ci presenta i campi su cui i contadini stanno raccogliendo il fieno: dai tre uomini in secondo piano che falciano l'erba, alle due donne in primo piano che la rastrellano e ne fanno dei piccoli covoni. Dietro di loro, al di là di un filare di alberi e della Senna, si eleva la città di Parigi con le sue mura e il Palais de la Cité, dimora reale e allora sede dell'amministrazione.

Bellissima la prospettiva segnata dalla triplice linea dei covoni, del filare di alberi (forse gelsi?...) e delle mura merlate, così come estremamente particolareggiata è la rappresentazione degli edifici completi di pinnacoli, comignoli, torri, finestre, finestrelle e il magnifico rosone.
Tutto è registrato con grande realismo, nulla è lasciato al caso, neppure la vegetazione sulla riva del fiume che presenta esemplari di Tipha latifolia, pianta che anche oggi troviamo di frequente nei canneti vicino ai corsi d'acqua.

Come di consueto, da tutta la composizione spira un'aura di serenità data sia dall'equilibrio e dalle rispondenze dei colori, verdi e blu in particolare, sia dalla grazia delle figure femminili in primo piano alle quali l'autore restituisce eleganza e dignità, quasi a valorizzare il lavoro contadino un tempo disprezzato o ignorato.

A commento di questa immagine, il Preludio di Bach per liuto tratto dal "Preludio, Fuga e Allegro BWV 998".
Interessante la morbidezza e la profondità di suono che lo strumento conferisce al pezzo e pregevole l' interpretazione di Luciano Contini che fa fiorire il canto bachiano con limpida continuità.

Buon ascolto!

Il regalo di S.Antonio

2011-06-13T09:50:00.008+02:00

Ho sempre festeggiato fin da bambina il 13 giugno, S. Antonio di Padova, sia perchè una zia che abitava con noi si chiamava Antonietta, sia perchè la festa coincideva per me con la fine della scuola e il tanto sospirato inizio delle vacanze.
Ma insieme al ricordo di pomeriggi luminosi e deliziose merende, mi è rimasta anche molta simpatia per questo santo che ho sempre sentito quasi di casa e che - me ne sono resa conto tempo dopo - nel giorno della sua festa mi ha riservato spesso qualche bella sopresa.

Per questo voglio ricordare quanto è accaduto un anno fa, esattamente la sera del 13 giugno 2010.
Mi trovavo a Medjugorje, ultimo giorno di permanenza con un gruppo di pellegrini, e avevo scoperto che, in occasione della festa di S.Antonio, nella chiesa parrocchiale si sarebbe tenuto un concerto del Coro polifonico S.Eufemia di Padova. Certo non me lo sarei lasciato sfuggire.
Così, mi ero staccata dal gruppo e alle nove di sera ero lì pronta, col cuore in ascolto.

Mi rivedo, mentre mi guardo intorno cercando qualche locandina col programma, ma non c'è nulla, e posso solo sperare che eseguano musiche di mio gradimento, chissà!... Ma già il poter assistere a un concerto è per me un gran regalo, non devo pretendere troppo.

Inizia il coro con una serie di canti religiosi ovviamente mariani, belli certo, eseguiti anche bene, ma è come se dentro di me fossi in attesa di altro.
Penso a Verdi, allo splendore de "La Vergine degli Angeli"....quella vorrei!
Ma non faccio in tempo a formulare il desiderio che iniziano a cantarla : "La Vergine degli Angeli mi copra del suo manto...", un sussurro d'anima assolutamente sublime, e ascoltarlo in quella circostanza, in quel luogo, mi pare una dolcissima risposta:
"Vedi?... A te piace la musica... e io te la regalo, proprio quella che vuoi tu!"

Il concerto prosegue con diversi altri brani, mentre silenziosa mi aggiro per la chiesa scattando qualche foto con la pacificante sensazione di essere in una sorta di grembo materno.
Però dentro di me avrei ancora un desiderio: vorrei l'Hallelujah di Haendel, con tutta la sua potenza esultante.
I canti si susseguono, ma...nulla! C'è anche un Magnificat di una bellezza che mette i brividi, stupendo. Ma io spero sempre in Haendel, almeno alla fine...
E poco dopo inizia inconfondibile l'Hallelujah, mentre mi si accende in cuore un irrefrenabile entusiasmo.

Però era proprio il canto finale, il concerto è finito.
Sì, sono stati tutti bravissimi, posso ritenermi soddisfatta.
Certo.....per me il massimo sarebbe stato sentire anche un coro alpino, magari "Signore delle cime", a mio avviso il più bello in assoluto, ma un canto di montagna non c'entra in un concerto di musica sacra e non si può avere tutto. Pazienza!

La gente applaude vivacemente, il direttore ringrazia, qualcuno si prepara a uscire. Sono già con la mente altrove, quando capisco che ci sarà un bis e mi dispongo tranquilla all'ascolto.
Il direttore spiega che, poco tempo prima, è venuto a mancare uno dei membri della corale e per ricordarlo degnamente canteranno....giuro che dentro di me lo so già.... canteranno "Signore delle cime"!
Faccio un salto sulla panca, un sussulto di felicità e gratitudine! Questo sì che è un regalo!

E cantano, cantano, nella chiesa tornata di colpo silenziosa e attenta, mentre lenta e pacata sale la melodia dandomi la sensazione di trovarmi in un angolo di Paradiso, accolta dal profondo proprio nel segno della musica, e mentre penso che - in realtà - questo canto è sacro davvero! Lo è in tutti i modi possibili, non tanto perchè è una preghiera e siamo in chiesa, ma perchè sa addentrarsi mirabilmente a toccare il terreno sacro dell'anima.

Lo condivido qui con voi, non nell'esecuzione della Corale S.Eufemia che non è stata registrata, ma in un'interpretazione altrettanto splendida offerta da youtube.

Buon ascolto!

"Ti scrivo" : dialogare con le note

2011-06-06T14:05:00.006+02:00

Sappiamo tutti che, se ogni forma di arte è un linguaggio comunicativo, la musica lo è per eccellenza perchè, superando la necessità o in qualche modo il vincolo delle parole e andando dritto alle emozioni, assume una portata universale.

Come ad esempio le arti visive, alle quali la mancanza del filtro delle parole conferisce immediatezza, così anche la musica - per quanto sia dotata di un suo linguaggio che va comunque compreso perchè se ne possa fruire pienamente - ha la virtù di raggiungere la nostra sensibilità in modo più diretto e toccante.

Il brano di Allevi che presento oggi intitolato "Ti scrivo" (dal cd "No concept" del 2005) s'inserisce in questo contesto.
Se pensiamo al precedente "Carta e penna" (da "13 Dita") che ho postato qui mesi fa, dove il titolo induce a pensare alla tastiera proprio come al foglio bianco sul quale l'autore scrive, scopriamo che non è nuova in Allevi l'esigenza chiaramente esplicitata di dialogare attraverso le note.
"Ti scrivo" però, sembra sottolineare questo aspetto comunicativo con intensità ancora maggiore, come se le note potessero tradursi non tanto in parole, quanto in onde emotive - frequenze interiori per così dire a monte delle parole stesse - andando a toccare quel nucleo segreto presente in ciascuno di noi dove nascono i pensieri.

Ed è singolare questo brano perchè, al di là del tema - talora leggero, talaltra più incisivo - il suo pregio sta nei dettagli: nel lieve quasi impercettibile rallentare e nelle successive riprese più veloci, nello sfumare qua e là una frase musicale modulandola con dolcezza, sempre alla ricerca di una perfezione non asettica, ma di un suono vivo e palpitante. Tutti aspetti che il tocco del compositore e il Bosendorfer Imperial con cui il brano è registrato ci fanno apprezzare maggiormente.
Ma tutti aspetti tipici anche di un vero e proprio discorso dove un'inflessione di voce, una pausa, un accento particolare, l'indugiare su di una parola piuttosto che lo scorrere via, ne affinano il significato.
Un discorso ricco di sfumature e di scioltezza nel ritmo fluido e a volte sincopato di certe battute, a tratti animato da martellante intensità, e poi ancora sommesso verso la fine.

Il brano è dedicato a un amico, prete e filosofo, scomparso improvvisamente senza che il compositore potesse salutarlo, ma al quale Allevi parla con queste note - come afferma lui stesso - "...sicuro che da lassù continua a seguire i miei passi".

Buon ascolto!

Buon Compleanno, Flautista!!!

2011-06-01T08:50:00.001+02:00

Il post di stamattina - come si evince già dal titolo - è dedicato all'amica blogger LaFlautista che, se non ho inteso male, proprio oggi compie diciotto anni !!!
Insieme agli auguri e agli abbracci da stritolo che le mando online, colgo l'occasione per manifestare il mio apprezzamento per il suo blog intitolato "Vasetto di margherite" che raccomando a tutti di visitare.

Si tratta di uno spazio ricco di freschezza e profondità, dove gli avvenimenti quotidiani sono scandagliati con gli occhi del cuore e gli eventi anche più piccoli divengono occasione per arricchirci dentro.
Passione, delicatezza e sincerità mi sembrano i tratti distintivi di questa giovanissima amica, sia che racconti l'entusiamo di un viaggio, o che confidi le proprie ansie, o che condivida - a volte con tratti di mirabile profondità - la propria esperienza di flautista.
I suoi post sono a volte notazioni brevissime, sintetiche, quasi a dire "Ci sono". Ma dove più si dilunga, sotto l'apparente minimalismo delle osservazioni, fiorisce la poesia, quella vera.

Ho pensato a lungo a che brano postare qui per lei, come regalino di compleanno.
Meglio musica rock o un valzer di Strauss? Un coro di montagna o un brano che renda omaggio al suo flauto?
Poi invece ho seguito le mie passioni e sono tornata a Bach scegliendo il Presto dal "Concerto italiano", un brano vivacissimo che adoro e che, a mio avviso, ben si adatta allo slancio e alla grinta di una diciottenne.
Il pezzo infatti - singolare concerto senza orchestra ma col solo pianoforte - ricostruisce l'ampiezza orchestrale attraverso il continuo inseguirsi delle voci, gli accenti posti alternativamente sulla destra o sulla sinistra a riprendere il filo della melodia e a condurlo fino alla conclusione.
Ne deriva un andamento veloce dove, dalle frasi musicali più scintillanti a quelle più sommesse, è una gioiosa vitalità a scaturire dalle note, fresca come acqua sorgiva.

Lo dedico ai diciotto anni della nostra amica con un mondo di auguri, una tirata di orecchie e tanti baci. Anzi, come direbbe lei... bacini!

Buon ascolto!

La chiesa nel prato

2011-05-27T20:40:00.004+02:00

Ho sempre amato l'arte figurativa, soprattutto gli stili semplici e spogli come il romanico.
Mi incantano le pievi o le abbazie di cui è disseminata, per esempio, la Toscana e delle quali apprezzo l'architettura sobria - muri di pietra e soffitti a capriate - quasi totalmente priva di decorazione.

Non pensavo perciò che, col tempo, mi avrebbero affascinato stili completamente diversi quali il barocco, e in certi casi addirittura il rococò.
Ripeto, non amo la sovrabbondanza di decorazione che appesantisce gli interni di un edificio, e del barocco mi è sempre piaciuta più che altro la sua capacità di creare il movimento nelle architetture, come le chiese del Bernini o del Borromini con le loro linee curve, gli ovali, le facciate che si snodano sinuose.

Pensavo perciò - la prima volta che mi sono recata in Germania - che il barocco d'oltralpe, così ricco e ridondante, non mi avrebbe colpito gran che.
Invece mi sbagliavo.
Una cosa è vedere aggiunte di questo stile in tante delle nostre chiese romaniche o gotiche. Altro invece è il barocco d'oltralpe, dove pitture e sculture si fondono perfettamente con la struttura architettonica e la muratura sulla quale fioriscono le decorazioni è chiara, talora proprio bianca.

Tanti sono i capolavori dell'arte tedesca a questo riguardo, ma quello che, veramente a sorpresa, ha esercitato su di me l'impatto più forte è stato il santuario della Wieskirche, la "chiesa nel prato".
Si tratta di uno dei più famosi edifici religiosi della Baviera, nei pressi di Steingaden, che risale circa alla metà del 1700 e presenta notevoli differenze tra l'esterno e l'interno.
Quanto infatti è semplice - sia pure nella sua struttura movimentata - l'esterno, altrettanto ricco e fastoso è l'interno, di un fasto però che non appesantisce l'insieme.
Qui infatti, anche la più ricca decorazione rococò (opera di fratelli Zimmermann), si stempera in un risultato di grande leggerezza attraverso i colori chiari: gli azzurri e i rosati dei marmi che si fondono col bianco dell'intonaco e l'oro degli stucchi.
Ed è la luce l'elemento fondamentale che differenzia questo barocco da quello di tante nostre chiese, una luce che permea ogni particolare sia architettonico che pittorico conferendogli una straordinaria leggiadrìa.
Così, colonne, sfondati prospettici, balconate simili a marmorei ricami, nicchie, persino l'organo, diventano un tutt'uno.

Il bellissimo video che segue - che suggerisco di guardare a schermo intero e di cui ringrazio l'autore per averlo condiviso su youtube - mostra diverse inquadrature dell'interno del santuario e accompagna la visione con una splendida pagina di Schubert : il Sanctus ("Heilig") dalla "Deutsche Messe".
Si tratta di un brano molto popolare anche nelle nostre chiese, nonostante venga cantato in parte con altre parole.
Ma questa versione originale, nella sua solennità, mi sembra adattissima a commentare le immagini della Wieskirche nella quale si venera proprio un'antica statua raffigurante il Cristo flagellato e considerata miracolosa.

Buon ascolto!

Ineguagliabile Hitchcock !

2011-05-25T14:35:00.007+02:00

Non ho mai amato particolarmente i gialli, nè come genere di lettura, nè come film: troppa tensione e talora anche violenza, soprattutto in quelli più recenti.
Certo, se capita un bel film in tv, lo vedo e magari ci resto inchiodata davanti fino alla fine, ma non lo vado a cercare appositamente.

C'è però un'eccezione, un maestro assoluto del brivido di cui conosco molta cinematografia : Alfred Hitchcock.
I suoi film e telefilm mi hanno sempre appassionato fin da ragazzina, sia per le trame ben congegnate che per le studiatissime inquadrature e le colonne sonore.
Chi non ricorda, per esempio, la colonna sonora di "Psycho" opera di Bernard Herrmann? Solo quella varrebbe un Oscar: tesa, martellante, ossessiva, assolutamente magistrale!

Così, quando qualche giorno fa ho scoperto che in tv ridavano "La finestra sul cortile", l'ho rivisto con piacere.
Si tratta di uno dei film più famosi e meglio riusciti del maestro del giallo, dove la trama vera e propria (il sospetto di un omicidio e la ricerca di indizi che lo confermino) si fonde con altre tematiche.
Da un lato, lo spettacolo di un microcosmo che il protagonista dal suo punto di osservazione va progressivamente scoprendo: uno spaccato di vita quotidiana di cui ricostruisce vicende e riannoda fili, proprio come fa lo spettatore davanti allo schermo.
Dall'altro, la relazione tra i due protagonisti che implicitamente trova una sorta di termine di confronto nelle storie che si svolgono al di là del cortile, nelle speranze, delusioni, gioie o rabbie che in esse affiorano.
E al di sopra di tutto, un gioco di scatole cinesi : la magistrale capacità di Hitchcock di prendere spunto dai particolari per indurre noi che guardiamo a entrare nella psicologia dei personaggi, così come - a loro volta - i due protagonisti entrano nelle esistenze che si dipanano davanti a loro.
Un capolavoro, insomma!

Bene. Ma che c'entra Hitchcock con la musica, magari anche classica?
C'entra, perchè al di là della produzione cinematografica, c'è una famosissima serie di telefilm per la tv intitolata "Alfred Hitchcock presenta", andata in onda parecchi anni fa e caratterizzata da una leggendaria sigla divenuta per così dire il simbolo stesso di Hitchcock.
Tutti la ricorderanno sicuramente, a cominciare dai meno giovani: accompagnato da un'originale colonna sonora, il regista vi commentava brevemente e ironicamente l'episodio e poi andava a riempire con la sua figura il proprio profilo stilizzato.

Quella colonna sonora è appunto un brano di musica classica e precisamente la "Marcia funebre per una marionetta" di Charles Gounod.
Sì, il Gounod del Faust e delle arie d'amore, dell' Ave Maria e di altre musiche sacre, proprio lui è l'autore di questa composizione un po' ammiccante, che procede a scatti quasi come una marionetta, giocosa e amara ad un tempo, decisamente singolare.

Questo per significare la versatilità d'ispirazione di Gounod e per scoprire quanta musica classica si annida là dove forse non ce l'aspettiamo.

Buon ascolto!

Festa blogger : che il sogno continui!

2011-05-22T22:15:00.003+02:00

Ho scritto tempo fa che, all'inizio di questa mia avventura di blogger, nutrivo qualche perplessità sul mondo del virtuale, perplessità andata poi dissolvendosi col tempo e l'esperienza sul campo.
Infatti, se non costituisce una fuga dal presente, ma uno spazio che con la realtà concreta mantiene fitti vasi comunicanti, il virtuale è indubbiamente una preziosissima risorsa.

Può essere luogo di condivisione e di confronto, di svago come di arricchimento culturale.
Se pure non ci si incontra materialmente e ciascuno può rivelare di sè solo ciò che vuole, tuttavia sentimenti ed emozioni che ci regalano scritti, foto e video, sono squisitamente reali, veri, e vanno a incidere sulla nostra vita, magari con un semplice pensiero che ci induce a riflettere o con una bella immagine che ci illumina di sorriso.

Quando però si crea l'occasione per conoscersi dal vivo, di persona, allora - certo - è meglio, e ogni relazione si carica di freschezza e intensità.

E l'incontro tra blogger, oggi, nella splendida e "gustosa" cornice bolognese, ha superato le migliori aspettative: un incontro preparato con precisione certosina da Ambra, Sandra ed Erika cui va un grande plauso, ma atteso e pregustato da tutti con emozione ed entusiasmo.

Bello ritrovare i volti intravisti nelle foto segnaletiche di alcuni profili, ma altrettanto bello scoprire quali sguardi e sorrisi si celano dietro poesie o articoli, foto e gioielli!
E' stato riprendere il polso della concretezza dopo aver dato sfogo all'immaginazione, ma è stato anche ritrovare qualcosa che in molti casi già conoscevamo, se è vero che scritti e immagini, colori e note musicali, talora dicono di noi forse più di quanto non sveli un volto.
Sì, ci siamo "riconosciuti" !

A tutti gli amici blogger incontrati, dedico allora lo splendore di una danza con il Valzer del "Faust" di Gounod, brano trascinante e festoso, vivace e delicato ad un tempo, adatto alla gioia e alla convivialità che abbiamo condiviso.
Con un pensiero di affetto per chi non c'era, un caloroso GRAZIE a tutti i presenti e l'augurio che il sogno continui!

Buon ascolto!

"Ma gli Alpini non hanno paura..."

2011-05-17T22:00:00.008+02:00

Mi piace rileggere i post degli amici, gustarmeli con attenzione quando ho tempo, cercando di cogliere ciò che magari, ad una prima affrettata lettura, mi sfugge. Ed è sempre un mondo variegato che mi si apre davanti, un quadro di eventi piccoli e grandi, un insieme di interessanti conoscenze, ma non solo.
Spesso respiro anche il profumo di sentimenti condivisi, di passioni coltivate con amore da persone ricche di sensibilità e capaci di farmi assaporare davvero l'atmosfera della loro vita.
E' bellissimo.

Così, nei miei vagabondaggi da internauta, ieri sono tornata al blog "Gianna: IL BENE IN NOI" e in particolare al post "Dal virtuale...al reale!" dove la carissima amica blogger racconta del suo incontro con Tomaso (del blog "Passato e presente") domenica 8 maggio a Torino, in occasione dell'ottantaquattresima adunata degli Alpini.

Ho riletto il post, riguardato le foto, sentito l'onda di commozione che Gianna ci ha saputo comunicare.
Ma, siccome da cosa nasce cosa, sono anche andata su youtube a vedermi i video live dell'adunata con le sfilate, i canti, l'entusiasmo della folla.
E da qui poi, il passo ad ascoltare i cori alpini è stato breve.

Ho sempre amato i canti di montagna, l'ho già detto in altra occasione, ma non avevo mai posto particolare attenzione a quelli della "Grande guerra".
Così, è sempre Gianna che devo ringraziare perchè - sia pure indirettamente - è merito suo se ne ho scoperto uno che mi ha letteralmente affascinato, sia per le parole che per l'armonizzazione: si tratta di "Monte Pasubio" di Bepi De Marzi.

Sappiamo tutti quanto il Pasubio sul quale passava la linea del fronte, sia stato teatro di una sanguinosa resistenza durante la Prima guerra mondiale. Di tale resistenza restano ancora oggi numerose opere belliche tra cui, una delle più famose, è la "Strada delle gallerie", una mulattiera costruita proprio dagli Alpini che consentiva all'esercito italiano il collegamento tra la base del monte e la zona più alta, senza passare sotto il fuoco nemico.
Il sentiero, percorribile ancora oggi, ci dà un' idea di ciò che è stata la guerra di posizione e del sacrificio dei nostri soldati.

Il testo del canto, particolarmente suggestivo, parla degli Alpini che salgono sul monte con la consapevolezza che non torneranno. E tuttavia, come ripete il ritornello, "non hanno paura".

Tra le varie interpretazioni offerte da youtube, ho scelto questa di un non meglio identificato Coro Alpino perchè armonizzata con grande pacatezza.
La modulazione delle voci infatti è morbida, talora sommessa, e la fusione del coro risulta perfetta, di una bellezza che - a tratti - mette i brividi.

Buon ascolto!

Effetti collaterali

2011-05-11T21:55:00.008+02:00

Capita.
Capita a me ogniqualvolta scelgo un brano da postare qui o - indipendentemente dal blog - quando ascolto musica, sia che la senta distrattamente, sia che ne venga catturata con ogni fibra della mia attenzione.
Accade a me, ma a chi sa quanti altri, forse a tutti.

Succede che, una volta sentito un brano, questo ti resti dentro come un ritornello al di là della tua volontà e dei tuoi pensieri: c'è e basta. E ti canta nell'anima.
Sei per strada e ti accompagna, ti svegli la mattina e si sveglia con te. Così diventa la colonna sonora delle tue giornate, sequenza di note in libertà che affiorano spontaneamente, a loro piacimento, a illuminarti cuore e sguardi.

A volte è un pezzo sentito in tv, magari una volta sola, per caso. O invece è un brano nel tuo ipod che riascolti dopo tanto tempo.
Credi forse di non averlo memorizzato e invece ritorna ripercorrendo la strada del tuo inconscio per conto suo, come da un fondale marino dal quale riaffiora.

Ho pensato spesso che il cuore dell'uomo sia un po' come il segreto abisso del mare - quel "porto sepolto" di cui parla Ungaretti in un suo mirabile testo - e ciò che si sedimenta in quelle profondità riaffiori poi per vie tutte sue, come un regalo dimenticato che invece è lì, per noi. Così, a mio avviso, è con la musica.

A me capita quando sono per strada, in cammino, come se la cadenza dei passi si sintonizzasse automaticamente con un ritmo interiore. Ed è così da sempre.
Ricordo della mia giovinezza da pendolare che, quando correvo a prendere il treno scaraventandomi giù per i cinque piani di scale in cima ai quali abitavo, appena varcato il portone di casa nell'aria fresca del mattino, come da un invisibile ipod la musica partiva. Spesso me la canticchiavo anche a fior di labbra.
Allora era stato Bach a catturarmi per primo: poi, col tempo, sarebbero arrivati tutti gli altri, antichi e moderni, a lasciarmi nell'anima il loro tributo di gioia, il loro respiro d'infinito.

Oggi, postare un brano su questo blog significa anche immergermi in un mondo di note che - con una sorta di splendido effetto collaterale - per qualche giorno mi avvolgerà indipendentemente dai miei pensieri, accompagnandomi con la sua aura di emozioni.

Per questo stasera, ancora una volta ritorno a Mozart per proporre, da "Le nozze di Figaro", "Voi che sapete...", un' aria di grande fascino che parla d'amore.
Ma al di là del suo significato nell'opera, mi piace dedicarla proprio alla Musica e alla suggestione dei tanti altri brani che seguiranno qui e che per ora mi porto dentro, custoditi nell'anima, in gioiosa lista d'attesa.

Buon ascolto!

Maggio

2011-05-10T12:44:00.018+02:00

E' una fastosa parata, un elegantissimo corteo quello raffigurato nella rappresentazione di Maggio all'interno del "Ciclo dei Mesi" dei fratelli Limbourg.
Si tratta probabilmente della festa del Calendimaggio, oggi rimasta da noi in molte rievocazioni storiche e qui celebrata nello splendore del mondo nobiliare francese all'inizio del Quattrocento.

E' l'esaltazione della primavera e dell'amore, della fioritura e del ritorno alla vita.
Al centro del corteo, sta Jean de Bourbon con la moglie Marie, figlia del Duca di Berry al quale è dedicata l'intera serie di miniature intitolata appunto "Les très riches heures du Duc de Berry", splendida cronaca dei fasti della famiglia.

Preceduta da suonatori di tromba, la sontuosa processione si snoda ai margini di una foresta dove sono stati raccolti rami dalle foglie verdi per farne dei serti di cui ciascun personaggio è adorno.
Gli abiti particolarmente raffinati e i mantelli trapuntati d'oro, oltre ad essere segno di grandezza e di solennità, hanno colori che rispettano una rigorosa simbologia: il verde delle dame più in vista simbolo della nascita dell'amore e l'azzurro - sia chiaro che più intenso fino al blu - riferimento alla fedeltà.

Manca tuttavia in questa miniatura la rappresentazione del mondo contadino e del castello isolato nella campagna.
Le torri e i pinnacoli che svettano sullo sfondo, come una foresta di pietre dietro a quella di alberi, raffigurano infatti il cuore di Parigi con i suoi edifici storici e in particolare il Palais de la Cité e la Conciergérie.
Sempre vivo il gusto per la descrizione minuziosa e dettagliata visibile, per esempio, nei particolareggiatissimi tetti della città o nei finimenti dei cavalli che riproducono gli emblemi del casato nobiliare.

A commento di un' immagine di tale luminosa eleganza, un famosissimo brano di Bach tratto dalla "Suite N.4 in Re magg. BWV 1069" per orchestra, un Minuetto che sembra accompagnare con il suo ritmo pacato il lento incedere di questa fastosa processione.

Buon ascolto!

"Le sole notizie che ho" : quando la musica rompe gli argini.

2011-05-05T16:25:00.006+02:00

Maggio è iniziato e la primavera ormai inoltrata ci regala luminosi pomeriggi di sole già caldo così come giornate a volte ancora ventose e plumbee, quasi autunnali, se non fosse per il verde rigoglioso che esplode sui viali e nei giardini.

Eppure anche nel cielo nuovo che ogni mattina prepara atmosfere magari inaspettate, c'è un fascino segreto che possiamo leggere se solo riusciamo a sfuggire alla nebbia dell'abitudine e lasciarci sedurre dalla freschezza del non ancora vissuto.
Talora basta dimenticarci per un momento di noi stessi e fare una sorta di vuoto dentro perchè la vita ci pervada come acqua che scorre libera, consentendoci di cogliere la bellezza anche del grigiore o di un cielo carico di nuvole.

E ancora una volta, ad affinare questa sensibilità suggerendoci una prospettiva diversa sulle cose, può essere la musica che, con la sua misteriosa comunicativa, parla infiniti differenti linguaggi e talora - prima ancora che dell'ascoltatore - sembra quasi impadronirsi dell'anima del compositore governandola a suo piacimento.

E' proprio a tale proposito che oggi, tornando alla contemporaneità, voglio proporre all'ascolto "Le sole notizie che ho" dal cd "Composizioni" (2003) di Giovanni Allevi.

E’ un Allevi complesso e tormentato quello che emerge da questo brano, forse ancora alla ricerca di una cifra comunicativa più semplice, tuttavia notevolissimo per tecnica e profondità. Un pezzo intenso e arpeggiato, intriso di malinconica irruenza e pervaso da un inquieto senso di attesa, ma purtroppo raramente eseguito nei concerti live mentre - a mio modesto avviso - meriterebbe maggiore rilievo.

Nonostante la sua struttura rispetti uno schema consueto e – come altri brani di Allevi e di tanti compositori anche del passato – si apra enunciando chiaramente un tema e ripetendolo con successivi arricchimenti, qui nella parte centrale sembra a un tratto che gli arpeggi abbiano il sopravvento.

La melodia infatti, all'inizio animata e tesa ma nitidamente individuabile, (se ridotta all’essenziale, quasi uno studio o un esercizio dal rigore bachiano), viene poi progressivamente sovrastata dagli arpeggi fino a divenire onda che dilaga impetuosa. E le note, prima gocce d'acqua che si susseguono veloci ad una ad una, divengono poi un torrente di fronte al quale il compositore sembra non porre più argini perché l’ispirazione fluisca liberamente in tutta la sua intensità. Una cascata di suoni ora giocati sulle ottave più alte del pianoforte, ora in discesa verso i bassi più profondi che si dilatano come ondate di piena, ricchi di una tensione che, a tratti, richiama l’impeto di Rachmaninov.

Un brano che sembra concepito davanti al mare in tempesta o guardando un vetro rigato di pioggia dove le gocce s’inseguono vorticose, come se l’acqua, nel suo inarrestabile fluire, fosse metafora della Musica alla quale il compositore si abbandona lasciandosene pervadere totalmente.

Buon ascolto !

"Lascia che la mia mano si perda nella tua..."

2011-05-02T13:25:00.007+02:00

Non sono incline al gossip e, se devo essere sincera, non amo il clamore mediatico che circonda, prima durante e dopo, avvenimenti mondani di grande rilievo come per esempio i matrimoni reali.
Però venerdì scorso, quando ho aperto la tv, sono rimasta catturata anch'io dalla bellezza delle immagini che mi scorrevano sott'occhio.

Splendida la cornice gotica dell'abbazia di Westminster (anche se degli alberelli all'interno, dico la verità, avrei fatto a meno...); bellissimi e raggianti William e Kate, capaci di coniugare - soprattutto lei - disinvoltura, semplicità ed eleganza; coinvolgente l'entusiamo del popolo inglese, e non solo, accorso a festeggiarli.

Certo, è una favola dei nostri giorni dai connotati molto diversi da quelle del passato. Certo, a nessuno sfugge che dietro un evento simile stanno anche interessi economici e business che talora lasciano un po' perplessi. E indubbiamente, come sempre, ogni gesto è stato programmato da un rigido protocollo.

Tuttavia, dietro l'apparato, mi è parso di cogliere davvero la spontaneità dei sorrisi e del cuore: non una bella facciata o uno spettacolo di rito per il popolo curioso, ma una storia d'amore sincera vista dalla gente come segno di vera coesione, condivisa col calore dell'affetto e forse con la speranza con cui ci si proietta, a volte, nei sogni degli altri.
Inevitabile poi che il pensiero andasse anche alla Principessa Diana, insieme al confronto con la diversa ma ugualmente splendida Kate alla quale va l'augurio di vita più lunga e più felice.

Ed è proprio a questa unione che voglio dedicare il brano di oggi.
In un primo tempo, avevo deciso di optare ovviamente per un compositore inglese, ma poi ho pensato che una storia d'amore meritava un musicista francese perchè da sempre la musica francese ha uno charme, un romanticismo e talora anche una sensualità che ben si addicono a questo evento.

Così ho scelto "Il se fait tard!...Adieu!", uno dei più affascinanti duetti d'amore del "Faust" di Gounod, un'aria nella quale la musica a tratti ritorna su se stessa con dolcissima intensità proprio ad esprimere la ridondanza di un sentimento traboccante.
E Gounod che qui usa una scrittura vocale particolarmente adatta alla lingua francese e un'orchestrazione dalle morbide sonorità, è colui che voleva essere riconosciuto proprio come "il musicista dell'amore".
Significativo, a questo proposito, anche il fatto che una delle battute iniziali di Faust a Margherita, la tenerissima frase "Laisse ma main s'oublier dans la tienne" (lascia che la mia mano si dimentichi...si perda nella tua), ricorra anche nel testo del "Roméo e Juliette" musicato sempre da Gounod.

Buon ascolto !

La voce di Lolek

2011-04-28T18:05:00.003+02:00

Difficile per me trovare parole adeguate ad un evento di tale spessore come la prossima beatificazione di Giovanni Paolo II, evento che - come certo ogni altra beatificazione - è una porta aperta verso l'infinito, ma che in questo caso interpella con particolare forza noi contemporanei.
Papa Wojtyla, infatti, non è un'immaginetta d'altri tempi, un santino o solo una pagina sia pure importante di storia o di agiografia.
E' invece una persona di cui, anche attraverso i media, abbiamo condiviso alcune vicende quasi da testimoni oculari, partecipando col cuore ai momenti drammatici della sua vita, coinvolti dalla sua sofferenza come dalla sua fede e dalla sua grinta.

Non sta a me ricordare eventi che tutti conosciamo: dalla giovinezza di Karol (Lolek per gli amici) segnata dal lavoro in fabbrica, dalle passioni per la poesia e il teatro, ai lunghi intensissimi anni di pontificato. Ma mi piace soffermarmi qui oggi su di un particolare aspetto, un dato fisico ed espressivo a mio avviso non trascurabile : la sua voce.

A colpirmi per prima infatti, dal giorno della sua elezione a Papa, è stata proprio la voce: forte, sicura, calda, giovane, con quell'inflessione straniera che lo portava a chiudere le "o", pronta a risuonare coraggiosa in ogni angolo di mondo, a guidare un canto insieme alle folle di giovani, con quel timbro confortante capace di incoraggiare o talora, incisivo, volto ad ammonire.

Quella stessa voce si sarebbe più tardi indebolita, incrinata e infine spezzata: prima gagliarda, poi sempre più tremante e impastata di sofferenza perchè non fosse il Papa bello e televisivo, sportivo ed attraente ad emergere, ma "l'Essenziale invisibile agli occhi".

Tutti ricordiamo - in una delle sue ultime apparizioni alla finestra dello studio - il suo gesto di dolore e forse d'impazienza, quel portarsi la mano alla fronte quando, nonostante lo sforzo, non era riuscito a parlare. C'era tutta la sua umanità in quel moto spontaneo, in quel pianto certo più esplicito di tanti discorsi perchè si può essere voce, sostegno, grido, testimonianza in molti modi: con lo sguardo, coi gesti, con la malattia, con le lacrime.
Anche col silenzio.

Allora, proprio alla sua voce così sofferta voglio dedicarne oggi un'altra, quella della Musica, con uno dei brani più trascinanti che io conosca.
Il "Cum Sancto Spiritu" della "Petite Messe Solennelle" di Rossini è infatti un coro straordinariamente gioioso, dove le varie parti che costruiscono l'architettura del pezzo s'inseguono salendo con vivacità ma al tempo stesso con serena distensione, e dove la tipica esuberanza rossiniana degli accordi introduttivi si stempera in quasi danzante levità.
E i sorrisi che fioriscono sui volti dei coristi parlano di una gioia che viene dall'anima profonda della musica e dal testo al quale il canto ridona vita.

Così pure, il richiamo allo Spirito che conclude il "Gloria" mi sembra in sintonia con quel vento che, il giorno del funerale di Giovanni Paolo II, ha sfogliato le pagine del Vangelo posto sulla sua bara, quasi a sigillo della sua vita terrena e sostanza di quella futura.

Buona visione e buon ascolto!

Buona Pasqua!

2011-04-23T21:20:00.017+02:00

A tutti voi che passate di qui,

BUONA PASQUA
nella gioia della Musica !!!

Fra' Evangelista da Reggio, Corale miniato: "Resurrezione" - Ferrara (Museo del Duomo).
Mozart, "Grande Messa in do min. K.427" : "Sanctus".

Venerdì Santo

2011-04-22T09:05:00.009+02:00

GIOTTO, "Deposizione" - Cappella degli Scrovegni - Padova.

ROSSINI, "Stabat Mater" : "Quando corpus morietur..."

Restare umani

2011-04-16T16:40:00.004+02:00

Credo di aver già espresso in altre occasioni, su questo blog, il mio apprezzamento per la musica di Sting.
Mi affascina la sua voce straordinaria, roca e delicata ad un tempo, vero strumento musicale, e mi piace il tipo di armonizzazione che accompagna le sue composizioni a metà strada tra rock e pop, ma aperte anche alla rielaborazione di pezzi classici.
Ne ho riportato alcuni esempi mesi fa, postando due brani tratti da "If on a Winter's Night".

Oggi desidero invece condividere una canzone che risale al 1985, ma ancora famosissima e ricca di un fascino senza tempo: "Russians".
Il brano, tratto dal primo album di Sting da solista, "The Dream of the Blue Turtles" , ha un forte significato politico e fa riferimento al periodo della "guerra fredda" tra Stati Uniti e Unione Sovietica.
Nella sua protesta contro la guerra, Sting si pone al di sopra dei due contendenti, superando la logica della sopraffazione e facendo appello a un discorso umano che tocca entrambi.
Significative a questo proposito alcune parole del testo:
"We share the same biology/ Regardless of ideology/ Believe me when I say to you /I hope the Russians love their children too" (Condividiamo la stessa biologia, indipendentemente dall’ideologia. Credetemi quando vi dico : spero che anche i Russi abbiano figli da amare).

E' proprio questa condivisione di umanità presente nella canzone e il suo invito a restare umani al di là di ogni contrasto, che mi ha toccato e mi spinge oggi a postarla qui dedicandola a Vittorio Arrigoni, il pacifista ucciso a Gaza due giorni fa da estremisti salafiti.
Contesto differente, certo, così come l'epoca e gli avversari in gioco. Tuttavia, trovo profonda sintonia tra le parole di questo ritornello e l'deale del volontario ucciso, l' esortazione "Restiamo umani" che aveva dato il titolo anche ad un suo libro e che oggi, dopo la sua barbara uccisione, suona come un grido ancora più accorato.

Ma c'è anche un altro motivo, strettamente musicale, a rendere interessante una canzone come "Russians".
Qui infatti, ancora una volta Sting dimostra il suo amore per la musica classica dalla quale ha preso spunto ispirandosi alla romanza della suite "Lieutenant Kijé" di Sergej Prokofiev.
Si tratta di un pezzo di malinconica solennità che il cantante ha rielaborato con la sua voce che si dilata grintosa, sottolineandone il ritmo e conferendo forza all'originaria morbidezza della melodia del compositore russo.

Per quanto della canzone personalmente preferisca le interpretazioni più datate, ho scelto la versione orchestrale proposta da Sting nel Simphonicity tour dello scorso anno perchè presenta un ulteriore richiamo a Prokofiev.
Nell'introduzione ricca di suspence quasi fosse la colonna sonora di un thriller e diretta con straordinaria energia dal Maestro Steven Mercurio, gli accordi che risuonano fortissimi e imponenti prima che Sting inizi a cantare riprendono infatti la famosa "Danza dei cavalieri" dal "Romeo e Giulietta".

Buon ascolto!

Aprile

2011-04-13T21:35:00.005+02:00

E' un fidanzamento tra persone di alto rango la scena raffigurata dai fratelli Limbourg nella miniatura del "Ciclo dei Mesi" che rappresenta Aprile, una scena di stampo cortese nella luminosa cornice di una giornata di primavera.

In primo piano, su di un verdeggiante prato delimitato da boschi, spiccano le figure dei protagonisti: i fidanzati con i rispettivi testimoni nell'atto di scambiarsi gli anelli, mentre due dame accanto a loro colgono fiori.
Vivaci i colori degli abiti e dei raffinati mantelli alcuni dei quali riprendono il blu del cielo e della lunetta, così come eleganti sono le linee sinuose che accompagnano bordure ed orli dei panneggi spesso damascati.

Il gusto dei particolari tipico di queste miniature non si manifesta però solo nei ricami delle stoffe, nella varietà del copricapi e delle acconciature, ma anche nella cornice paesaggistica. Sulla destra infatti, si possono notare le aiuole ordinate di un giardino chiuso e persino i fregi che adornano il muro dell'edificio, mentre accanto al castello che si disegna sullo sfondo, si raccolgono le casette del borgo davanti al quale si apre un laghetto con due imbarcazioni e una chiusa.

E' tuttavia meno imponente del solito il castello qui raffigurato, e nonostante la ricchezza di particolari descrittivi, resta davvero secondario forse perchè si vuole che l'attenzione dello spettatore converga tutta sulla scena del fidanzamento che si svolge all'aria aperta in un'atmosfera gioiosa e tersa.

I colori e la distensione del paesaggio conferiscono infatti un senso di serena pace al quadretto che non celebra - questa volta - i ritmi del lavoro contadino, ma la vita della nobiltà in tutta la sua piacevolezza. E si tratta di una nobiltà di sangue, ma certo anche di cuore che spira prima di tutto dagli atteggiamenti: gli occhi bassi della fidanzata, gli sguardi pacati dei presenti e i gesti delicati delle mani.

A commento di questa immagine, il II movimento della "Fantasia para un Gentilhombre" di Joaquin Rodrigo, brano che alterna momenti di malinconica dolcezza ad altri più vivaci e ritmati e che qui si avvale della splendida interpretazione della giovane chitarrista Petra Polackova.

Buon ascolto!

Se gli oggetti parlano...

2011-04-09T21:07:00.040+02:00

Leggo sul "Corriere della Sera" di oggi che i detriti del recente tsunami che ha colpito il Giappone stanno andando alla deriva nel Pacifico e hanno formato una sorta di isola, una piattaforma dai contenuti eterogenei che si muove portata dalle correnti e dal vento.
Ci sono autoveicoli, imbarcazioni, interi edifici con il loro corredo di oggetti domestici, una quantità imprecisata di plastica, una marea immensa che col tempo giungerà probabilmente sulle coste americane.
E - come afferma il velista Soldini, autore dell'articolo - è senza dubbio un enorme disastro ambientale che sconvolge l'ecosistema di tutto l'oceano, oltre a mettere a rischio la navigazione.

Ma questa massa di detriti alla deriva che fino a ieri erano cose vive, se certo mi fa pensare al destino che - letteralmente - ha spazzato via un'intera compagine esistenziale disperdendola come fosse "vanità", tuttavia mi conduce anche ad altre considerazioni.

Penso infatti che, in realtà, quegli oggetti parlino ancora e non siano solo il grido evidente di una tragedia senza pari, ma davvero raccontino la vita in tutto il suo valore: lavoro, progetti, relazioni, cultura, desideri, sogni, amore, sofferenza. A chi li trovasse in alto mare come si trova un messaggio in una bottiglia, sarebbero in grado di raccontare mille vicende, ricostruire mille storie per quell'intensità di cui si caricano a volte anche le cose - soprattutto quelle che amiamo - e ce le rende così vicine.

E proprio a questo proposito, mi sono venute in mente le immagini di un vecchio film di Bruno Bozzetto, "Allegro non troppo", dove sullo schema della "Fantasia" di WaltDisney, si susseguono episodi di animazione con la colonna sonora di brani classici.
Ricordo in particolare l'episodio commentato dal "Valzer triste" di Sibelius nel quale un gatto sparuto si muove tra le rovine di una casa abbandonata che attende di essere abbattuta.
Aggirandosi tra le macerie, ora spaventato ora incuriosito, in cerca di cibo e di ambienti che ormai non esistono più, il gatto ricorda la vita che vi si svolgeva un tempo e ricostruisce nella sua immaginazione la casa calda di affetti e relazioni.
Nei suoi grandi occhi gialli si aprono allora squarci di sogno dove le stanze s'illuminano e il vuoto si rianima. Scorre così il quotidiano con le sue gioie, la tavola, la danza, il gioco, la festa, ma poi il miraggio si spegne negli occhi del micio affamato e il buio torna a inghiottire le macerie della casa che verrà distrutta.

Resta l'onda dei ricordi, sottolineata dalla struggente musica di Sibelius alla quale Bozzetto ha sapientemente adattato la sequenza delle immagini.

Buona visione e buon ascolto!

"L.A. Lullaby" : ninna-nanna per una metropoli

2011-04-04T18:07:00.009+02:00

Scrivevo giorni fa di musicoterapia riferendomi alla capacità della musica di risanare nel profondo quasi ricostruendo il nostro tessuto interiore.
Ma l’argomento potrebbe andare oltre suscitando qualche interrogativo.
Su chi la musica esercita il proprio potere terapeutico? Solo su chi ascolta o non forse anche su chi esegue o, prima ancora, su chi compone?
Certo, immensa dev’essere la gioia di chi può rivestire questi ruoli contemporaneamente eseguendo la propria musica: un’emozione viva, una full immersion nel cuore della musica stessa che, a mio avviso, crea il miracolo e fa sì che essa diventi terapeutica per tutti, in un'onda sempre più larga che va dall’autore all’ascoltatore.

E al di là del fatto provato che essa attiva nel cervello reazioni positive sollecitando la chimica del nostro organismo, resta comunque per certi aspetti misteriosa questa comunicazione emotiva che passa da anima ad anima quasi da ferita aperta a ferita aperta, se mi si consente l’espressione un po’ cruda.

Ma altrettanto misteriosa, per altri versi, è anche l'origine dell’ispirazione artistica.
Essa infatti, se spesso trova le sue radici nel vissuto, di questo vissuto svela poi dimensioni e sfumature inusitate con uno sguardo che viene dall’alto e va oltre le apparenze. Così, si può essere immersi nell'ombra e vedere la luce, procedere dove è squallore e cogliervi solo un anelito alla bellezza.

E’ il caso di “L.A.Lullaby”, un brano tratto da “Alien”, l’ultimo cd di Giovanni Allevi.
Qui – come già era stato per “Notte ad Harlem” ispirato al famoso quartiere newyorchese – l’autore prende spunto da un suo soggiorno a Los Angeles (L.A. appunto) dove ha concepito la melodia non per le vie di Hollywood o dei quartieri alti, ma aggirandosi nella periferia della metropoli, quella degradata downtown descritta da Lopez nel romanzo “Il solista”, o da Bukowski, per fare qualche esempio.

Eppure, da un contesto di desolazione è fiorita la dolcezza, quasi lo sguardo del compositore avesse colto l’anelito di paradiso, l’angelo che abita ovunque il cuore di ogni uomo. E' come se la sua percezione fosse scesa fino all’essenziale, svelando della realtà circostante quella segreta identità – quel “Come sei veramente” per dirla proprio con Allevi – che solo uno sguardo di amore sa leggere.

Ne è nata così una ninna-nanna ricca di cantabilità e leggerezza, dove la ritmica contemporanea si fonde a richiami classici, in particolare a Chopin che Allevi mostra di aver assorbito fin nell'anima e ci sa restituire non come semplice citazione, ma fatto ormai cosa sua.

Lasciamoci portare allora da questa ninna-nanna che a tratti diviene quasi danza e dalla serenità che essa ci regala, mettendoci a contatto con la limpida segreta verità delle cose.

Buon ascolto!

Il vento della valle

2011-04-02T21:30:00.003+02:00

Amo i canti di montagna.
Devo averlo già detto una volta, di sfuggita.
Mi riportano sui banchi di scuola, mi ricordano le gite fatte in gruppo alle soglie dell’adolescenza, con l’eccitazione delle prime uscite fuori casa e l’ansia del nuovo nel cuore.

Avevamo un insegnante - mitico per genialità e rigore - che, sul pullman che ci portava in giro per monti o città d'arte, si mescolava a noi cantando e organizzando i nostri cori. Pendevamo dalle sue labbra, perlomeno noi ragazze…..e ci esaltavamo quando, alla fine, si riusciva a mettere insieme qualche brano a più voci, coinvolti dalla sua passione trascinante. Aveva la capacità di far cantare tutti, anche gli stonati; piuttosto che escluderli, faceva ripetere loro una sola nota : "Tu fai il vento della valle!” disponeva imperioso, e funzionava.

Erano appunto canti di montagna, e sono stati per così dire il mio iniziale approccio alla musica appena prima che passassi alla classica : "Il testamento del capitano", “Era una notte che pioveva", "La montanara", "Monte Canino"..….e tanti altri.

Avevo un librettino con le parole e sulla copertina la foto delle Pale di San Martino, un librettino che mi seguiva in ogni gita ormai sgualcito e squinternato, ma per me prezioso più di una bibbia. Poi una volta, dopo l’ennesimo viaggio stipato in una tasca dello zaino, non l’ho più trovato e mi è parso di perdere un pezzo di mondo.

Vivevamo esperienze di gruppo ricche di gioiosa intensità: ciascuno faceva la sua parte e il risultato ci univa consentendoci di percepire, nel nostro piccolo, la gioia di produrre qualcosa di bello. Io facevo sempre la seconda voce, mi riusciva bene e mi piaceva cercare sotto la melodia le note giuste per farne fiorire lo spessore.

Tutto questo mi è venuto in mente oggi quando, navigando su youtube, mi sono imbattuta ne “La ceseta de Transaqua” e si è ridestata in me l’antica emozione. E’ infatti il canto che, allora, il nostro prof. preferiva. Gli si illuminava lo sguardo di passione, mentre lo cantava, e noi dietro a lasciarci inondare l’anima di bellezza.

Dedico quindi a lui questo post, anche se magari non passerà mai di qui perché, tra gli svariati interessi che coltiva ora che da anni è in pensione, temo non ci sia l’informatica. Ma ricordarlo in queste righe è comunque per me un segno di gratitudine a chi mi ha iniziato allo splendore della musica, compresa poi quella classica, insegnandomi ad amarla con passione.

Buon ascolto!